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Murieron estrellas de Little House On The Prairie que no sabías

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Reparto de La pequeña casa de la pradera

Fotos Internacionales/Getty Images

En 2020, EW informó que Paramount estaba en las primeras etapas de un reinicio de “La casa de la pradera”. Si bien no hemos escuchado casi nada más sobre esto en los años posteriores (hasta el punto de que no está claro si la red realmente está avanzando con el proyecto), no podemos sacárnoslo de la cabeza. El programa, que se estrenó en 1974, fue un recuento de las novelas infantiles clásicas de Laura Ingalls Wilder que detallan las aventuras agrícolas de su familia en el entonces subdesarrollado Medio Oeste. Sus estrellas principales, Michael Landon, Karen Grassle, Melissa Gilbert, Melissa Sue Anderson, Lindsay y Sidney Greenbush y Matthew Labyorteaux, se convirtieron en nombres muy conocidos gracias a la serie, ya que atrajo a millones de espectadores a lo largo de sus nueve temporadas. .

En las cuatro décadas transcurridas desde que el programa salió del aire, varios de nuestros colonos favoritos han fallecido. Algunos murieron después de una vida y una carrera plenas, otros demasiado pronto.

Michael Landón

Michael Landon en el set

Colección Silver Screen/Getty Images

Michael Landon, una fuerza importante detrás de «La casa de la pradera», creó, escribió, actuó, produjo y, a menudo, dirigió la serie. Nacido en 1936 en Queens, Landon comenzó a centrarse seriamente en la actuación al final de su adolescencia, eligiendo estudiar en la escuela de actuación de Warner Brothers después de graduarse en lugar de una educación universitaria más tradicional. La apuesta dio sus frutos en 1957, cuando consiguió su primer papel importante como el personaje principal en la clásica película de terror «Yo era un hombre lobo adolescente». Su gran oportunidad llegó poco tiempo después, cuando fue elegido para interpretar al pequeño Joe en la serie de televisión «Bonanza».

Fue en el transcurso de las 14 temporadas de «Bonanza» que Landon comenzó a poner a prueba sus habilidades como escritor y director. Fue su disfrute de estos papeles junto con su crítica casi militante de sus compañeros actores y directores lo que, según The New York Times, explicó por qué insistió en tener un control creativo tan total sobre su próximo proyecto, «La casa de la pradera». »

Landon murió en 1991 a los 54 años, poco después de que le diagnosticaran cáncer de páncreas. En el 31 aniversario de su muerte, Melissa Gilbert, quien interpretó a su hija en la pantalla, Laura Ingalls, escribió en un ensayo para la organización benéfica contra el cáncer de páncreas PanCAN (a través de People), «Mike era un hombre honorable y con principios que creía, primero y sobre todo en el poder del amor, la tolerancia, la compasión y la comprensión… Él fue mi mentor y una de las mayores influencias en mi vida… Su muerte dejó un enorme vacío en las vidas de aquellos de nosotros que también lo conocimos personalmente. aquellos que simplemente admiraban su trabajo.»

Katherine MacGregor

Katherine MacGregor como Harriet Oleson

NBC

Katherine MacGregor apareció en 152 episodios de «La casa de la pradera» como Harriet Oleson, la mezquina y chismosa propietaria de la mercantil Walnut Grove.

Nacido en 1925 en Glendale, California, MacGregor se mudó a la ciudad de Nueva York en 1949 como recién graduado del programa de teatro de la Universidad Northwestern y rápidamente obtuvo una gran cantidad de papeles en varias producciones teatrales. Todo su trabajo, en estos primeros años, fue acreditado bajo el nombre de Scottie MacGregor, un apodo que abandonó a mediados de los años 70 cuando hizo la transición a la televisión. Después de una serie de papeles invitados en comedias populares como «Ironside» y «All in the Family», finalmente consiguió el papel por el que se hizo conocida: la Sra. Oleson.

A los fanáticos les encantaba odiar a la desagradable Sra. Oleson, y MacGregor siempre fue muy abierta acerca de cuán intencionalmente creó esa dinámica. En una entrevista de 1981 con el Santa Cruz Sentinel (a través del sitio web oficial de Little House en el sitio web de Prairie), señaló: «Busco el humor de la señora Oleson. Originalmente fue pintada como una mala persona en blanco y negro. Cualquiera que sea tan malo tiene «Ser un tonto. Así que comencé a mezclar la farsa. Creo que el público cuenta con ver a la señora Oleson caer sobre su trasero».

Cuando MacGregor murió en 2018 a la edad de 93 años, Melissa Gilbert recurrió a Instagram para recordar a su ex coprotagonista por ese logro exacto y escribió: «Era franca y graciosamente divertida. Una actriz verdaderamente talentosa, ya que podía interpretar a una despreciable carácter pero con tanto corazón… Adiós Scottie. Espero de todo corazón que nos volvamos a encontrar la próxima vez.»

Richard Toro

Richard Bull como Nels Olseon

NBC

A menudo compartía escenas con Katherine MacGregor Richard Bull, el nativo de Illinois que interpretó a Nels Oleson, el copropietario mucho más gentil y amable de la mercantil Walnut Grove.

Nacido en 1924, Bull fue un actor accidental. Le dijo a The Wisconsin State Journal en 1975 (a través de Little House en el sitio web de Prairie): «Nunca consideré seriamente convertirme en actor. Cuando estaba en el último año de la escuela secundaria, decidí estudiar música, pero un amigo me sugirió que asistiéramos al Goodman Theatre School. En dos semanas el amigo abandonó, pero yo quedé enganchado». Sus primeros papeles profesionales fueron en el escenario del Goodman Theatre de Chicago. Estas partes, que fueron tan bien revisadas, generaron oportunidades en proyectos más grandes como «The Satan Bug» y «The Thomas Crown Affair», que luego le dieron a Bull su primer papel recurrente en la serie «Voyage to the Bottom of the Sea».

A mediados de los años 70, Bull fue elegido para interpretar al Sr. Oleson, el más notable de sus más de 100 créditos en cine y televisión. Tras su muerte en 2014 a la edad de 89 años, su hija en la pantalla, Alison Arngrim, lo recordó en un comunicado en Variety diciendo: «En la vida real, [Bull] Era tan amable, inteligente, reflexivo y razonable como cabría esperar que fuera Nels Oleson. Estoy muy agradecido de haber podido pasar tiempo con él y su esposa Bobbie durante el último año. Realmente estoy muy conmovido por la abrumadora (y mundial) efusión de amor por Richard Bull».

Víctor francés

Bigote francés Víctor

Archivos de Michael Ochs/Getty Images

Grande y corpulento, Victor French a menudo se vio elegido como el villano antes de conseguir su papel como el vecino solitario de los Ingalls, Isaiah Edwards, en «La casa de la pradera».

Nacido en el mundo del espectáculo, French era hijo de un conocido especialista, Ted French. De hecho, fue la popularidad de su padre y sus diversas conexiones las que ayudaron al joven a conseguir su gran oportunidad. Los primeros papeles de Víctor fueron en «Gunsmoke», el western de varias temporadas en el que su padre había aparecido durante varios años. Ese trabajo lo llevó a un papel recurrente en «Bonanza», más familiar, donde conocería a Michael Landon y comenzaría su asociación creativa. French explicaría más tarde su relación profesional con The Washington Post en 1985 de esta manera: «Cuando se fue a hacer ‘La casa de la pradera’, me quería para el programa… Pasamos más tiempo juntos que una pareja casada. » «Little House» tampoco sería el único proyecto de la pareja juntos. Ambos coprotagonizaron y dirigieron uno de los últimos grandes proyectos de Victor, la serie de Michael Landon «Highway to Heaven».

Víctor murió en 1989, apenas unos meses después de que le diagnosticaran cáncer de pulmón. Tenía 54 años. Su ex coprotagonista Charlotte Stewart (que interpretó a la maestra de escuela Miss Beadle) lo recordó en Smashing Interviews como «uno de los hombres más encantadores y divertidos y tenía tan buen corazón». Una evaluación que contrasta marcadamente con los roles de malo que definieron el inicio de su carrera.

Hersha Parady

Hersha Parady como Alice Garvey

NBC

Hersha Parady interpretó a otra maestra de escuela de Walnut Grove, Alice Garvey. Introducida al comienzo de la cuarta temporada, Parady seguiría siendo una serie regular hasta que su personaje fuera asesinado al final de la sexta temporada.

Parady le dijo una vez a The Clevland Plain Dealer (a través de The Hollywood Reporter) que estaba destinada a Hollywood. «Siempre fui una niña que vivía en el mundo de la simulación. Incluso cuando era muy pequeña, prefería hacer fantasías a jugar con muñecas», reflexionó. A principios de los años 70, redobló su pasión y se mudó a Los Ángeles para convertirse en una actriz seria. Poco después de llegar, consiguió su primer papel importante como Stella en «Un tranvía llamado deseo» junto a Jon Voight como Stanley. A partir de ahí, consiguió pequeños espacios en series como «Bearcats!» y «The Waltons», que finalmente la llevó a su audición para «La casa de la pradera».

Según Today, en realidad fueron dos de sus coprotagonistas, Katherine MacGregor y Richard Bull, quienes se aseguraron de que se abriera la puerta de «Little House» para Parady. Según se informa, la vieron en una producción teatral y quedaron tan enamorados de su trabajo que la recomendaron a los directores de casting de la serie. El resto, como ellos dicen, es historia.

En 2023, Parady murió después de que le diagnosticaran un tumor cerebral varios meses antes. Ella tenía 78 años.

Merlín Olsen

Merlin Olsen en el micrófono

Bob Riha Jr/Getty Images

Merlin Olsen también se unió al elenco de «La casa de la pradera» en la cuarta temporada, como el esposo de Hersha Parady y miembro de Walnut Grove, Jonathan Garvey.

A diferencia de su esposa en la pantalla, Olsen nunca sintió que actuar fuera su destino. De hecho, el fútbol era su pasión. Considerado por su alma mater, el estado de Utah, como el mejor atleta en la historia de la escuela, Olsen pasó 15 temporadas (de 1962 a 1976) jugando para Los Angeles Rams como miembro de la línea defensiva del «temible cuarteto» del equipo. Después de su retiro, firmó un contrato con NBC, con la intención de pasar sus días comentando, no haciendo fantasías. Sin embargo, finalmente el tackle defensivo de 6’5″ decidió intentar actuar.

Después de varias temporadas de «Little House», Olsen consiguió su propia especie de spin-off, «Father Murphy». A finales de los 80, había comenzado a desacelerarse profesionalmente, pasando más tiempo actuando como portavoz de varias marcas y menos elaborando nuevas historias propias. Murió en 2010 a los 69 años después de que le diagnosticaran mesotelioma. El comisionado de la NFL, Roger Goodell, lo recordó como «una persona extraordinaria, amigo y jugador de fútbol… Se preocupaba profundamente por la gente… Merlín era una persona más grande que la vida, literal y figurativamente, y deja un legado enormemente positivo» (vía NBC).

Kevin Hagen

Kevin Hagan como el Dr. Hiram

NBC

Otro rostro reconocible de Walnut Grove, Kevin Hagen, interpretó al amable médico del asentamiento, el Dr. Hiram Baker.

Nacido en Chicago en 1928, hijo de una pareja de bailarines de salón, Hagen no siguió inmediatamente los pasos de sus padres en el mundo de la interpretación. En cambio, probó suerte en una serie de trabajos más tradicionales: servir en la Marina de los Estados Unidos, trabajar para el Departamento de Estado de los Estados Unidos en Alemania e incluso matricularse en la facultad de derecho de la UCLA. Pero, con el tiempo, ya no pudo ignorar la atracción del centro de atención y, a finales de los años 50, abandonó los estudios para dedicarse a la actuación. Más tarde diría que «[acting] Era algo de lo que no podía alejarme. … Simplemente descubrió que se convirtió absolutamente en parte de mí. Hazlo o muere» (a través del Seattle Times).

Uno de los primeros papeles de Hagen en pantalla fue en la película de Disney «La luz en el bosque», pero fue su papel en «Shenandoah», donde interpretó a un desertor confederado asesino, el que realmente lanzó su carrera. A partir de ahí, el actor apareció en decenas de westerns y programas de temática occidental, todos los cuales culminaron en su papel más reconocible, Doc Baker. Esa parte de «Little House» inspiró el último gran proyecto de su carrera, un programa de cable unipersonal llamado «A Playful Dose of Prairie Wisdom» donde, según una reseña del Los Angeles Times, «ofrece[ed] el ingenio popular y la sabiduría de un médico de las praderas del siglo XIX en temas como las letrinas.»

Hagan murió en 2005 después de que le diagnosticaran cáncer de esófago. Tenía 77 años.

Dabbs Greer

Dabbs Greer como el reverendo Alden

NBC

Dabbs Greer, un actor de carácter icónico, interpretó al ministro de Walnut Grove, el reverendo Robert Alden, de 1974 a 1983.

Nacido en 1917 en Missouri, Greer comenzó a actuar desde niño, apareciendo en su primera producción con tan solo 8 años. Consiguió su primer trabajo remunerado en 1938, como extra en la película «Jesse James». Su carrera quedaría definida por este tipo de trabajo: pequeños papeles secundarios que nunca lo convertirían en un nombre familiar pero que le proporcionarían un sueldo fijo. Una vez le dijo a un periódico de Nueva York que no le importaban los papeles porque «cada actor de carácter, en su pequeña esfera, es el protagonista», según CBS.

Algunas de las apariciones más notables de Greer fuera de «Little House on the Prairie» fueron en «Gunsmoke», «The Brady Bunch», «The Twilight Zone», «Perry Mason», «The Dick Van Dyke Show» y como 108 Versión de hace años del personaje de Tom Hanks en «La milla verde». Su última actuación fue en un episodio de 2003 de «Lizzie McGuire».

Su talento lo mantuvo reservado y ocupado durante 60 años, pero su devoción por su trabajo parecía dejarle poco tiempo para una vida personal. Cuando Greer murió en 2007 después de que le diagnosticaran una enfermedad renal y cardíaca, se reveló que nunca había estado casado ni había tenido hijos. Tenía 90 años.

Karl Swenson

Karl Swenson como Lars Hanson

NBC

Décadas después de su ilustre carrera, Karl Swenson consiguió el papel de Lars Hanson, fundador y anciano principal de Walnut Grove. El papel sería el último: Swenson murió pocos días después de filmar el episodio de la quinta temporada donde su personaje muere de vejez.

Swenson comenzó como actor de radio en la década de 1930. Prestó su voz a una serie de programas a lo largo de los años 30, 40 y 50 (como «The Mercury Theatre on the Air» de Orson Welles), antes de dar el salto al escenario. Uno de sus primeros papeles teatrales importantes fue el protagonista, David Beeves, en la primera producción de Broadway de Arthur Miller, «El hombre que tenía toda la suerte». No fue hasta que Swenson cumplió 50 años que hizo su debut en cine y televisión, apareciendo en la película «Four Boys and a Gun» y el programa «The Edge of Night» con meses de diferencia. Sin embargo, después de romper ese muro, Swenson tuvo una gran demanda y apareció en casi 200 proyectos durante las siguientes tres décadas.

En 1959, apareció en un episodio de «Bonanza», donde conoció a Michael Landon. Ese encuentro fortuito lo llevó finalmente a ser elegido para «La casa de la pradera», que sería su último trabajo. Swenson murió en 1978 tras un infarto. Tenía 70 años.

Steve Tracy

Steve Tracy con Alison Angrim

NBC

Steve Tracy, una incorporación posterior al elenco de «Little House», interpretó a Percival Dalton, el marido de Nellie Oleson.

Tracy nació en Ohio en 1952. Comenzó a actuar cuando era estudiante universitario, estudió teatro en Los Angeles City College y comedia en el Harvey Lembeck Comedy Workshop. Si bien su papel en «La casa de la pradera» no fue su primer trabajo profesional, ciertamente fue el más conocido (hasta ese momento todo había sido pequeños papeles o trabajo extra en programas como «Quincy ME»). También lo conduciría a una de las relaciones más definitorias de su vida adulta.

En su libro «Confessions of a Prairie B****», Alison Angrim (quien interpretó a la esposa de Tracy en la pantalla) escribió que la pareja era tan unida que muchos asumieron que estaban en una relación en la vida real. El actor explicó que la pareja hacía de todo juntos, desde asistir a la alfombra roja y eventos benéficos hasta pasar el rato en sus remolques entre tomas y comer. «Es como si nunca hubiéramos dejado de ser Nell y Percival», señaló. En realidad, Tracy era un hombre gay, pero su estrecha amistad con Angrim ayudó a mantener el resto de su vida privada fuera del centro de atención, algo que parecía haber deseado desesperadamente dado lo poco que hay sobre él.

El día de Acción de Gracias de 1986, Tracy murió debido a complicaciones del SIDA. Tenía 34 años.

Moisés Gunn

Moisés Gunn fumando cigarro

Archivos de Michael Ochs/Getty Images

Es notorio que «Little House on the Prairie» tenía muy pocos personajes de color, pero Joe Kagan, el boxeador convertido en residente de Walnut Grove interpretado por Moses Gunn, era uno de ellos.

Gunn nació y creció en San Luis, Misuri. Su infancia no fue fácil, pero las historias y contarlas parecían ser un consuelo para el joven. Después de una temporada en el ejército y de pasar algún tiempo obteniendo una licenciatura, Gunn fundó una compañía de teatro, Footlights Across Tennessee, con la que continuaría trabajando durante muchos años. El grupo, que realizó giras por universidades del sur y el medio oeste, no fue su única contribución al panorama de las artes escénicas: en 1968 cofundó The Negro Ensemble Company.

Quizás mejor conocido como actor de teatro, Gunn ganó un premio Obie por «Titus Andronicus» y un premio Tony por «The Poison Tree». Pero sus incursiones en el cine y la televisión no pasaron desapercibidas. Fue nominado a un Emmy por su trabajo en «Roots» y participó en películas notables como «Shaft», «Ragtime» y «Heartbreak Ridge». De hecho, su trabajo fue tan notable que la crítica lo aclamó como «uno de los mejores actores del país».

Su papel en «La casa de la pradera» llegó en las últimas etapas de su carrera. Su última aparición, en 1981, se produjo apenas una década antes de su muerte en 1993. Cuando murió ese año por complicaciones del asma tenía 64 años.

Celebridades que no sabías que estaban relacionadas con políticos

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Curiosamente, las celebridades y la política suelen ir de la mano. Tomemos como ejemplo a Arnold Schwarzenegger. El actor es tan conocido por su paso como gobernador de California como por su papel en la franquicia «The Terminator». Donald Trump, el empresario y estrella de la telerrealidad que se convirtió en el presidente número 45 de los EE. UU., es posiblemente uno de los ejemplos más infames de lo que puede suceder cuando las celebridades y la política chocan.

Aunque estos políticos famosos a menudo se polarizan, Schwarzenegger argumentó que él y Trump atraen a quienes no son fanáticos de los políticos tradicionales. «¿Por qué me eligieron?» preguntó el exgobernador de California mientras hablaba con The New York Times en 2021. «¿Por qué Trump fue elegido? Porque la gente no estaba satisfecha con los políticos. Odian a los políticos. No pueden confiar en ellos. Esta es la historia principal». Mientras que celebridades como Schwarzenegger y Trump están directamente involucradas en el mundo de la política, otras estrellas están involucradas por linaje.

Aquí hay algunas celebridades que no sabías que estaban relacionadas con políticos.

steven ford

Steven Ford, el actor conocido por sus papeles en «The Young and the Restless» y «When Harry Met Sally», es hijo del difunto expresidente estadounidense Gerald Ford. Steven se asegura de que el legado de su padre perdure a través de un documental de 2016 sobre su vida y la Fundación Gerald R. Ford. El actor habló sobre el documental, titulado «Gerald R. Ford: A Test of Character», durante una entrevista con The Washington Post. Señaló que la película se estrenaría inmediatamente después de las elecciones presidenciales de 2016. «Tengo que reírme del momento, porque no podría haber una mayor diferencia entre lo que está pasando hoy y cuando papá compitió contra Reagan y Carter: sabía cómo estar en desacuerdo con alguien sin ser desagradable», dijo Steven al medio.

En cuanto al trabajo de Steven con la Fundación Gerald R. Ford, se desempeña como Fideicomisario y Presidente. La corporación sin fines de lucro promueve la alfabetización histórica y la educación a través de su Biblioteca y Museo Gerald R. Ford y otros esfuerzos.

Durante una entrevista para el Proyecto de Historia Oral de Gerald R. Ford, Steven habló más sobre el enfoque político de su padre. El actor dijo que Gerald pudo encontrar fácilmente puntos en común incluso con aquellos con los que no estaba de acuerdo. “Y creo que eso se remonta a por qué pudo cruzar el pasillo en el Congreso y trabajar tan bien con demócratas y republicanos”, dijo.

Jenna Bush Hager

En estos días, Jenna Bush Hager es más reconocida por aparecer en nuestras pantallas de televisión todas las mañanas en el programa «Today». Sin embargo, también es hija del expresidente estadounidense George W. Bush. Por supuesto, esto significa que ella también es la nieta del difunto ex presidente de los Estados Unidos, George HW Bush. Podría ser seguro decir que la personalidad de la televisión absorbió mucho conocimiento a lo largo de los años, dado que creció muy cerca de dos expresidentes. Durante un episodio del programa «Today», Jenna compartió algunas de las lecciones que aprendió de su mamá y su papá. Cuando se le preguntó cómo es capaz de hacer frente a las críticas, Hager dijo: «Es por mis padres. Observé cómo mis padres tomaban cosas y nos decían ‘Bebé, no importaba. Sabemos que no somos como eso. Sabemos que no somos esa persona'».

Continuó compartiendo que su padre tenía bastante sentido del humor, incluso cuando le lanzaban insultos. «Dijimos, ‘Papá, vimos la mejor calcomanía para el parachoques'», dijo Jenna, recordando un momento en que decidió burlarse de su padre. «Decía ‘¡A un pueblo de Texas le falta su idiota!’ y se rió histéricamente porque sabe quién es». En «Hoy con Hoda y Jenna», Jenna habló sobre la orientación que recibió de su difunto abuelo y compartió que él vivía según una lista de reglas que ahora sigue.

Kate Upton

Parece que existe una amplia gama de talentos dentro de la familia de Kate Upton, porque la modelo no es la única Upton que aparece en los titulares. Su tío es el excongresista de Michigan Fred Upton. Fred y Kate parecen ser cercanos porque el ex congresista una vez le dio a la modelo un recorrido por el Capitolio de los Estados Unidos. Kate también visitó Washington DC como parte de la celebración de su cumpleaños número 21, que fue documentada por el representante estadounidense Kevin McCarthy a través de las redes sociales.

Fred habló sobre la reacción de la familia Upton a la portada de Sports Illustrated de Kate durante una entrevista con Fox News en 2012. «Ella es una gran chica», dijo. «Ha sido divertido verla crecer. Solo tiene 19 años, pero todos estamos orgullosos de Kate». Continuó compartiendo que sus colegas se burlaron de la falta de parecido entre él y su sobrina. «Muchos de mis colegas me preguntan si fui adoptado», bromeó Fred. Kate también habló sobre la reacción de su familia a la portada de la revista que ayudó a que su carrera se disparara durante una entrevista con «Fox & Friends» (a través de Politico). «A mi familia siempre le han gustado los deportes y Sports Illustrated siempre ha estado en nuestra casa», dijo la modelo. «Así que ahora estar en la portada de la edición de trajes de baño es un gran logro».

Esteban Colbert

La hermana de Stephen Colbert, Elizabeth Colbert-Busch, se postuló para un puesto en la Cámara de Representantes de los EE. UU. en representación de Carolina del Sur en 2013. La presentadora de «The Late Show with Stephen Colbert» apoyó públicamente a su hermana durante su campaña. Durante una entrevista con CNN, admitió que esta era la primera vez que participaba en una elección. “Ella es mi hermana”, dijo el comediante en ese momento. «Y estoy dispuesto a, ya sabes, romper la joya de mi propia creación para tratar de hacer algo por ella». Stephen aparentemente sugirió que su participación en la campaña de su hermana podría generar críticas de los fanáticos, pero no le importó correr ese riesgo por ella.

Desafortunadamente para la familia Colbert, Elizabeth perdió ante Mark Sanford, quien anteriormente fue gobernador de Carolina del Sur. Colbert abordó la pérdida de su hermana en «The Colbert Report» (a través de The Hollywood Reporter). Como habrás adivinado, adoptó un enfoque cómico. «Esta noche estoy enojado», bromeó el comediante. «Y, por una vez, eso no me hace feliz. Mi hermana perdió. ¿Cómo pudo pasar esto? Estaba tan seguro de que Lulu había ganado porque CNN lo llamó por Sanford».

robin thede

La comediante y escritora de sketches Robin Thede de «A Black Lady Sketch Show» es la hija de Phyllis Thede, quien sirve en la Cámara de Representantes de Iowa. Phyllis ha ocupado este cargo desde 2009, por lo que tal vez no sorprenda que su papel en la política haya impactado la carrera de su hija. A Robin se le preguntó si el trabajo de su madre inspira su material durante una entrevista con The Hollywood Reporter. “Eso es algo que solo me ayudó, porque mi carrera inicial fue como escritor oficial y cómico: piloto aquí y piloto allá, pero nadie sabía quién diablos era yo”, dijo el comediante. «Nada apareció hasta ‘The Nightly Show’. Cuando entrevisté a Larry Wilmore para el puesto de guionista principal, pude contarle la historia de mi madre en la política. Creo que eso lo ayudó a saber que yo era la persona adecuada para ese programa».

Es posible que la comediante le haya pagado a su madre el impulso de su carrera porque reveló durante una aparición en «The Real» que pagó la hipoteca de sus padres. «Para mí, poder hacer eso por mis padres fue simplemente el sueño supremo», dijo Robin en el programa de entrevistas. También dejó en claro que no seguirá los pasos de Phyllis al convertirse en política en el corto plazo.

larry david

Larry David no tenía idea de que él y Bernie Sanders (quien algunos han dicho que es su doppelgänger) son primos hasta que ambos aparecieron en el programa de PBS «Finding Your Roots». En dos escenarios separados del programa, David y Sanders estaban sentados en una mesa y se les dijo que se descubrió que tenían un pariente que no conocían. A ambos se les entregó una carpeta que contenía una foto del otro, revelando que son primos. «La gente me dice: hablan de Larry David y dicen que él hace un mejor Bernie Sanders que yo», dijo Sanders sobre Larry, quien lo interpretó en las parodias de «Saturday Night Live».

David y Sanders hablaron en persona durante un episodio del programa «Today», y todo fueron bromas. Al Roker le preguntó a David cómo se sentiría si Sanders se convirtiera en presidente (en ese momento se postulaba para presidente durante las elecciones estadounidenses de 2020). “Como dije antes, es genial para el país, terrible para mí”, bromeó David. “Tengo que volar. Cada semana. No sería agradable, debo decírtelo». Sanders luego respondió: «Te estoy dando un buen trabajo durante cuatro años, y te estás quejando».

Katie Couric

Jenna Bush Hager no es la única presentadora del programa «Today» con un político en la familia. La difunta hermana de Katie Couric, Emily Couric, fue senadora de Virginia. Emily murió de cáncer de páncreas en 2001, pero trabajó en política incluso después de que le diagnosticaron por primera vez. Sin embargo, su enfermedad lamentablemente acabó con su carrera antes de tiempo. «Claramente, mi salud es mi primera prioridad», dijo Emily después de anunciar su diagnóstico, según Wired. «El cáncer de páncreas no es, como dice mi hermana, el cáncer de elección. Es un cáncer difícil».

Katie continúa honrando a su difunta hermana. En el 2017, compartió una publicación de Instagram con una emotiva leyenda en recuerdo de Emily. «Al ver a tantas mujeres decidir postularse para un cargo y entrar en el servicio público, me hizo pensar en mi hermana, a quien, como senadora estatal, le encantaba representar a la gente de Charlottesville y todo el condado de Albemarle», la ex «Today «, escribió el anfitrión en parte. «Emily estaría muy orgullosa de las muchas mujeres que quieren ‘ser el cambio que desean ver'». Emily fue el segundo miembro de la familia de Katie en morir de cáncer. Cuando el esposo de la personalidad de la televisión, Jay Monahan, murió de cáncer de colon, Emily trabajó para aprobar una legislación que ayudara a los residentes de Virginia a ser diagnosticados antes. Katie reveló que estas leyes exigen que las compañías de seguros cubran las colonoscopias para las personas mayores de 50 años.

Olimpia Dukakis

La difunta actriz ganadora del Oscar Olympia Dukakis está relacionada con el exgobernador de Massachusetts y candidato presidencial Michael Dukakis; los dos son primos. Parece que eran cercanos porque Olympia centró la atención en Michael durante su discurso de aceptación después de ganar un Oscar a la Mejor Actriz de Reparto por su papel en la película de 1987 «Moonstruck». Ella gritó: «¡Está bien, Michael, vámonos!». en referencia al hecho de que su prima se postulaba para presidente en ese momento.

Según AP News, Olympia también ayudó a Michael hablando sobre su vida en un video pregrabado que se mostró al público en la Convención Nacional Demócrata. «Al igual que nuestros padres antes que nosotros, Mike cree que en Estados Unidos todo es posible», dijo el actor en el clip. «Todos sabemos que muchos estadounidenses han venido a este país sin nada, nada más que esperanza. Bueno, hoy uno de sus hijos se presenta ante ustedes con la oportunidad de ser presidente de los Estados Unidos». La estrella pasó a detallar los años de escuela secundaria de Michael y explicó que su propio padre emigró a los Estados Unidos desde Grecia. Claramente, Olympia no se quedó callada sobre su apoyo a su prima antes de su muerte. Falleció a los 89 años en el 2021. La estrella estaba casada con el también actor Louis Zorich y los dos tenían tres hijos.

amy schumer

El senador de Nueva York Chuck Schumer es primo de la actriz Amy Schumer. Este dúo no solo posó juntos para selfies de Instagram, sino que Amy también salió en defensa de Chuck después de que se enfrentó a una reacción violenta del ex presidente de los Estados Unidos, Donald Trump. Las cosas se desarrollaron después de que Trump firmó una orden ejecutiva que condujo a políticas de inmigración restrictivas. Chuck respondió a la decisión de Trump con un emotivo discurso. Incluso derramó lágrimas mientras entregaba su mensaje. “Decimos no a las órdenes ejecutivas equivocadas porque son malas para Estados Unidos, malas para nuestra seguridad nacional, malas para la naturaleza humanitaria que Estados Unidos siempre ha tenido”, dijo el político durante su discurso.

El discurso de Chuck aparentemente molestó a Trump porque el expresidente luego usó Twitter para compartir: «Nancy Pelosi y Fake Tears Chuck Schumer realizaron un mitin en los escalones de la Corte Suprema y el micrófono no funcionó (un desastre), ¡igual que la fiesta Dem!». Fue entonces cuando Amy, que no tiene miedo de decir lo que piensa, intervino a través de un largo mensaje compartido en Instagram (a través de Page Six). «Conozco a Chuck Schumer y ÉL NO PUEDE actuar, confía en mí», escribió en parte en la publicación eliminada desde entonces. «Apenas puede sonreír en el momento justo. No puede evitar ser transparente y genuino. Estaba dolido por esas personas y por todas las personas que enfrentan una injusticia tan inconstitucional».

La estrella de Summer House que no sabías que estaba en un video de Taylor Swift

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Desde su debut en 2017, «Summer House» ha sido una puerta giratoria de estrellas de telerrealidad. El programa Bravo ha presentado un elenco rotativo, así como cameos de estrellas de otros programas exitosos, incluidos «Reglas de Vanderpump» y «Encanto sureño». Cada temporada de «Summer House» parece traer al menos un nuevo miembro del elenco, y en el verano de 2021, aparecieron varias caras nuevas cuando Mya Allen, Alex Wach y Andrea Denver aparecieron en la casa de fiestas de Hamptons, según Bravo.

Los fanáticos de Diehard Bravo reconocieron a Denver de inmediato. El modelo masculino, que cambió su apellido de Salerno a Denver como nombre artístico, según IMDb, no era un recién llegado total a la red cuando protagonizó la serie con temas de verano y se involucró en una historia de triángulo amoroso con Paige DeSorbo. y Craig Conover. Denver en realidad hizo su debut en Bravo en el spin-off «Winter House» a principios de ese año. Pero si bien fue un favorito instantáneo de los fanáticos en «Summer House», es posible que los espectadores con ojos de águila lo hayan reconocido de otro concierto de muy alto perfil.

Andrea Denver apareció en uno de los videos musicales más grandes de Taylor Swift

Si bien se convirtió en una estrella de Bravo en «Summer House», Andrea Denver es más conocida por su trabajo como modelo. El trozo italiano ha modelado para Abercrombie, Ralph Lauren, Hugo Boss y más, y ha aparecido en varias revistas, según su biografía en su sitio web oficial. Pero cuando tenía poco más de 20 años, también apareció en uno de los videos musicales más grandes de la época.

En 2014, Denver apareció en el video musical de gran éxito de Taylor Swift para la canción «Blank Space». La futura estrella de reality fue acreditada como «Segundo novio» en el video, según IMDb. Se puede ver a Denver al final del video conduciendo un convertible rojo y recibiendo un guiño de Swift desde el otro lado del camino. El video enormemente popular ha recibido más de 2 mil millones de visitas en YouTube a partir de este escrito.

En 2020, Denver llevó a Gorjeo para revelar que, aunque no apareció en cámara con Swift, sí la conoció. «Asistí a algunas escenas ese día que filmamos en septiembre de 2014», dijo a los fanáticos. «Ella era hermosa.»

Andrea Denver siempre fue una Swiftie

Andrea Denver no tuvo que fingir su fanatismo por Taylor Swift. De hecho, es un Swiftie de la vida real (también conocido como el apodo de los súper fanáticos del ganador de 11 premios Grammy). En una entrevista de julio con el podcast «Behind the Velvet Rope», le dijo al presentador David Yontef que trabajar en el video de Swift fue un sueño hecho realidad. «Ese fue el sueño de los sueños, porque crecí como Swiftie, como fanático de Taylor», dijo. «Entonces, trabajar con ella fue como, está bien, esto es lo mejor que me pudo pasar».

Denver dijo que estuvo en el set durante un par de horas para filmar sus escenas y que cuando interactuaba con Swift, ella siempre tenía seguridad rodeándola. «Tuvo la seguridad con ella todo el tiempo, incluso si estábamos en un lugar privado, tenía a estos dos tipos de seguridad todo el tiempo», dijo. «No era el mejor ambiente para entablar una conversación… No le dieron espacio. Así que sí, realmente no pude entablar una pequeña charla». Si bien no pudo conversar con Swift en profundidad, Denver dijo que apreciaba la experiencia y señaló que es «una locura» pensar cuántas vistas ha recibido el video desde su lanzamiento.

Sin embargo, el currículum del video musical de Denver no terminó con Swift. El alumno de «Summer House» también apareció en el clip de Jennifer Lopez para «I Luh Ya Papi» en 2014, y estuvo en el fondo del video «B *** h I’m Madonna» de Madonna al año siguiente, según Bravo. .

Estrellas de Star Trek que no sabías murieron

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«Star Trek» ha sido un fenómeno cultural desde el momento en que se emitió por primera vez. La serie original atrajo a una gran cantidad de fanáticos, la mayoría de los cuales se sintieron increíblemente decepcionados cuando NBC canceló el programa en 1969. A pesar de que a todos los fanáticos les encantó, «Star Trek» no estaba logrando buenos índices de audiencia. Aún así, la gente amaba tanto al elenco y al equipo del USS Enterprise que celebraron convenciones, presionaron a la red y efectivamente reavivaron el fandom de «Star Trek», sacándolo del olvido de las transmisiones.

La razón principal por la que a la gente le encantó la serie lo suficiente como para impulsar la creación de lo que finalmente se convirtió en una franquicia masiva fue la gente. El elenco incluía una plétora de actores de teatro y cine increíblemente talentosos, desde la silla del Capitán hasta un Redshirt asesinado al azar en una misión fuera de casa. Las personas que eligieron «Star Trek» claramente sabían lo que estaban haciendo, y su experiencia continuó en cada película, acción en vivo y serie animada que siguió.

Debido a que «Star Trek» existe desde 1966, muchas de las personas talentosas que dieron vida a sus personajes han sido «transmitidas», por así decirlo. Innumerables actores han muerto desde que aparecieron en una película o serie de «Star Trek» a lo largo de los años, por lo que hacer una lista de todos ellos es bastante engorroso. En cambio, esta lista presenta a algunos jugadores que asumieron roles clave a lo largo de los años, muchos de los cuales quizás no se dé cuenta de que han muerto.

jeffrey cazador

Si bien es bien sabido que el Capitán James T. Kirk comandó el USS Enterprise en la serie original de «Star Trek», es posible que algunos fanáticos no sepan que no fue el primero en capitanear el barco. El Capitán Christopher Pike, interpretado por Jeffrey Hunter, fue la segunda persona en comandar el famoso barco, convirtiendo a Kirk en el tercero. El episodio piloto original de «Star Trek», «La jaula», presentaba a Pike como el Capitán. En última instancia, se descartaron varios aspectos del piloto, incluido Pike, aunque el personaje apareció a través de imágenes de archivo y un actor diferente en «The Menagerie».

Christopher Pike finalmente consiguió el papel principal en «Strange New Worlds», por lo que el personaje de Hunter sigue vivo en la franquicia de «Star Trek». Si bien Hunter trabajó ocasionalmente en televisión, con «Star Trek» siendo solo un problema en su larga carrera, fue predominantemente un actor de largometrajes. Su carrera comenzó en 1950 a través de un papel no acreditado en «Julius Caesar», y solo le llevó dos años obtener un papel principal en «Lure of the Wilderness» de 1952. Continuó actuando en películas con incursiones ocasionales en la pantalla chica. Probablemente sea mejor conocido por interpretar al personaje principal en «Temple Houston», que se desarrolló entre 1963 y 1964.

La salud de Hunter empeoró cuando una explosión en el set de «Cry Chicago» lesionó su columna vertebral y le provocó una conmoción cerebral. Seis meses después, tuvo una hemorragia intracraneal que lo hizo colapsar y fracturarse el cráneo, lo que requirió una cirugía cerebral. Murió poco después a la edad de 42 años, solo tres meses después de casarse con Emily McLaughlin.

barry atwater

Los vulcanos han sido durante mucho tiempo una raza importante en la franquicia de «Star Trek», gracias a la brillante interpretación de Leonard Nimoy del Sr. Spock. No había muchos Vulcanos en la serie original, por lo que los pocos que aparecieron eran increíblemente importantes. Eso es ciertamente cierto para Surak, el padre del abrazo filosófico de Vulcano de la lógica sobre las emociones. Podría decirse que es el vulcano más importante en la historia de la especie. Surak apareció en un solo episodio titulado «The Savage Curtain» y fue interpretado por Barry Atwater. Desde entonces, otros actores de varias series han interpretado al personaje.

La carrera de Atwater comenzó en 1954 cuando apareció en un episodio de «Gunsmoke». Continuó apareciendo en numerosas series de televisión y algunas películas antes de aparecer en «Star Trek». Probablemente es mejor conocido por su trabajo en «General Hospital», «The Hard Man», «The Story of Lynn Stuart», «The Night Stalker» y «The True Story of Jesse James». Su trabajo le valió importantes elogios y lo ayudó a obtener la mejor reputación en episodios de «The Outer Limits» y muchas otras series. También fue un actor de teatro talentoso, habiendo aparecido en producciones teatrales a lo largo de su carrera.

El trabajo de Atwater comenzó a ralentizarse en la década de 1970 debido a un diagnóstico y tratamiento de cáncer. Su cáncer se volvió terminal y murió de un derrame cerebral en mayo de 1978. Atwater celebró su 60 cumpleaños nueve días antes de su muerte. Las acusaciones de uso de esteroides plagaron su vida durante años, y algunos creían que fue un factor que contribuyó a su muerte.

Roger C. Carmelo

«Star Trek» presentó numerosos personajes únicos, muchos de los cuales tuvieron un impacto. De vez en cuando, alguien regresaba para repetir su papel, como lo hizo Roger C. Carmel para Harcourt Fenton «Harry» Mudd. El personaje poseía cierto encanto seductor que lo hacía simpático e irredimible al mismo tiempo. Mudd era un estafador y un conocido contrabandista. El personaje apareció en dos episodios de «Star Trek» durante la ejecución de la serie original. Apareció por primera vez en «Mudd’s Women» y luego regresó para «I, Mudd».

Mudd tuvo un impacto y luego apareció en «Star Trek: The Animated Series» en «Mudd’s Passion». Carmel interpretó al personaje tres veces, dándole una gran cantidad de carisma, que fue atenuado por los actores que interpretaron a Mudd en la era moderna de «Trek». Estaba listo para volver a interpretar a Mudd en «Star Trek: The Next Generation», pero murió antes de que comenzara la filmación. Carmel es bien conocido entre los fanáticos de la franquicia, pero no es el único crédito en su currículum. Carmel comenzó a actuar en Broadway en 1958 y apareció en numerosas producciones teatrales a lo largo de los años.

Su tiempo en Broadway perfeccionó sus habilidades, que empleó en numerosas películas y series de televisión, incluida «The Transformers», donde proporcionó las voces de varios personajes. Gran parte de su trabajo posterior provino detrás del micrófono, brindando la voz de Smokey the Bear y otros personajes notables. Carmel murió a la edad de 54 años en noviembre de 1986; Se dijo que su muerte se debió a una sobredosis de narcóticos, pero oficialmente se catalogó como miocardiopatía hipertrófica.

Si usted o alguien que conoce está luchando con problemas de adicción, hay ayuda disponible. Visita el Sitio web de la Administración de Servicios de Salud Mental y Abuso de Sustancias o comuníquese con la línea de ayuda nacional de SAMHSA al 1-800-662-HELP (4357).

glenn corbet

«Star Trek» tiene una tradición compleja que se extiende hacia el pasado y el futuro, gracias a algunas travesuras de viajes en el tiempo. Debido a esto, varios personajes se consideran significativos para los temas generales. Sarak es uno de esos personajes para los vulcanos, mientras que para los humanos de la Tierra, no puedes encontrar una figura más prominente que Zefram Cochrane, el padre de los viajes warp. El trabajo de Cochrane atrajo la atención de los vulcanos sobre la humanidad, abriendo la puerta a los viajes interestelares y convirtiéndolo en una figura histórica clave.

Cochrane apareció por primera vez en la segunda temporada de «Star Trek» a través del episodio «Metamorfosis». Kirk lo encontró en un asteroide y fue envejecido artificialmente y vivió 150 años después de su desaparición. Más tarde, el personaje sería interpretado por James Cromwell en «Star Trek: Primer contacto», pero Glenn Corbett lo llevó por primera vez a la pantalla chica. La carrera de actor de Corbett se produjo después de su paso por la Marina de los EE. UU., donde se desempeñó como Seabee. Luego pasó a actuar en producciones teatrales, cine y televisión.

La carrera de Corbett incluye apariciones notables en «Gunsmoke», «The Man from UNCLE» y «The Fall Guy». Sus créditos cinematográficos lo colocan en los mismos proyectos que John Wayne («Chisum») y Jimmy Stewart («Shenandoah»), entre muchas otras estrellas de Hollywood. Corbett continuó actuando hasta su muerte en 1993 luego de seis meses de tratamiento por cáncer de pulmón. Murió a los 59 años y fue enterrado en el Cementerio Nacional Fort Sam Houston en San Antonio, Texas.

Bibi Besch

El Capitán Kirk tenía cierta reputación de encontrar siempre su camino hacia los brazos de una dama alienígena. Desde el principio, fue demasiado encantador para resistirse, lo que lo llevó a numerosas relaciones con varias mujeres. La mayoría de sus coqueteos no duraron mucho, pero hubo una mujer que capturó su atención por mucho más tiempo que cualquier otra. La Dra. Carol Marcus y Kirk tuvieron una relación en algún momento a fines de la década de 2250 o principios de la de 1960, que tuvo un hijo, David. Marcus sintió que las responsabilidades de Kirk con la Flota Estelar hacían imposible una relación, por lo que le pidió que se mantuviera alejado para poder criar a David sin él.

Kirk estuvo de acuerdo, pero se encontró con el Dr. Marcus y David durante los eventos de «Star Trek II: The Wrath of Khan» y «Star Trek III: The Search for Spock», en los que murió David. La muerte de David afectó a Kirk por el resto de sus días y lo hizo desconfiar intensamente de los klingon. Si bien la Dra. Marcus no apareció en la serie original, tuvo un impacto significativo en «La ira de Khan», donde Bibi Besch la interpretó. La actriz se hizo un nombre en varias telenovelas a fines de la década de 1960 antes de llegar a la pantalla grande.

Protagonizó varias películas destacadas, incluidas «Steel Magnolias» y «Tremors». Besch continuó trabajando hasta bien entrada la década de 1990, pero un diagnóstico de cáncer de mama truncó su carrera y su vida. Murió en septiembre de 1996, a la edad de 54 años, a causa de la enfermedad.

marca lenard

El Sr. Spock es probablemente el vulcano más famoso que aparece en cualquier serie de «Star Trek», y la mayoría de los fanáticos saben que es mitad humano y mitad vulcano. Su madre, Amanda Grayson, conoció a su padre, Sarek, a través de su trabajo como embajador Vulcano y representante del Consejo de la Federación. Sarek, al igual que su hijo y su hija adoptiva, Michael Burnham, era una persona intensamente analítica e inteligente. Se convirtió en una figura prominente en los círculos Vulcano y de la Federación, conectándolo con varias personas notables, incluidos James T. Kirk y Jean-Luc Picard.

Sarek apareció en gran medida en varias propiedades de «Star Trek», incluidas la primera, tercera, cuarta, quinta y sexta películas teatrales. A pesar de todo, fue interpretado por Mark Lenard, quien permaneció en la franquicia durante un tiempo considerable. Además de sus apariciones en «Star Trek», que incluyeron interpretar a un comandante romulano anónimo, interpretó a Sarek en «Star Trek: The Animated Series» y en varios episodios de «Star Trek: The Next Generation». Además de trabajar en la franquicia, Lenard tuvo papeles en numerosas películas de alto perfil, como «Hang’ Em High» y «Annie Hall».

A pesar de sus papeles en el cine, Lenard es mejor conocido por su tiempo en la pantalla chica. A lo largo de su carrera de 42 años, Lenard interpretó papeles en «Hawaii Five-O», «Gunsmoke», «The Incredible Hulk» y mucho más. Aún así, probablemente sea mejor conocido por interpretar a Sarek, si sus obituarios son una indicación. Lenard murió a la edad de 72 años de mieloma múltiple, un tipo de cáncer de glóbulos blancos que es tratable pero incurable.

deforest kelley

La serie original de «Star Trek» y sus largometrajes constaban de una plétora de personajes, pero tres se destacaron entre el resto. Eran el Capitán Kirk, el Sr. Spock y el Dr. Leonard «Bones» McCoy. Los tres oficiales superiores trabajaron en estrecha colaboración a lo largo de sus muchas aventuras, convirtiéndose en amigos increíblemente cercanos en el camino. McCoy fue fundamental para revivir la mente de Spock cuando murió y renació en «Star Trek III: La búsqueda de Spock». Desde el comienzo de la serie, Bones fue interpretado brillantemente por DeForest Kelley.

El tiempo de Kelley en «Star Trek» llegó al final de una larga carrera como actor que comenzó en 1940. Sirvió en las Fuerzas Aéreas del Ejército de EE. UU. durante la Segunda Guerra Mundial y decidió seguir una carrera como actor cuando salió en 1946. Mientras tenía un trabajo limitado antes de la guerra, no fue hasta 1947 que su carrera profesional despegó con la película «Miedo en la noche». Continuó apareciendo en películas y series de televisión, especializándose en westerns durante buena parte de su carrera. Todo cambió cuando fue elegido como Bones en «Star Trek», ya que el papel dominaría su carrera a partir de ese momento.

La mayor parte de su trabajo como actor continuó a lo largo de la franquicia al aparecer en las primeras seis películas. También tuvo un cameo en el episodio piloto de «Star Trek: The Next Generation», convirtiéndolo en el primer personaje de «Star Trek» en hacerlo. Kelley murió de cáncer de estómago en 1999, a la edad de 79 años.

Juan Colicos

Pídele a cualquier fanático que no sea de «Trek» que nombre una especie de la franquicia; lo más probable es que escuche «klingon» más que cualquier otra cosa. Los klingon han sido una parte importante de la tradición de «Trek», que se remonta a la serie original. El primer episodio que presentó a la especie agresiva fue «Errand of Mercy», pero es posible que no reconozcas el maquillaje como Klingon en estos días. Hay una explicación en el universo para esto, pero no hace falta decir que, sea cual sea su aspecto, los klingon son un gran parte de la franquicia Uno de los primeros destacados fue Kor, un klingon inusualmente carismático.

John Colicos interpretó a Kor en la serie original y continuó interpretando al personaje durante décadas. Si bien no regresó para «Star Trek: The Next Generation», Kor, y Colicos, regresaron para tres episodios de «Star Trek: Deep Space Nine». El mismo actor se aplicó un maquillaje apropiado para su época y se convirtió en Kor una vez más. Finalmente fue asesinado en «Once More Unto the Breach», 31 años después de su primera aparición. El trabajo de Colicos en la franquicia lo mantuvo en la mente de los fanáticos durante años, aunque se diversificó en largometrajes y teatro a lo largo de su carrera de 49 años.

Pasó décadas trabajando en varias series de televisión como personaje y actor de doblaje. Prestó su voz a Apocalypse en «X-Men: The Animated Series», y fuera de «Trek», probablemente sea más recordado por interpretar al Conde Baltar en «Battlestar Galactica». Colicos murió en 2000 después de un infarto a la edad de 71 años.

james doohan

Montgomery Scott, más conocido como Scotty por sus amigos, fue uno de los personajes principales de «Star Trek», aunque inicialmente estaba destinado a ser un semi-regular. Eso no duró mucho, y Scotty pronto se convirtió en un miembro vital del equipo, apareciendo en numerosos episodios de la serie original y «La Serie Animada». Regresó para «Star Trek: The Motion Picture» y continuó apareciendo en películas, siendo «Star Trek: Generations» su última aparición cinematográfica. Aún así, Scotty no había terminado con la Enterprise.

El personaje hizo una última aparición canónica en un episodio de «Star Trek: The Next Generation», acertadamente titulado «Reliquias», aunque fue filmado dos años antes que «Generaciones». Scotty fue creado principalmente por el hombre que lo interpretó, James Doohan. Una vez le dijo a Sci-Fi Online: «Scotty es noventa y nueve por ciento James Doohan y uno por ciento de acento». Gene Roddenberry le permitió pensar en el nombre, lo que hizo en honor a su abuelo. También desempeñó un papel importante en hacer que Scotty fuera escocés.

El talento de Doohan para los acentos le valió mucho trabajo a lo largo de los años y dio vida a muchos personajes animados en «La serie animada» y otros proyectos. De alguna manera, «Star Trek» se apoderó de su carrera, pero no hizo mucho para separarse, sino que eligió abrazar el fandom y aceptar su papel en traer «Star Trek» al mundo. Doohan murió a la edad de 85 años en su casa de la enfermedad de Alzheimer y neumonía en 2005.

Majel Barrett

Miles de personas han trabajado en varios proyectos de «Star Trek» a lo largo de los años, pero solo una de ellas puede ser llamada la «Primera Dama de ‘Star Trek'». La carrera de Majel Barrett comenzó en la comedia y fue instruida por Lucille Ball. Apareció en varias series destacadas, incluidas «The Lucy Show», «Leave it to Beaver» y más, pero es mejor conocida por su asociación con «Star Trek». Barrett finalmente se casó con el creador de la serie Gene Roddenberry, y apareció en cada encarnación de la franquicia realizada durante su vida. En esta capacidad, interpretó a más de una docena de personajes, todos los cuales son notables.

En el episodio piloto, interpretó al primer oficial del Enterprise, llamado «Número uno» por el Capitán Pike. El personaje no funcionó bien por varias razones, por lo que Majel Barrett interpretó a la enfermera Christine Chapel (con una peluca rubia) cuando NBC retomó la serie. Nurse Chapel apareció en el programa varias veces y desempeñó un papel destacado en algunos episodios. Cuando «Star Trek» fue revivida a través de «La próxima generación», Barrett fue traído de vuelta a través de la recién creada Lwaxana Troi. Su personaje era increíblemente poco ortodoxo y cautivador, y regresó para varios episodios de «Deep Space Nine».

Quizás la contribución más significativa de Barrett a la franquicia fue su voz. Desde el principio, ella proporcionó la voz de las computadoras Enterprise (y otras Starfleet). Antes de morir a los 76 años de leucemia en diciembre de 2008, ella grabó una biblioteca de sonidos fonéticos y diálogo para que su voz pudiera continuar funcionando en las naves de la Flota Estelar mucho después de su fallecimiento.

Ricardo Montalbán

Ninguno de los grandes villanos que aparecen en la franquicia de «Star Trek» es tan querido y vilipendiado como Khan Noonien Singh. Khan apareció por primera vez en el episodio de «Star Trek», «Space Seed», en 1967, y causó un gran revuelo. Khan una vez conquistó y gobernó el 25% de la Tierra, convirtiéndolo en uno de los villanos más destacados de las Guerras Eugenesias. Como humano aumentado genéticamente, Khan poseía habilidades físicas y mentales que superaban con creces a otros humanos. Esto lo hizo especialmente peligroso, así que una vez derrotado, fue congelado criogénicamente y lanzado al espacio.

Ahí es donde Kirk y su tripulación lo encontraron y lo revivieron. Khan casi tomó el control de la Enterprise antes de que Kirk lograra abandonarlo en Ceti Alpha V. Avanzó rápidamente hasta «Star Trek II: La ira de Khan», y Khan volvió como el principal antagonista en lo que podría decirse que es el mejor «Star Trek». «película hasta la fecha. La razón principal por la que Khan era un villano tan convincente no era cómo estaba escrito; así lo interpretó el inimitable Ricardo Montalbán. A pesar de tener un impacto significativo en la historia de «Trek», Montalbán no era un pony de un solo truco.

El hombre ya era un veterano actor de teatro y cine mucho antes de llegar a la franquicia. Interpretó a Armando en «Escape From the Planet of the Apes», al Sr. Roarke en «Fantasy Island» y apareció en numerosas series de televisión y películas. Ganó numerosos premios, incluido un Emmy y un premio Screen Actors Guild Lifetime Achievement Award. Montalbán murió por causas naturales en enero de 2009, a la edad de 88 años.

Guillermo Windom

Si bien los capitanes de las naves de la Flota Estelar son esenciales en el esquema general de las cosas, no son los niveles más altos de mando. La Flota Estelar está estructurada de manera muy similar a la Marina de los EE. UU., con una estructura de mando jerárquica que supervisa sus operaciones en los cuadrantes Alfa y Beta de la galaxia. Dicho esto, el hecho de que alguien tenga un rango considerablemente alto no significa que no sea susceptible a los mismos problemas que los demás, lo que nos lleva al comodoro Matt Decker. Estuvo al mando del USS Constellation en el episodio de «Star Trek», «The Doomsday Machine».

Después de perder a toda su tripulación a manos de un asesino de planetas alienígenas, el Comodoro cayó en un ataque de depresión. Con su barco averiado y nadie más alrededor, se sintió abrumado por el dolor. Esa es una emoción compleja de interpretar, y William Windom la manejó espléndidamente. El actor es bien conocido por su papel de Commodore Decker, aunque no es su único crédito. Windom comenzó a actuar en 1950 y encontró su camino en numerosos programas populares, incluidos «Columbo», «Gunsmoke» y «Magnum, PI», entre otros.

Windom también fue un célebre actor de largometrajes, apareciendo en «To Kill a Mockingbird», «Planes, Trains, & Automobiles» y muchos más. Fue considerado «TV’s Everyman» por su gran cantidad de actuaciones en la pantalla chica, donde trabajó. hasta 2004. Su último crédito de franquicia es una represalia de Matt Decker en «Star Trek: New Voyages», una película de fans. Según The Washington Post, Windom murió en 2012 a la edad de 88 años de insuficiencia cardíaca congestiva.

Trono de Malaquías

Una cosa que parece suceder a menudo en la franquicia de «Star Trek» es que los actores asumen múltiples roles. Esto es posible gracias al maquillaje detallado y las prótesis que usan los actores para representar a las muchas especies alienígenas que se ven en los programas y películas. Majel Barrett es un buen ejemplo, al igual que Jeffrey Combs: entre los dos, interpretaron a más de una docena de personajes distintos. La práctica se remonta al principio con el episodio piloto, «La jaula». Malachi Throne fue elegida como la voz de Keeper en el episodio, y la grabación se usó más tarde para la producción de «The Menagerie».

En ese mismo episodio, Throne interpretó al comodoro José I. Méndez, por lo que su trabajo de voz en off fue modificado en tono. Permaneció con la franquicia a medida que evolucionaba, y cuando «Star Trek: La próxima generación» salió al aire, era un senador romulano. Interpretó muchos personajes interesantes a lo largo de sus siete décadas de trabajo en la industria. Fuera de «Star Trek», probablemente sea mejor conocido por su trabajo como Noah Bain en «It Takes a Thief» o su interpretación de False-Face en la serie de televisión «Batman».

La carrera de Throne lo mantuvo ocupado durante las décadas de 1960 y 1970, y aunque continuó trabajando en el siglo XXI, asumió más roles de voz en off que actuaciones de acción en vivo. Proporcionó la voz de Dios en «The Animaniacs», Fingers en «Batman: Beyond» y mucho más. Throne murió en su casa en marzo de 2013 de cáncer de pulmón a la edad de 84 años.

leonard nimoy

Podría decirse que el capitán James T. Kirk es el protagonista central de «Star Trek», pero no se aventuró solo por el espacio. Entre su tripulación, el Sr. Spock es sin duda el amigo más cercano que tiene Kirk, y también es un miembro vital de la tripulación. Con su mente brillante, Spock puede calcular la trayectoria necesaria para volar en el tiempo girando alrededor del sol, y ese es solo un ejemplo de muchos relacionados con la brillantez de Vulcan. El Sr. Spock fue creado en gran parte por Leonard Nimoy, quien incorporó aspectos de su fe judía y se le ocurrió el pellizco nervioso Vulcano, ya que pensó que era una opción mejor y más sofisticada que usar un arma.

La interpretación de Nimoy de Spock no fue simplemente una buena adición a la serie; tuvo un impacto cultural significativo en el espíritu de la época. Spock se hizo conocido internacionalmente por personas que nunca habían visto un episodio o una película de la franquicia. Nimoy interpretó a Spock a lo largo de su vida, comenzando con el episodio piloto completado en 1965 y terminando con sus actuaciones finales en la franquicia cinematográfica reiniciada a través de «Star Trek» en 2009 y «Star Trek Into Darkness» en 2013.

Spock no fue todo lo que Nimoy hizo durante su vida; escribió una autobiografía llamada «I am Spock». Por supuesto, su trabajo anterior se tituló «No soy Spock», por lo que finalmente abrazó su impacto cultural y el personaje que le dio vida. Tuvo una carrera musical, dirigió películas, actuó y mucho más. Nimoy murió de enfermedad pulmonar obstructiva crónica (EPOC) después de entrar en coma en febrero de 2015, a la edad de 83 años.

gracia lee whitney

Janice Rand fue la terrateniente a bordo del Enterprise desde el comienzo de la serie, aunque no apareció en los episodios piloto. Fue presentada como uno de los muchos intereses amorosos del Capitán Kirk, pero los personajes no apretarían el gatillo de la relación. Aproximadamente a la mitad de la primera temporada, el personaje fue eliminado de la serie a pesar de desempeñar papeles importantes en «The Enemy Within» y otros episodios fundamentales. Rand tuvo que ir para reducir costos, pero la actriz que la interpretó, Grace Lee Whitney, permaneció en la mente de Gene Roddenberry.

Gracias a DeForest Kelley, quien la animó a participar en las convenciones de «Star Trek», Whitney recuperó su popularidad. La trajeron de vuelta en «Star Trek: The Motion Picture». Más tarde, apareció en la cuarta y sexta película, interpretando a Rand. Whitney repitió su papel en las series de fans «Star Trek: Of Gods and Men» y «Star Trek: New Voyages». Si bien «Star Trek» ocupó gran parte del tiempo de Whitney durante las décadas de 1960 y 1980, no fue su único crédito. También cantó en orquestas y coros, y apareció en varias series de televisión.

Whitney fue una mujer con múltiples talentos que vivió una vida interesante, sobre la cual puedes leer en su autobiografía, «The Longest Trek: My Tour of the Galaxy». El último papel acreditado de Whitney fue su represalia de Yeoman Rand en «Star Trek: Of Gods and Men» en 2007, cuando se retiró de la actuación poco después. La veterana actriz de «Star Trek» murió por causas naturales a la edad de 85 años en mayo de 2015.

yvonne craig

Hay pocos personajes de la serie original tan icónicos como Marta, la esclava de Orión del episodio «Whom Gods Destroy». Marta no era simplemente hermosa; estaba delirando y tuvo que ser retenida en el asilo de la Federación en Elba II. A menudo citaba obras literarias famosas, incluidos pasajes de las muchas obras de William Shakespeare. Marta conoció al Capitán Kirk y Spock cuando su maestro, Garth de Izar, los capturó, colocando al trío en una habitación juntos. Al ver a Kirk, Marta intenta seducirlo, pero cuando eso no funciona, intenta apuñalarlo (spoiler: eso tampoco funcionó).

Eventualmente, Garth usó a Marta como ejemplo, matándola en la superficie tóxica del planeta. Marta se convirtió en un personaje icónico de la franquicia a pesar de aparecer en un solo episodio. El tropo de «Orion Slave Girl» sigue siendo popular hoy en día y fue el tema de la tercera temporada de «Star Trek: Discovery». Marta fue interpretada por Yvonne Craig, quien interpretó a Barbara Gordon/Batgirl en la serie de televisión «Batman» antes de pasar de ser una superheroína a una mujer de Orión en «Star Trek». El HuffPost la llamó «pionera de las superheroínas en la pantalla chica», y es una descripción acertada.

Craig continuó actuando, principalmente en la pantalla chica, después de su trabajo en «Star Trek». Apareció en numerosas series, incluidas «The Six Million Dollar Man», «Starsky & Hutch» y «Fantasy Island». Murió en agosto de 2015 de cáncer de mama que se propagó a su hígado. Tenía 78 años cuando murió.

Antón Yelchin

Cuando «Star Trek» se reinició a través de la película de 2009, un nuevo elenco tuvo la oportunidad de interpretar los papeles creados décadas antes por personajes como William Shatner, Leonard Nimoy y todos los demás. Uno de los personajes que aparecían en la película era Pavel Chekov, el joven alférez de la Flota Estelar rusa que se sentaba al timón, trabajando como navegante del Enterprise. En un memorando, Gene Roddenberry describió a Chekov como un personaje secundario importante que estaba planeado para ser «un joven extraordinariamente capaz, casi igual a Spock en algunas áreas» (a través de Mission Log).

Por supuesto, la mayoría de la gente lo recuerda de la actuación de Walter Koenig en «Star Trek IV: The Voyage Home» cuando le pregunta a un oficial de policía sobre la ubicación de «wessels nucleares» sin darse cuenta de que está justo en medio de la Guerra Fría. Koenig interpretó al personaje de manera brillante, y lo siguió otro joven actor, Anton Yelchin, quien lo interpretó en las primeras tres películas de la línea de tiempo reiniciada de Kelvin. Lamentablemente, el tiempo de Yelchin como Chekov terminó luego de un extraño accidente que conmocionó al fandom y terminó con una carrera prometedora.

En junio de 2016, Yelchin murió aplastado por su Jeep Grand Cherokee, que rodó por su entrada y lo aplastó contra una puerta de seguridad. Sus padres demandaron al fabricante de automóviles y, según un comunicado dado a People, llegaron a un acuerdo por una cantidad no revelada. El dinero se entregó a la Fundación Anton Yelchin, así como a la financiación de «Amor, Antosha», un documental sobre la vida del actor.

David Huddleston

«Star Trek: The Next Generation» fue una serie increíblemente popular, por lo que varios episodios incluyeron estrellas invitadas que generalmente aparecían solo una vez en el programa. Este fue a menudo el caso en los episodios relacionados con la holocubierta, que a menudo fallaba, deshacía las configuraciones de seguridad y amenazaba a la nave, como lo haría cualquier buena actividad recreativa. Entre los muchos personajes que actúan de manera inusual en la holocubierta, los del episodio «Emergence» son los más interesantes, ya que representan aspectos de la floreciente conciencia sensible del USS Enterprise.

En el episodio, un tren y varios pasajeros se dirigen a New Vertiform City, y el conductor no solo dirige el tren; también cambia el rumbo de la Enterprise. Esto crea varios problemas para la tripulación, e intervienen. En última instancia, una forma de vida nueva y compleja nace de la Enterprise, lo que sugiere que la nave en sí era un ser inteligente. Si bien eso nunca volvió como un elemento de la trama después del episodio, el equipo recordó al conductor, quien fue interpretado por el famoso actor David Huddleston.

La carrera de Huddleston incluye papeles significativos en docenas de series de televisión y películas. Es probable que el público moderno lo reconozca como el personaje epónimo de «The Big Lebowski», mientras que otros pueden reconocerlo por «Blazing Saddles», «Santa Clause: The Movie», «The Producers» o cualquiera de sus muchos, muchos papeles. USA Today informó que Huddleston murió en agosto de 2016 de una enfermedad cardíaca y renal avanzada, y tenía 85 años en el momento de su muerte.

vaso de ron

«Star Trek: Voyager» fue otra serie que incluyó numerosas estrellas invitadas a lo largo de sus episodios. Algunos actores invitados notables incluyen a Sarah Silverman, Kurtwood Smith y Gerrit Graham. Un papel invitado interesante, Loken, apareció en el episodio de la séptima temporada «Nightengale». El personaje era un científico que desarrolló una nueva forma de tecnología de camuflaje para que los Kraylors pudieran sortear un bloqueo que rodeaba su planeta. El episodio fue significativo, principalmente para el alférez Harry Kim, quien estaba al mando del USS Voyager en ese momento. Loken lo engañó haciéndole creer que era un médico que entregaba vacunas muy necesarias, pero eso no era ni remotamente cierto, lo que dejó a Kim perturbada por el incidente.

Loken fue interpretado por Ron Glass, un destacado actor de carácter mejor conocido por su trabajo como el detective Ron Harris en «Barney Miller». De acuerdo, eso fue en las décadas de 1970 y 1980, por lo que en estos días, probablemente sea mejor conocido por interpretar a Shepherd Book en «Firefly» y en su película de 2002, «Serenity». La carrera de Glass comenzó a principios de la década de 1970 cuando consiguió un papel en «Sanford and Son». A esto le siguió «All in the Family», y apareció en otras series populares durante ese tiempo antes de finalmente obtener el papel del Detective Harris.

Si bien apareció en varias películas a lo largo de su carrera, la mayor parte de su trabajo fue en la pantalla chica. Glass dejó de funcionar alrededor de 2014 y, dos años después, murió de insuficiencia respiratoria. Glass tenía 71 años cuando murió en noviembre de 2016.

aron eisenberg

Cuando los Ferengi fueron presentados en «Star Trek: The Next Generation», el plan era convertirlos en una nueva raza de villanos para la franquicia. Eso no funcionó, y cuando se emitió «Star Trek: Deep Space Nine», la especie se había convertido en un grupo mucho más razonable y entretenido de estafadores impulsados ​​por el comercio. Los Ferengi fueron una especie central en la serie, con varios personajes destacados. Uno de esos personajes fue Nog, un joven ferengi que se unió a la Flota Estelar, convirtiéndose en el primero de su especie en hacerlo.

Nog abrazó su cultura mientras servía en la Flota Estelar, demostrando que un ferengi no solo podía servir sino hacerlo con distinción. Perdió una pierna en combate durante la Guerra del Dominio y desempeñó un papel vital a bordo del USS Defiant en varias batallas importantes durante el conflicto. Aron Eisenberg interpretó a Nog, y fue un papel que dominó su carrera. Si bien apareció en más de una docena de series de televisión y películas, es mejor conocido por interpretar a Nog, y durante su vida, Eisenberg fue un habitual en las convenciones de «Star Trek».

Eisenberg nació con un solo riñón, requirió y recibió un trasplante cuando tenía 17 años. Décadas más tarde, nuevamente se le diagnosticó insuficiencia renal, lo que requirió un trasplante. Si bien recibió un trasplante exitoso, su salud siguió siendo un problema. Variety informó que Eisenberg murió a la edad de 50 años en septiembre de 2019. Fue honrado en un episodio de «Star Trek: Discovery» con una nave estelar de clase Eisenberg llamada USS Nog.

René Auberjonois

«Star Trek: Deep Space Nine» contó con varios ferengis notables, pero la adición más fascinante de la serie tiene que ser Odo. El oficial de seguridad de la estación espacial era una especie amorfa y no identificada capaz de adoptar una forma humanoide, y fue un miembro destacado de la tripulación desde el primer día. Con el tiempo, la historia de fondo de Odo se desarrolla, ya que se reveló que era un miembro de la especie conocida como los Fundadores. Se convirtieron en los principales antagonistas en las últimas temporadas, ya que libraron la guerra contra la Federación y otras especies durante el conflicto del Dominio.

Odo se convirtió en una figura central de la serie y, debido a su capacidad para transformarse en cualquier cosa, podía escabullirse a bordo de barcos, infiltrarse en áreas fuertemente defendidas e integrarse en todo tipo de situaciones. Odo fue interpretado por René Auberjonois, un célebre actor de teatro ganador del premio Tony con muchos créditos impresionantes a su nombre. Apareció en numerosas películas, interpretando al padre Mulcahy en «M*A*S*H», y obtuvo una nominación al premio Emmy por su trabajo en «Benson» a fines de la década de 1970 y principios de la de 1980.

Auberjonois también fue un actor de voz talentoso, trabajando principalmente en videojuegos más adelante en su carrera. También aportó su talento vocal a obras animadas, en particular interpretando al Chef Louis en «La Sirenita». Auberjonois fue tratado por cáncer de pulmón con quimioterapia, pero se propagó a su cerebro en 2019. En diciembre de 2019, a la edad de 79 años, eligió terminar con su vida bajo la ley de California en lugar de morir lentamente a causa de su condición.

Si usted o alguien que conoce tiene pensamientos suicidas, llame a la Línea Nacional de Prevención del Suicidio llamando al 988 o llamando al 1-800-273-TALK (8255).

ricardo manada

El almirante Owen Paris fue el padre de Tom Paris, el timonel que piloteó el USS Voyager durante la mayor parte de la serie. Si bien no tuvo muchas escenas en la serie y apareció solo en un puñado de episodios, fue una figura fundamental en el restablecimiento de las comunicaciones con la nave perdida. La Voyager se creía perdida durante algún tiempo antes de que el proyecto Pathfinder estableciera comunicaciones a través de la investigación revolucionaria de Reginald Barclay sobre los microagujeros de gusano.

La determinación del almirante Paris de llevar la Voyager y su tripulación a casa siguió siendo una trama continua a lo largo de la serie. El hombre contratado para interpretar al personaje fue Richard Herd, quien probablemente es mejor conocido por sus muchos papeles secundarios y como invitado en docenas de series de televisión entre 1973 y 2018. Si bien a menudo tuvo papeles recurrentes, principalmente interpretó personajes secundarios. A pesar de esto, los fanáticos probablemente lo reconozcan por su tiempo como almirante William Noyce en «SeaQuest DSV» y «Seinfeld», donde interpretó al Sr. Wilhelm, el jefe de George Costanza en los Yankees de Nueva York.

Herd incluso interpretó a un klingon llamado L’Kor en dos episodios de «Star Trek: The Next Generation», aunque sería difícil reconocerlo bajo todo ese maquillaje. Algunos de sus créditos cinematográficos más notables incluyen «Private Benjamin» y «Planes, Trains, & Automobiles», por lo que tenía una sólida formación en comedia. Herd también pasó un tiempo considerable detrás del micrófono, grabando personajes para una variedad de videojuegos. Herd continuó trabajando hasta mediados de los 80 y murió de cáncer de colon en mayo de 2020, a la edad de 87 años.

cristobal plummer

«Star Trek VI: The Undiscovered Country» es el último largometraje original del elenco de «Star Trek», y es genial. La película se centra en el asesinato de dignatarios klingon, lo que lleva al encarcelamiento del Capitán Kirk y el Dr. Leonard McCoy. La pareja fue incriminada por un intento klingon de evitar que el Canciller firmara un acuerdo de paz entre el Imperio Klingon y la Federación. Ese klingon era el general Chang, un carismático amante de la literatura antigua de la Tierra, interpretado por el increíblemente talentoso Christopher Plummer.

Plummer puede ser uno de los más aclamados por la crítica de los muchos actores impresionantes que interpretaron un papel en la franquicia de «Star Trek». El notable actor comenzó su carrera en el teatro a fines de la década de 1940. A lo largo de los años, acumuló un impresionante currículum de actuaciones, que incluyen interpretar a Cyrano de Bergerac, Hamlet, King Lear y muchas más. Su trabajo cinematográfico incluye interpretar al Capitán Georg von Trapp en «The Sound of Music», al Dr. Rosen en «A Beautiful Mind» y a John Adams Gates en «National Treasure», que es como la mayoría de los canadienses llamarían al actor veterano.

Plummer fue un actor ganador de un premio de la Academia, un premio Tony y un premio Primetime Emmy. Estos elogios le valieron los codiciados premios «Triple Corona de Actuación». Su última película notable lo vio interpretar a Harlan Thrombey en «Knives Out» de 2019. Plummer vivió una vida larga y finalmente murió a la edad de 91 años en febrero de 2021. Su muerte probablemente fue el resultado de una lesión en la cabeza que sufrió en una caída un par de semanas antes.

david warner

David Warner es otro actor destacado que pasó un tiempo en la franquicia de «Star Trek», ya que interpretó a tres personajes icónicos entre 1989 y 1991. Su primera contribución a la franquicia se produjo a través de «Star Trek V: The Final Frontier», en la que interpretó a St. .John Talbot. Dos años más tarde, interpretó al canciller Gorkon, el líder del Imperio Klingon, en «Star Trek VI: El país desconocido». Quizás su actuación más notable no se produjo en una película, sino en un episodio de dos partes, «Chain of Command» en «Star Trek: The Next Generation».

El episodio presenta el interrogatorio del Capitán Picard a manos de Gul Madred, interpretado por Warner. La experiencia del interrogador cardassiano para aterrorizar a su cautivo mientras intenta doblegar su voluntad indomable es parte de la leyenda de «Star Trek». Podría decirse que es la mejor actuación de una estrella invitada de toda la serie, y es fácilmente uno de los mejores personajes de Warner en televisión. Eso es decir algo, ya que el hombre dominó las televisiones durante 60 años. Apareció en episodios de «Doctor Who», «Twin Peaks» y docenas de series animadas a través de su fantástica voz.

Warner también fue un destacado actor de teatro y cine, habiendo actuado en numerosas adaptaciones de Shakespeare y películas galardonadas. Interpretó a Keith Jennings en «The Omen» y tuvo papeles importantes en «Tron» y «Titanic». El hombre fue prolífico y continuó trabajando durante 18 meses luego de un diagnóstico de cáncer de pulmón, que ocultó a sus fanáticos. Murió de la enfermedad en julio de 2022 a la edad de 80 años.

Nichelle Nichols

Cuando «Star Trek» llegó a la televisión por primera vez en 1966, el personaje de Nyota Uhura fue una adición innovadora. Tener a una mujer afroamericana en el elenco principal fue un movimiento sin precedentes para una serie de horario estelar. El alcance de la importancia de su inclusión para el movimiento de derechos civiles es evidente cuando se entera de que el Dr. Martin Luther King Jr. cambió de opinión a Nichelle Nichols cuando estaba considerando dejar la serie. Además, el beso en pantalla de Uhura con el Capitán Kirk fue uno de los momentos más importantes en la historia de la televisión, y eso es solo la punta del iceberg con respecto a la importancia del personaje (a través de TrekToday).

Nichols era consciente de su impacto en la cultura popular y el movimiento por los derechos civiles, y siguió interpretando al personaje durante décadas. Como muchos actores populares de «Star Trek», la carrera de Nichols estuvo dominada por esa actuación, aunque no fue el único trabajo que hizo a lo largo de los años. Nichols trabajó con la NASA desde 1977 hasta 2015 como miembro de su programa de reclutamiento. Se centró en reclutar minorías, mujeres y grupos menos representados en la prestigiosa organización. Su trabajo ayudó a traer a Guion Stewart Bluford Jr. y la Dra. Sally Ride al programa Astronaut.

La salud de Nichols comenzó a deteriorarse luego de un derrame cerebral en junio de 2015. Tres años después, le diagnosticaron demencia, lo que resultó en la cancelación de sus apariciones en las convenciones de fanáticos. Ella se alejó del ojo público después de esto, y en julio de 2022, Variedad informó que Nichols murió a la edad de 89 años por insuficiencia cardíaca.

Estrellas del Hospital General que no sabías murieron

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El siguiente artículo hace referencia al suicidio.

Antes de «Urgencias» y «Anatomía de Grey», estaba «General Hospital». El programa, que ha estado en la televisión desde 1963, hizo historia después de ser reconocido por el Libro Guiness de los récords mundiales como la telenovela diurna de mayor duración de todos los tiempos. Cuando el programa se emitió por primera vez en blanco y negro granulado en los años 60, nadie podría haber predicho que llegaría al nuevo milenio, y algo más. Desde el principio, «General Hospital» obtuvo seguidores leales a través de sus intrigantes personajes, en particular las familias adineradas Quartermaine y Spencer.

Desde las historias a veces controvertidas de la poderosa pareja Luke y Laura Spencer hasta los negocios turbios de la familia mafiosa de Corinthos, los fanáticos no se cansan de la fórmula ganadora de la telenovela. Mientras la serie celebraba la friolera de 15 000 episodios en 2022, la actriz Laura Wright, que interpreta a Carly Corinthos, describió la perdurable popularidad del programa como resultado de la inquebrantable devoción e inversión de los espectadores en el verdadero elenco de personajes. «Son los fanáticos y su amor por el espectáculo», dijo Wright a Cleveland.com. «Realmente estamos aquí gracias a ellos y su amor por los personajes, las historias y, Dios mío, la historia».

Dado que la serie ha estado en el aire durante más de medio siglo, hemos perdido a demasiadas de sus estrellas a lo largo de los años. Pero las muertes IRL más notables del programa no se limitan a aquellos que adornaron los terrenos de Port Charles hace décadas; muchos de los miembros del reparto más recientes lamentablemente han fallecido. Estas son las estrellas del «Hospital General» que no sabías que habían muerto.

lindsey perlaman

Lindsey Pearlman interpretó a la barista Margaret en «General Hospital» en 2020, según Soap Opera Network. A pesar de que solo apareció en un par de episodios, actuó en algunas escenas intensas, incluida una brutal balacera. Además de la telenovela, apareció en «Empire», «Chicago Justice» e incluso en una parodia corta de «Keeping Up With the Kardashians» llamada «Kam Kardashian», como se indica en su perfil de IMDb.

En febrero de 2022, fue reportada como desaparecida y fue encontrada muerta días después, según The Guardian. El medio señala que a Pearlman, que tenía 43 años, le sobrevivió su esposo, Vance Smith. Después de su muerte, escribió en una publicación de Instagram eliminada desde entonces (a través de El reportero de Hollywood), «Ella se ha ido. Estoy roto». TMZ luego confirmó que murió por suicidio, después de haber luchado contra la depresión durante algún tiempo.

Los colegas de Pearlman le rindieron homenaje en las redes sociales, destacando su talento así como su personalidad jovial. El ejecutivo del «Hospital General» Frank Valentini tuiteó sobre la pérdida, elogiando su actuación en la serie. Mientras tanto, Danielle Pinnock, de la fama de «Young Sheldon», escribió«Era hilarante, tonta, deslumbrante y ridículamente talentosa. Acabo de hablar con ella hace dos semanas. Se siente surrealista que se haya ido».

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Juan Ingle

Interpretando al engañoso Edward Quartermaine, un papel que antes había desempeñado David Lewis, John Ingle encapsuló la avaricia del formidable antagonista de «General Hospital». La estrella experimentada interpretó al patriarca de Quartermaine durante casi 20 años. Habiendo alcanzado la fama más tarde en la vida, bromeó con Los Angeles Times que, como actor mayor, sus papeles generalmente implicaban lo siguiente: «O me casé con alguien, lo enterré, lo despedí, lo juzgué o lo sermoneé».

En febrero de 2012, murió su esposa durante 58 años, Grace-Lynn Martin, según People. Siete meses después, Ingle murió de cáncer, a los 84 años. Hablando con Soaps.com poco antes de su muerte, Ingle dijo que estaba emocionado por su futuro en la serie debido a que un nuevo escritor principal se hizo cargo. «jill [Farren Phelps, executive producer] dijo el otro día en una reunión: ‘Serán felices porque todos tendrán una historia’. Que es nuevo Muchos de nosotros no hemos tenido una historia durante algún tiempo», dijo entusiasmado.

Según Us Weekly, ABC rindió homenaje al veterano del «Hospital General» y señaló que filmó su último episodio pocas semanas antes de morir. Su último episodio se emitió pocos días antes de su fallecimiento. En un adiós agridulce a la estrella, la cadena escribió: «Y con un simple ‘Yo también te amo’, un pulgar hacia arriba y una sonrisa, nos despedimos de la representación indeleble de John Ingle de Edward Quartermaine. Su interpretación más grande que la vida será vive en los corazones de innumerables fans».

jay pickett

Jay Pickett inicialmente se unió al elenco del «Hospital General» como Lorenzo Alcazar, antes de ser elegido para un papel permanente como el Detective David Harper en 2007, según El sol. El detective fue central en la investigación de la disputa entre las familias mafiosas de Corinthos y Zacchara. Además de «General Hospital», Pickett estuvo en varios otros proyectos, incluidos «Days of Our Lives», «Dexter» y un puñado de westerns.

Mientras filmaba la película «Treasure Valley» en 2021, Pickett murió repentinamente en el set de un ataque al corazón, según informó Variety. Tenía 60 años. Tras la muerte de Pickett, el «Hospital General» le rindió homenaje con un segmento de «In Loving Memory», según USA Today. Peter Facinelli, el coprotagonista del actor en «Catch the Bullet», lamentó la pérdida, pero agregó que su memoria perdurará para siempre y le dijo a Us Weekly: «La belleza del cine es que su actuación perdurará».

Un ávido fanático de los westerns, sus colegas dijeron que su fallecimiento fue agridulce ya que murió haciendo lo que más amaba. «Ayer perdí a un buen amigo y el mundo perdió a una gran persona. Jay Pickett decidió cabalgar hacia los cielos», escribió su coprotagonista de «Treasure Valley», Jim Heffel. «Jay murió sentado en un caballo listo para atar un novillo en la película ‘Treasure Valley’ en Idaho. El camino de un verdadero vaquero». Poco antes de su muerte, Pickett habló con Idaho Statesman sobre su papel en «Treasure Valley», explicando que la película estaba particularmente cerca de su corazón ya que creció en el noroeste de Estados Unidos rodeado de vaqueros.

concha kepler

Shell Kepler, una popular estrella de «General Hospital», interpretó a la enfermera Amy Vining durante 23 años, según CBC. Conocida por sus mechones de lino salvaje y su maquillaje OTT, Kepler encarnó perfectamente a la enfermera chismosa, sin mencionar la elegancia de la laca para el cabello de los 80. Y estaba encantada de haber conseguido el papel. «¡Me encanta interpretar a Amy!» ella dijo en una entrevista de 1982 (a través de CBC). «Ella es una niña y me encanta ser una niña. Es uno de los personajes más divertidos del programa… Y todavía no he visto a nadie en la televisión diurna, o en el horario de máxima audiencia, que sea similar a Amy. en personaje.»

Aparte de su trabajo como actriz, también lanzó una exitosa línea de ropa para el Home Shopping Club, que recaudó $ 20 millones solo en 1994, según Los Angeles Times. En 2008, TMZ informó que el actor murió de insuficiencia renal a los 49 años.

A raíz de su muerte prematura, su coprotagonista Jacklyn Zeman hizo una declaración conmovedora, según Soap Opera Network. «Además de sus talentos de actuación y diseño, a Shell le encantaba decorar su hogar. Era hermoso y cálido… Nadie salía de la casa de Shell con hambre», dijo Zeman. «También le gustaba hacer regalos personalizados para su familia y amigos. Tenía un gran corazón generoso y amoroso y era una amiga especial para mí». Kepler puede haber sido tomada demasiado pronto, pero siempre será recordada por aquellos cuyos corazones tocó.

Salón Philip Baker

El veterinario interino Philip Baker Hall apareció en «General Hospital» en 1983 como el juez Simpson, según IMDb. Durante su aparición, entró en la vida de los ricos Quartermaines, oficiando la boda de Lila y Edward. Su paso por el «Hospital General» no sería la última vez que Hall interpretaría a un hombre de la ley. Hablando con AV Club en 2012, bromeó diciendo que estaba acostumbrado a interpretar a jueces. «Así que la vida tiene sus propios pequeños giros y vueltas», reflexionó. «Nunca se sabe a dónde van las cosas».

Quizás uno de sus papeles televisivos más famosos fue el de Joe Bookman, el policía de la biblioteca, en «Seinfeld», en la que memorablemente sermoneó a Jerry sobre los peligros de no devolver los libros de la biblioteca, al estilo de un detective del cine negro de la década de 1940. Hall también protagonizó una serie de películas independientes, incluyendo «Dogville» de Lars von Trier y «Boogie Nights» y «Magnolia» de Paul Thomas Anderson, interpretando a un turbio presentador de un programa de juegos en esta última.

Lamentablemente, Hall murió en junio de 2022, a los 90 años. El New York Times informa que sufrió complicaciones de enfisema. Su muerte siguió a las de otras dos estrellas de «Seinfeld», Estelle Harris y Liz Sheridan, quienes interpretaron a las respectivas madres de George y Jerry y murieron con una semana de diferencia y dos meses antes que Hall, según The New York Post. En consecuencia, la cuenta oficial de Twitter de «Seinfeld» rindió homenaje a Hall, escritura«El gran Philip Baker Hall siempre será recordado por los fans de Seinfeld como el inflexible detective de la biblioteca, el Sr. Bookman… Su talento será apreciado».

bergen williams

El ama de llaves Alice Gunderson estaba acostumbrada a lidiar con los diversos dramas del clan Quartermaine. Como señaló Soaps in Depth, los sentimientos no correspondidos de Alice por Luke Spencer estaban en el centro de muchas de sus historias y Bergen Williams imbuyó al personaje de patetismo. Además, apareció en otros programas de televisión con temas médicos, como «Scrubs» y «Nip/Tuck», según IMDb.

Williams había estado viviendo con la enfermedad de Wilson, una condición rara (afecta a 30 en 1 millón) causada por una mutación genética y que conduce al deterioro físico y mental; la enfermedad suele ser fatal según un estudio de 2007. Después de su diagnóstico, se separó del «Hospital General» en 2014. Como resultado, perdió su seguro médico. «Su enfermedad hizo que le fuera imposible pronunciar sus líneas de la misma manera que antes, así que la obligaron a renunciar», dijo su hermana Lynda. tuiteó. «¡Me entristece que no solo le hayan dado la enfermedad de Big Alice Wilson en el programa para que pudiera seguir actuando y mantener su atención médica!»

Williams murió en 2021, a los 63 años, según Newsweek. Su muerte devastó a sus coprotagonistas de «General Hospital». Kimberly McCullough, quien interpretó a Robin Scorpio en la telenovela, tuiteó, «Bergen fue una fuerza increíble a tener en cuenta y lamento mucho su fallecimiento». Mientras tanto, Brandon Barash, también conocido como Johnny Zacchara, saludó a williams como «una persona especial que imbuyó energía verdaderamente radiante en cada habitación en la que entró».

susana marrón

La veterinaria interina Susan Brown era popular entre los fanáticos del «Hospital General» como la psiquiatra Dra. Gail Baldwin, según Soap Central. Según Boca Raton News, la actuación de Brown como doctora la vio recibir una nominación al Emmy en 1979. Después de dejar la serie en 1985, regresó en 1992 en un papel recurrente, según Reading Eagle. Como señaló Soaps in Depth, Brown hizo su última aparición en 2004, pero el personaje no se eliminó de la serie hasta 2019, cuando fue asesinada fuera de cámara.

Además de «General Hospital», apareció en otras telenovelas populares, como «As the World Turns» y «Santa Barbara». Como señaló Soaps.com, Brown también trabajó como diseñador de interiores.

Lamentablemente, Brown murió en 2018, a los 86 años. Variety señala que había estado viviendo con la enfermedad de Alzheimer. Su coprotagonista Kin Shriner, quien interpretó al hijo de Gail, tuiteó que Brown era uno de sus mejores amigos tanto dentro como fuera de la pantalla. Nancy Lee Grahn, famosa por interpretar al personaje de «General Hospital» Alexis Davis, escribió un dulce tributo a Brown. «Pensando en mi vecina compañera de reparto, y en la mujer graciosa, elegante y encantadora, Susan Brown hoy», dijo. escribió. «Nadie se vio más hermoso mientras paseaba a su perro 3 veces todos los días. Enviando amor y respeto a su familia». Según lo informado por Digital Journal, «General Hospital» transmitió un programa de tributo a la difunta estrella en el que los coprotagonistas recordaron el tiempo que trabajaron con ella.

stuart damon

Interpretando al Dr. Alan Quartermaine, Stuart Damon encarnó de manera experta al médico problemático y, a veces, homicida. En una entrevista de 1981 con el Boston Globe (a través de We Love Soaps), Damon explicó que si bien disfrutaba interpretar al doctor presumido, no podría estar más lejos de él en la vida real. «No me parezco en nada a Quartermaine», dijo. «Se sabe que aparezco en el set con pantalones cortos para correr, una gorra de béisbol colocada de lado, hablando con un ceceo pronunciado. El ensayo de la mañana es el momento para hacer el tonto».

En 1999, ganó un Emmy por el papel. Durante su discurso de aceptación, reveló que llevarse a casa el Emmy había cumplido su ambición de toda la vida de representar un personaje que seguiría siendo amado y recordado por el público. Antes de ingresar al mundo de las telenovelas, Damon apareció en varios musicales en Broadway y el West End de Londres en las décadas de 1950 y 1960, según Broadway World.

En 2021, Damon murió de insuficiencia renal a la edad de 84 años, por Variedad. “Había estado luchando contra la insuficiencia renal durante los últimos años”, escribió el reportero George Pennacchio en Facebook. Pennacchio señaló que el hijo del difunto actor, Christopher, le dijo que estaba eufórico de ser parte del elenco de «General Hospital»: «Era su lugar favorito para estar. Le encantaba interpretar a Alan y estaba muy agradecido por ese papel y ese trabajo. Era su pasión». Después de su muerte, «General Hospital» transmitió un tributo a la vida y carrera de Damon, según Soap Opera Network.

Peter Hansen’

Peter Hansen comenzó a interpretar al abogado convertido en alcalde de Port Charles Lee Baldwin en 1965 y continuó con el papel hasta 2004, según Soap Central. En contraste con el verdadero elenco de intrigantes personajes de «General Hospital», Lee era altruista y compasivo, con un fuerte sentido de la justicia. Aunque es mejor conocido por su papel en la telenovela de larga duración, Hansen tuvo más de 100 créditos a su nombre, incluso en varias películas clásicas.

Con su elegante apariencia de la vieja escuela, compartió tiempo en pantalla con algunas leyendas de Hollywood de buena fe, como Alan Ladd en 1950 Western «Branded», según Entertainment Weekly. Además, actuó en episodios de comedias de situación clásicas como «The Goldbergs», «The Golden Girls» y «Cheers» originales, en las que interpretó al presidente de la corporación propietaria del bar del mismo nombre, asustando a Bejesus. la jefa de chicas Rebecca Howe. Hansen también apareció en la irreverente película de comedia negra de Danny DeVito de 1989 «La guerra de las rosas» junto a los famosos Kathleen Turner y Michael Douglas.

A pesar de su gloria en pantalla, la vida de Hansen estuvo plagada de tragedias. Su esposa durante medio siglo, Betty, murió en 1993, según The Hollywood Reporter. Después de haber encontrado el amor con su pareja Barbara Wenzel, Hansen murió tristemente en 2017, a los 95 años, según Variety. Tras su muerte, el «Hospital General» cuenta tuiteó«Él siempre será parte del legado de #GH».

barbara tarbuck

Barbara Tarbuck interpretó a la benevolente Jane Jacks en «General Hospital» desde 1996 hasta 2010, según Soaps in Depth. Tarbuck fue un actor prolífico, habiendo aparecido en docenas de programas de televisión; en particular, colaboró ​​​​con Ryan Murphy en múltiples ocasiones, apareciendo en «Nip / Tuck», «Glee» y como Madre Superiora Claudia en «American Horror Story: Asylum» (este último es uno de sus papeles principales finales), por Entretenimiento Semanalmente.

Tarbuck se dedicó a su oficio y también le encantaba enseñar actuación. «Enseñar, actuar y dirigir se alimentan mutuamente en mí», escribió en su sitio web (a través de Legacy). «Estoy tan estimulado y cuestionado por los jóvenes en mi vida como lo estoy por el nuevo material… En el escenario, frente a la cámara y en el aula están las preguntas, las demandas, las decepciones, las delicias que alimentan mi alma».

Trágicamente, Tarbuck contrajo la rara enfermedad del trastorno de Creutzfeldt-Jakob, según Los Angeles Times. También conocida como la «enfermedad de las vacas locas» humana, Creutzfeldt-Jakob conduce a la degeneración neurológica y la pérdida del control muscular; no hay cura o tratamiento disponible para la enfermedad cerebral mortal y es invariablemente fatal según un estudio de 2020. Tarbuck murió en 2016, a los 74 años. Según Soap Hub, su esposo, James Denis Connolly, quien falleció en 2005, le precedió en la muerte. Posteriormente, «General Hospital» honró su memoria en Instagram. Su coprotagonista Ingo Rademacher, quien interpretó a Jasper Jacks, escribió que estaba conmocionado por la muerte de Tarbuck y compartió: «Ella era la persona más amable y cálida».

Juan Reilly

Por desgracia, demasiadas estrellas murieron en 2021, incluidos muchos ex alumnos del «Hospital General». John Reilly fue famoso por su papel como el tortuoso y diabólico Sean Donely en la telenovela. Según Soaps in Depth, estuvo en el centro de numerosas historias memorables, incluido el enredo de su personaje con terroristas (lo que resultó en que lo pusieran en una lista negra), quedar atrapado en un tiroteo de mafiosos y ser envenenado por sus ex-amigos. Lejos del drama de Port Charles, John protagonizó «Dallas», «Sunset Beach» e interpretó al padre de Kelly Taylor (Jennie Garth) en «Beverly Hills, 90210», según Deadline.

John Reilly murió en 2021, a los 86 años, por Variedad. Le sobrevivieron su esposa y tres hijos. Después de su muerte, su hija Caitlin Reilly, quien es una estrella de las redes sociales conocida por sus videos cómicos, le dijo a CNN: «Era el hombre más grande del mundo. Un verdadero caballero». En Instagram escribió: «La luz más brillante del mundo se ha apagado. Imagina a la mejor persona del mundo. Ahora imagina que esa persona es tu papá».

Según Entertainment Weekly, «General Hospital» transmitió un homenaje a John a raíz de su muerte. En un comunicado, el productor ejecutivo del programa, Frank Valentini, elogió al difunto actor como una estrella inmensamente talentosa que ayudó a consolidar el legado de la telenovela con su interpretación de Sean.

ana lee

Lila Quartermaine fue uno de los personajes más emblemáticos de «General Hospital», interpretada por Anna Lee. Un año después de su papel, Lee quedó paralizada en un accidente automovilístico y continuó actuando en su silla de ruedas, según The Spokesman-Review. Con respecto a su interpretación de Lila, una vez le dijo al Archivo de Televisión Estadounidense de la Fundación de la Academia de Artes y Ciencias de la Televisión. «Ella es la única persona agradable en la familia. Edward es un viejo cascarrabias que intimida a todos… Lila es la única que tiene una cualidad tranquila y pacífica».

Nacido en Inglaterra, Lee fue apodado «The British Bombshell» y protagonizó películas clásicas como «How Green Was My Valley» y «¿Whatever Happened to Baby Jane?» junto a las leyendas Joan Crawford y Bette Davis, según The Telegraph. Como señaló The Guardian, Lee se mudó a Hollywood durante el estallido de la Segunda Guerra Mundial ya que su esposo, el director Robert Stevenson, era pacifista.

En 2003, Soap Central informó que su contrato con el «Hospital General» había sido rescindido, lo que enfureció a la veterana actriz ya que afirmó que los ejecutivos le habían prometido un contrato de por vida con la telenovela. ABC declaró que no existía tal contrato. Lee, de 90 años en ese momento, consideró que el despido era una flagrante discriminación por edad. «Me dijeron que la edad no tenía nada que ver con eso», dijo, según The Telegraph. «Quiero decir, vamos, esto es Hollywood obsesionado con la juventud, por supuesto que la edad está en mi contra». Al año siguiente, Lee murió de neumonía, a los 91 años, según Los Angeles Times. De hecho, el experimentado actor predijo su longevidad y le dijo al medio: «Quiero morir con las botas puestas».

gerald antonio

Gerald Anthony interpretó a Marco Dane en «General Hospital», un personaje que pasó de «One Life to Live». Como se señaló en «Soap Opera Babylon», «Era la respuesta diurna a Al Pacino: bajo, nervudo y explosivo». En 1993, Anthony ganó el Emmy diurno como actor de reparto destacado por su interpretación de Marco, según IMDb.

Con respecto a la fama sin precedentes que experimentó como resultado de interpretar al antagonista diabólicamente guapo, Anthony se despreció humorísticamente a sí mismo. «Diría que el cabello ha retrocedido mucho», le dijo al Chicago Tribune en 1989. «Vi algunas de mis viejas fotos y, hombre, debo decirte, me veo diferente. Quiero decir, ‘¿Quién? es ese chico?’ Yo era este chico joven y moderno. Ahora soy un hombre». Además de las dos telenovelas antes mencionadas, Anthony apareció en «Wiseguy», «LA Law» y «Another World». Su último papel fue en la comedia dramática independiente de Spike Lee «She Hate Me», estrenada el año de su muerte.

Trágicamente, Anthony se suicidó en 2004, según su página Find A Grave. Tenía 52 años. El actor fue enterrado junto a su padre, fallecido dos años antes. Después de la muerte de Anthony, el productor de telenovelas Frank Valentini dijo: «Su dedicación a su oficio fue incansable», según Soap Opera Digest. Robin Strasser, la coprotagonista de Anthony en «One Life to Live», lo llamó «un ser humano excelente, un gran actor, muy divertido, tan fascinante en sus elecciones como actor», según Soap Central.

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norma connolly

Norma Connolly fue famosa por interpretar a Ruby Anderson, una trabajadora sexual convertida en propietaria de un restaurante en «General Hospital». Connolly fue un pilar en la telenovela, después de haber interpretado a Ruby durante 20 años, según Los Angeles Times. Lejos de las cámaras, fue una ferviente activista en la creación de conciencia sobre el SIDA y formó parte de la junta directiva de Hollywood Helps; invitó a sus coprotagonistas de telenovelas a brindar apoyo a la importante causa a través de «Soap Star Spectacular» de 1992. También se pronunció en contra del aparente sexismo de Hollywood e hizo campaña para que las mujeres tuvieran papeles de mayor seriedad en la industria.

Como señaló The Washington Post, Connolly era un actor de formación clásica que protagonizó «A Streetcar Named Desire» y «Night of the Iguana» de Tennessee Williams, así como «The Crucible» de Arthur Miller. También estuvo en «The Wrong Man» de Alfred Hitchcock, según su perfil de IMDb.

Era querida tanto por sus compañeros de reparto como por su familia. Abuela de dos niños, una vez dijo: «El deleite de mi vejez es malcriarlos», según Soap Central. En 1998, murió después de sufrir un derrame cerebral, a los 71 años, según Playbill. Le precedieron en la muerte su esposo, el escritor Howard Rodman. Como lo destacó Soap Central, Ruby fue asesinada pacíficamente lejos de las cámaras un año después de la muerte de Connolly.

Lo que no sabías sobre Dan Rather

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Dan bastante sonríeImágenes de Robin Marchant/Getty
En los anales de las noticias televisivas, hay pocas figuras que se ciernen más que Dan Rather. Con una carrera periodística que se extiende desde la década de 1950 hasta el presente, Rather alcanzó la cima del éxito en el mundo del periodismo televisivo, reemplazando al legendario Walter Cronkite como presentador de «CBS Evening News». desde 1964» y se dirigió al campo para informar sobre «crisis y conflictos en los cinco continentes» (por el Centro Briscoe de Historia Estadounidense de la Universidad de Texas en Austin).

Cuando la carrera de Rather en las noticias de la red se detuvo bruscamente debido a un controvertido reportaje sobre un presidente estadounidense, Rather no se desvaneció; en cambio, comenzó de nuevo en un nuevo canal de cable que le permitió reinventarse mientras conservaba las décadas de experiencia periodística y la credibilidad que había acumulado hasta ese momento.

A pesar de que ha sido una figura omnipresente en la pantalla chica durante siete décadas y contando, hay mucho por descubrir sobre el periodista nacido en Texas. Sigue leyendo para saber lo que no sabías sobre Dan Rather.

Dan Rather fue responsable de la primera imagen de radar de la televisión de un huracán.

Dan bastante en el campoImágenes falsas/Derek Hudson

Dan Rather está más asociado con las noticias duras que con el clima, sin embargo, fue un evento meteorológico lo que lo llevó, en el acto, a idear una innovación televisiva que ha perdurado durante décadas. Más bien era un director de noticias novato para KHOU de Houston en 1961 cuando el huracán Carla comenzó a azotar la costa del Golfo de Texas. Presintiendo que el huracán sería grande, Rather agarró a un operador de cámara y se dirigió a las oficinas de la Oficina Meteorológica de EE. UU. en Galveston, Texas, con planes de transmitir desde allí. Cuando vio la tormenta en la consola del radar, colocó «un mapa a escala de Texas» en una lámina de plástico transparente, que colocó sobre la pantalla del radar para brindar a los espectadores una representación visual del tamaño y la ubicación del huracán.

Sorprendentemente, hasta entonces nadie había pensado en superponer un mapa sobre una imagen de radar en vivo. Como dijo The Atlantic, «la transmisión de MacGyvered de Bastardo fue la primera exhibición de un radar de vigilancia meteorológica en la televisión».

Cuando el director del programa de la estación vio lo que había hecho Rather, dijo en «Mi primera gran oportunidad», «todo el grupo de estudio en Houston dijo un ‘¡Guau!'». a la evacuación de 350.000 personas y llamó la atención del legendario presentador de «CBS Evening News» Walter Cronkite, quien aparentemente recomendó a CBS News contratar a Rather.

Dan Rather estuvo en Dallas informando en vivo sobre el asesinato de JFK.

John F. Kennedy, Jacqueline Kennedy OnassisArchivos Nacionales/Getty Images
Dan Rather se unió a CBS News en 1962 y finalmente se desempeñó como «[a]s jefe de la oficina del Sur, según la biografía del Centro Briscoe de Dan Rather. Dio la casualidad de que estaba en el terreno en 1963 cuando el entonces presidente John F. Kennedy fue asesinado en Dallas, Texas. Más bien, de hecho, fue el primer periodista en dar la noticia de que Kennedy había muerto. «Mi experiencia de reportero se activó», le dijo a KERA News sobre cómo pudo confirmar la muerte del presidente, mucho antes de la declaración oficial de la Casa Blanca. “Me las arreglé para comunicarme por teléfono con el Hospital Parkland y eso, junto con una serie de otras cosas, nos llevó a publicar una historia de que el presidente había muerto mucho antes del anuncio oficial”.

Ese trágico día resultó ser monumental para la carrera de Rather, impulsándolo a la atención nacional y llevándolo a subir la escalera en CBS News. Sin embargo, dijo a KERANews, el asesinato siguió siendo “un evento traumático y catastrófico para mí personalmente y para el país”.

Décadas más tarde, Rather siguió afectado por ese sombrío día en la historia de Estados Unidos. «Pues el impacto emocional, usa la metáfora que quieras», dijo en una entrevista con la Fundación de la Academia de Televisión. «Es como si me hubiera caído encima una caja fuerte de 12 pisos, [like] Me había atropellado un camión de hormigón Mack o algo así. Fue un tremendo martillazo en el corazón.»

Su despedida de una palabra fue instantáneamente controvertida.

1980 Dan Rather sonríeImágenes de Pam Francis/Getty

En 1980, CBS anunció que Walter Cronkite dejaría su cargo como presentador del «CBS Evening News» después de 19 años. Su reemplazo, informó The Washington Post, fue Dan Rather. Más bien asumió oficialmente el cargo el 9 de marzo de 1981. Si bien Cronkite era conocido por su firma de despedida, «Así son las cosas», Más bien ofreció inicialmente una alternativa un tanto genérica: «Ese es nuestro informe esta noche», dijo Más bien en su noticiero debut. «Hasta mañana, Dan Rather, ‘CBS Evening News’, buenas noches.»

Unos años más tarde, Rather inventó una nueva despedida que era mucho más distintiva, tanto que dejó a muchos espectadores confundidos cuando comenzó a terminar sus transmisiones diciendo su nombre y agregando una sola palabra: «Coraje». La nueva despedida no fue bien recibida por los espectadores, quienes respondieron con un colectivo, «¿Eh?»

Cuando se le preguntó acerca de las críticas a su nueva despedida, Rather lo tomó con calma.″ No lo analice demasiado. No hay un significado profundo y oculto″, dijo en una entrevista de 1986 con AP. ″Es un saludo y saludo que he estado usando con amigos durante años. No es una prédica. Simplemente me gusta el sonido de la palabra”. Años más tarde, en un AMA de Reddit, Rather explicó que “coraje” era “la palabra favorita de mi padre”. También reconoció que a «los jefes de la cadena» no les encantó. “Por razones que nunca me quedaron claras, pensaron que de alguna manera era peligroso o como mínimo, inapropiado y que debía detenerse”, más bien divulgó.

Connie Chung culpa a Dan Rather por su despido como su co-presentador

Connie Chung sonríe, Dan Rather sonríeEvan Agostini, Chris Weeks/Getty Images
En 1993, CBS decidió que su principal programa de noticias necesitaba un poco de reorganización. Como informó The Washington Post, esto dio lugar a que se le uniera una copresentadora, Connie Chung. Hubo algunos colegas que sintieron que ella era la elección equivocada para el «CBS Evening News», y compartieron sus preocupaciones con el Post —de manera anónima, por supuesto—. agregó: «Ella no ha leído un libro en 20 años».

Este matrimonio de conveniencia en el aire duró poco. En 1995, Entertainment Weekly informó que Chung fue despedido sin contemplaciones. Chung afirmó que su despido se debió al sexismo. Otros, sin embargo, insistieron en que el problema era que ella simplemente no tenía la buena fe periodística que normalmente se espera en ese tipo de puesto. Aparentemente respaldó eso cuando se burló de sus credenciales periodísticas, según The Washington Post. «Dos viajes al Medio Oriente no te convierten en un corresponsal extranjero», dijo, y agregó: «En varias ocasiones la alenté, no en cualquier manera condescendiente, que para estar realmente conectado con las noticias, realmente tienes que leer.»

Décadas más tarde, Chung compartió sus recuerdos desagradables de trabajar junto a Rather en el podcast «The Originals» de la revista Los Ángeles con Andrew Goldman. “Si le daba la espalda, sentía que podría estar en una escena de ‘Psicosis’ en la ducha”, dijo. Connie Chung admitió: «Probablemente todavía guardo un profundo rencor».

Dan Rather salió de CBS Evening News bajo una nube de controversia

Dan bastante hablandoImágenes de Astrid Stawiarz/Getty

En 2004, Dan Rather informó sobre una historia de «60 Minutos» que alegaba que el entonces presidente George W. Bush recibió un trato preferencial cuando sirvió en la Guardia Nacional de Texas. Como informó The Baltimore Sun en enero de 2005, las dudas sobre la veracidad de los documentos en el corazón de la historia llevaron a una investigación interna que encontró que «los pasos periodísticos básicos no se llevaron a cabo de manera consistente con la información precisa y justa, lo que llevó a innumerables errores y omisiones en los reportajes de 60 Minutes Wednesday y CBS News.» En medio de la controversia, Rather anunció que dejaría el «CBS Evening News», y su transmisión final para la cadena se emitió el 5 de marzo de 2005.

Una década más tarde, Rather le dijo a «Awards Chatter» de The Hollywood Reporter que, a pesar de los hallazgos de la investigación, se mantuvo firme en el reportaje. «Reportamos una historia real», declaró. «No lo hicimos a la perfección. Cometimos algunos errores de llegar a la verdad. Pero eso no cambió la verdad de lo que informamos.»

Al recordar el final indigno de su mandato en CBS News, Rather admitió: «Cometí mis errores y tengo mis heridas, algunas abiertas, algunas autoinfligidas». Sin embargo, también dijo que no se arrepiente. . «Estoy muy orgulloso de la carrera que tuve. Soy un gran creyente de que eres lo que es tu récord, y mi récord es lo que es. A los que dicen: ‘Bueno, pero no terminó muy bien’, les digo: ‘Bueno, a veces la vida va así’».

Perdió una demanda por despido injustificado de $ 70 millones contra CBS

Dan bastante decepcionadoMario Tama/Getty Images
Dos años después de su ignominiosa salida de CBS News, Dan Rather contraatacó con un litigio de gran éxito, entablando una demanda contra su antiguo empleador por despido injustificado de $70 millones en 2007. La demanda, a través de un informe archivado de Fox News, alegaba que CBS había posicionado a Rather, que No es responsable de informar o examinar la información, como «chivo expiatorio» para «’pacificar’ a la Casa Blanca». CBS hizo que Dan Rather se disculpara e «intencionalmente hizo que el público y los medios atribuyeran la supuesta torpeza del episodio de CBS al Sr. Rather», afirma la demanda. Más bien buscaba “$20 millones en daños compensatorios y $50 millones en daños punitivos”. Un portavoz de CBS desestimó las «quejas» de Rather como «viejas noticias», y agregó que «esta demanda no tiene mérito».

Cuando la disputa legal finalmente concluyó en 2009, fue CBS, no más bien, quien declaró la victoria. Después de que un tribunal inferior denegó la solicitud de la cadena de descartar la demanda de Rather, los abogados de CBS apelaron ante la División de Apelaciones de la Corte Suprema del Estado de Nueva York. Como informó Reuters, ese tribunal dictaminó que la demanda de Rather “debe ser desestimada en su totalidad”, y CBS supuestamente caracterizó el caso como “efectivamente terminado”.

Rather apeló la decisión, pero en 2010, esa apelación fue denegada. “A nadie le gusta perder”, dijo un desafiante Rather a Los Angeles Times. «Pero pensé cuidadosamente antes de entrar en esto. Decidí, gane o pierda, hay cosas por las que vale la pena luchar. Y vale la pena luchar por esto. Y no tengo intención de abandonar la lucha.»

Robert Redford interpretó a Dan Rather en una película sobre el controvertido despido de CBS del presentador

Robert Redford como Dan bastante en la verdadClásicos de Sony Pictures/YouTube

En 2015, los eventos subyacentes a la batalla legal de Dan Rather con CBS se dramatizaron en el largometraje «Truth», con el ícono de la pantalla Robert Redford interpretando a Rather. «Esta película no tiene dragones ni robots ni sexo», bromeó Rather durante el Festival Internacional de Cine de Hamptons (vía IndieWire), «pero mi esperanza es que amplíe una nueva conversación… sobre la importancia de la prensa libre, independiente y necesaria como parte del corazón rojo palpitante de la democracia y la libertad.»

«Truth» se basó en las memorias de Mary Mapes, la productora de «60 Minutes» responsable del problemático informe de la Guardia Nacional de George W. Bush. De hecho, Rather le dijo a The Guardian que se sorprendió al descubrir que se estaba haciendo una película sobre la controversia que le costó el trabajo. “Honestamente, pensé que era una broma”, dijo al enterarse de la película. «Pero entonces los cineastas vinieron a verme. Querían saber si el libro de Mary era exacto. Me complació y me sorprendió: las personas poderosas hubieran preferido que esta película no sucediera. Pero, después de eso, tuve muy poco que ver con eso». Más bien también admitió que fue «una experiencia un tanto surrealista verte interpretado por Robert Redford. Me hizo lucir mejor en pantalla de lo que nunca pensé que me veía.»

Como era de esperar, CBS criticó la película. «Es asombroso lo poco que hay de verdad en ‘Truth'», dijo la cadena en un comunicado a The Hollywood Reporter.

Aquí está el mayor consejo de Dan Rather sobre entrevistar a personas poderosas

Dan Rather hablando en el Museo de Televisión y RadioShutterstock
Dan Rather ha demostrado ser un experto entrevistador, consultando a algunas de las personas más conocidas del mundo, desde jefes de estado hasta estrellas de rock y más. En una entrevista con Vox, se le preguntó a Rather si tenía un «secreto para conseguir a alguien en el momento», y él ofreció una respuesta llana y un poco más bien bastante.

«Realmente no hay secretos. Ojalá tuviera algunos secretos. Pienso en lo que tu madre y tu padre siempre te enseñaron sobre un apretón de manos firme y mirar a una persona a los ojos cuando entra por primera vez en la habitación. …tratar de hacer un fuerte contacto visual, a veces ayuda”, dijo.

Sin embargo, Rather también reveló que tenía algunos trucos bajo la manga cuando se trataba de enfocarse en un tema recalcitrante cuya mente podría no estar del todo presente para la entrevista. Al encontrarse con eso, Rather sugirió hacer «su pregunta más inesperada y la pregunta que requiere el [deepest] miren dentro de sí mismos… una forma de captarlos en el momento es sorprenderlos un poco con una pregunta quizás personal. ‘Hablaremos de quién eres como profesional o político más tarde, pero ¿quién eres como persona?’ Ese tipo de pregunta a veces empujará a la persona al momento.»

Cómo los reportajes de Dan Rather agriaron su relación con Donald Trump

Donald Trump mira, Dan Rather sonríeShutterstock, Paul Smith / Featureflash

Dan Rather conocía a Donald Trump desde la década de 1980, y el periodista y el futuro presidente se llevaban bien. Sin embargo, eso terminó abruptamente en 2000, cuando Rather presentó un informe de «60 Minutos II» sobre el anuncio de Trump de explorar una candidatura presidencial. Ese informe, Peoplefound, esencialmente les decía a los espectadores que si Trump se postulaba, entonces nadie debería tomar su campaña en serio, ya que «se trataría básicamente de vender condominios y membresías de campos de golf y tratar de elevar su marca».

Trump, dijo Rather a People, vio el informe y «odiaba todo sobre él, y me lo hizo saber en una de esas situaciones en las que te quitan el teléfono de la oreja». Más bien —que había llegado a considerar que molestar ocasionalmente a los ricos y poderosos era un riesgo laboral— admitió que «no le dio demasiada importancia en ese momento porque si haces el tipo de periodismo que he tratado de hacer durante los últimos años, tales llamadas telefónicas no son nuevas.» Más bien finalmente se dio cuenta de que Trump estaba en una liga propia cuando se trataba de guardar rencor cuando percibía que había sido agraviado.

“No me ha dicho ni una palabra desde entonces”, dijo Rather de Trump.

Fue interrogado hilarantemente sobre sus famosos ‘Raterismos’

Dan bastante sonriendoImágenes de Craig Barritt/Getty
Además de su reputación como periodista obstinado, Dan Rather también se hizo famoso por sus dichos populares en el aire, que llegaron a conocerse como

«Raterismos». Incluían gemas como carreras políticas que eran «más candentes que un Rolex de Times Square» o «tan apretados como las tuercas oxidadas de un Ford del 55».

Durante una aparición en 2019 en el programa de preguntas y respuestas de NPR «Wait Wait… Don’t Tell Me!», más bien fue puesto a prueba cuando se le presentaron tres dichos populares, uno de ellos propio. Luego se le encomendó identificar cuáles eran sus palabras reales y cuáles eran «raterismos» inventados. Más bien demostró que podía recordar sus propias palabras, adivinando correctamente que había pronunciado las frases: «Si una rana tuviera bolsillos laterales, llevaría una pistola», y «Esta carrera es apretada como un traje de baño demasiado pequeño en un viaje demasiado largo a casa desde la playa.» Sin embargo, no recordaba haber dicho: «Si Clinton gana Florida, esta carrera irá más rápido que una boleta de ‘Hamilton’ al pie de la letra».

Durante su aparición, Rather también reveló que sus dichos se originaron a partir de su experiencia trabajando en los campos petroleros de Texas cuando era joven. «Esta es la forma en que los hombres hablan entre sí», explicó Más bien. «Sabes, solo puedes decir que hace un calor infernal tantas veces… Entonces, a medida que avanza el día, dices, ya sabes, hace más calor que un estacionamiento de Laredo o alguna forma de usar un lenguaje colorido».

Dan Rather creó una audiencia completamente nueva en las redes sociales

Dan Rather da una entrevista de radioSlaven Vlasic/Getty Images

Después de su salida de CBS, Dan Rather se unió a HDNet (más tarde rebautizado como AXS TV), presentando la serie de revistas de noticias «Dan Rather Reports» y, más tarde, su serie de entrevistas con celebridades, «The Big Interview». El cambio de la televisión en red al mundo más complicado del cable demostró la adaptabilidad de Rather a las tecnologías emergentes que estaban cambiando la naturaleza de la radiodifusión. Entre ellos se encontraban las redes sociales, todavía en su infancia cuando Rather se separó de «CBS Evening News» en 2006, pero una fuerza a tener en cuenta en los años siguientes.

El impacto de las redes sociales llegó a casa para Rather en 2016 cuando compartió un ensayo que había escrito en Facebook que terminó recibiendo más de 20 millones de visitas, junto con «cientos de miles» compartidos.«Para encontrarse hablando, metafóricamente en al menos, a casi 20 millones de personas: estas últimas 24 horas han sido lo más parecido que he sentido al apogeo del ‘CBS Evening News’», dijo Rather a The Atlantic. «Particularmente dada la sorprendente reacción a esta publicación más reciente, que les diré que me deja atónito, francamente, siento que he sido transportado a un espacio exterior muy profundo».

Para Rather, entonces octogenario, las redes sociales representaban una nueva frontera periodística por explorar. “He pasado por la era de la prensa, la era de la radio, la era de la televisión”, explicó, y agregó: “Facebook y sus descendientes son el futuro. Va a ser la forma en que los periodistas lleguen a una audiencia que importa».

El extraño incidente que inspiró un éxito de REM

Habla Dan Rather, sentadoJessica Alexander/Jealex Photo/Getty Images
Podría decirse que el incidente más extraño en la carrera histórica de Dan Rather se produjo en 1986, cuando fue abordado por asaltantes aparentes cerca de su casa en Park Avenue de Manhattan. Como informó The New York Times, Rather relató haber sido «perseguido, golpeado y pateado por dos hombres bien vestidos» que repetidamente pronunciaron la frase, «Kenneth, ¿cuál es la frecuencia?»

Casi una década después, la banda de rock REM grabó su sencillo de 1994 «What’s the Frequency, Kenneth?», haciendo referencia a la extraña frase supuestamente pronunciada por los atacantes de Rather. Mientras que Rate se burlaba de manera rutinaria de la frase y su extraño encuentro, demostró tener sentido del humor al respecto cuando se unió a REM en el escenario durante «Late Night with David Letterman» para hacer un dueto de la canción con el líder Michael Stipe.

Años más tarde, Rather se sentó con Stipe y el bajista de REM, Mike Mills, para su serie de televisión AXS «The Big Interview». Según Stipe, quien escribió la canción, la banda tomó prestada la frase porque «representa inescrutabilidad». Es la gran pregunta: nadie sabía lo que significaba. Representaba intentar, e intentar, e intentar, pero sin llegar a ninguna respuesta.» Stipe también aplaudió a Rather por ser «tan buen deportista», recordando la vez que cantó con la banda, aunque Rather pensó en su actuación como «uno de mis momentos más vergonzosos, porque sabes que no puedo cantar en absoluto». Stipe inexpresivo: «Nos dimos cuenta de eso en el momento, sí».

Informar las noticias ha hecho a Dan Rather tremendamente rico

Dan Rather sonríe, vistiendo un esmoquin.Imágenes de Kris Connor/Getty

Como presentador de noticias de la cadena, Dan Rather estaba bien pagado. Antes de convertirse en presentador de «CBS Evening News», Más bien había considerado una oferta lucrativa de su rival ABC News que supuestamente le habría pagado $ 8 millones durante cinco años, informó The Washington Post. Sin embargo, se quedó con CBS, a pesar de un salario mucho más bajo estimado en $ 800,000 por año. Ese número aumentó con los años. De acuerdo con un informe de 1998 de The Buffalo News, el contrato de Rather aumentó su salario de $ 5 millones por año a $ 7 millones por año; según la información revelada en la demanda fallida de Rather contra CBS, ganaba $ 6 millones por año en el momento en que él y la cadena se separaron.

Si bien no se ha hecho público el tamaño del salario de AXS de Rather, es una certeza que es mucho menos de lo que ganaba mientras estaba en la cima de las noticias de la red. Sin embargo, parece que Rather no ha derrochado sus ganancias; según Celebrity Net Worth, ha acumulado una fortuna estimada en 70 millones de dólares.

Dan Rather no se ha quedado con todo ese dinero. En 2006, donó $ 2 millones a la Universidad Estatal Sam Houston, su alma mater (a través de KTRE). También ha gastado sus dólares en disfrutar la vida. Previamente, era copropietario de Tecolote Ranch en Las Vegas, Nuevo México, con Donald Rumsfeld, exsecretario de Defensa. Rumsfeld y Rather vendieron sus 10,000 acres en 2008 «por una suma no revelada», según Austin Business Journal.

Dan Rather se divierte bastante con su personaje de Family Guy

Dan bastante animado en padre de familiaZorro/YouTube
Dan Rather ha sido una de las muchas celebridades que han sido criticadas en «Family Guy» y una vez fue parodiado de manera memorable. En la escena, la forma vocal recortada de Rather y la pronunciación sibilante de las palabras que comienzan con la letra «S» se simulan cuando el personaje animado lee una noticia que declara que «siete soldados saudíes sodomizaron a varios de los ocupantes ilegales de los asentamientos del sur de Saddam». «S» se convierte en un silbido cada vez más largo hasta que finalmente comienza a salir vapor de la oreja de Rather como una tetera.

En un AMA de Reddit (a través de Waywire), se ve a Rather mirando la breve escena, sin haberla visto nunca antes. Más bien comienza a reír a carcajadas cuando se revela el remate visual, cuando un tramoyista entra en escena para levantar al presentador de noticias animado y moverlo a otro asiento, lo que hace que el vapor disminuya. «Así que esa es tu reacción», le pregunta una voz fuera de cámara a Rather a su risa. «¡Exactamente!» Más bien declara.

Lo que no sabías sobre el río Phoenix

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Río Phoenix mirando a la cámaraImágenes de Nancy R. Schiff/Getty

El siguiente artículo incluye menciones de abuso infantil y agresión sexual.

Mucha gente se enfoca en el final de la existencia de la superestrella de los 80, River Phoenix, pero hay mucho más que saber sobre este talentoso hombre más allá de cómo, dónde y por qué falleció. Durante su corta vida, solo tenía 23 años cuando murió, Phoenix fue una fuerza a tener en cuenta en la industria del entretenimiento y como persona por derecho propio. Esto se debió en gran parte a su talento natural, su aspecto deslumbrante, su carisma, sus ideales personales y su arrogancia especial.

También tenga en cuenta que la estrella fascinante estaba en la cima de su juego cuando murió después de colapsar frente al popular club nocturno de West Hollywood The Viper Room en la noche de Halloween en 1991. Si esta tragedia no hubiera ocurrido, habría cumplido 50 años en 2020.

Sin embargo, una situación memorable tras otra se sumaron para completar la vida de este fascinante actor cuando conoció su trágico destino. Entonces, siga leyendo para conocer las muchas facetas del corto tiempo de este actor único en la tierra, y no se preocupe. Sorpréndase si aprende una letanía de detalles increíbles sobre lo que le sucedió a River Phoenix en su camino hacia finalmente encontrar la fama, al estilo de Hollywood.

Si usted o alguien que conoce puede ser víctima de abuso infantil, comuníquese con Childhelp National Child Abuse Hotline al 1-800-4-A-Child (1-800-422-4453) o comuníquese con su servicios de chat en vivo.

River Phoenix no era el nombre original de la estrella fallecida

Lluvia, Joaquín y Summer PhoenixImágenes de David Livingston/Getty

River Phoenix no era el apellido original de la difunta estrella. Más bien fue Bottom. Como en River Bottom. Llegó el 23 de agosto de 1970 a «una granja de menta para padres hippies» en Madras, Oregón, según USA Today. Como relata Biography, John Lee Bottom y Arlyn Dunetz nombraron a su primogénito «como el río de la vida en el libro de Hermann Hesse ‘Siddhartha’».

Continuando con el tema de la naturaleza, los Bottom llamaron a dos de sus otros hijos Rain y Summer (en la foto de arriba con su hermano Joaquin Phoenix). Al principio, Joaquín usó el nom de plume Leaf, mientras que su otra hermana se llamaba Liberty. Después de que la más joven de Bottom, Summer, viniera al mundo en 1979, sus padres decidieron renunciar al apellido de John y en su lugar eligieron Phoenix «con sus connotaciones de un pájaro mágico que surge de las cenizas”, según The Guardian. El nombre se quedó.

Todos los niños Fénix nacieron en diferentes lugares: River llegó a Oregón, Rain Juana de Arco a Texas, Joaquín Rafael a San Juan, Libertad Mariposa a Caracas y Summer Joy a Florida.

Cuando era joven, River Phoenix se movía constantemente de un lugar a otro.

Río Phoenix mirando a la cámaraImágenes de George Rose/Getty

A partir de principios de la década de 1970, River Phoenix viajó por el mundo con sus antiguos padres que recogían frutas, quienes luego se habían convertido en misioneros de Children of God, una nueva iglesia que existía bajo la tutela del controvertido fundador David Berg. Como resultado, señaló The Guardian, River nunca fue a una escuela formal, y antes de establecerse en Hollywood, la familia de River vivió en Texas, Puerto Rico, México y Venezuela. El estilo de vida nómada de la familia no siempre fue fácil para los niños. Como Joaquin Phoenix, de 13 años, le dijo a un reportero en 1987 (a través de El guardián), «Extrañamos un poco [having a normal childhood] a veces extrañamos a nuestros amigos, pero cuando vamos a algún lugar nos encontramos con otras personas. Pero luego hay que despedirse de ellos.»

Entonces, ¿por qué la familia Phoenix tomó un camino tan transitorio? «[Arlyn and John Phoenix] Querían hacer una buena vida para sus hijos que no fuera el típico tipo de vida de ‘valla blanca'», compartió el amigo de River, Joshua Greenbaum, en «PeopleMagazine Investigates: Cults». «Obviamente, estaban buscando algo». Los padres de River fueron descritos como «hippies contraculturales viajeros» por The Guardian, y se dijo que abrazaron su nueva religión con entusiasmo antes de darse cuenta de que Children of God era, de hecho, un culto con inclinaciones despreciables.

River Phoenix fue víctima de abuso sexual

Río Phoenix mirando hacia abajoImágenes de Nancy R. Schiff/Getty

El culto fue un momento traumático para River Phoenix. Después de «bloquear[ing] Después de la experiencia durante años, le dijo a Detalles (a través de LA Weekly) que fue agredido sexualmente cuando tenía solo cuatro años. Esta no fue una experiencia solitaria ya que el credo de los Hijos de Dios fomentaba el incesto y la pedofilia.

En declaraciones a The Sunday Post, otra sobreviviente de la secta contó que fue “repetidamente violada y abusada, forzada a salir a la calle para engañar a la gente para que donara dinero y enseñada a ocultar su tormento a los trabajadores sociales y maestros”. Ella recordó que el abuso, al igual que con Phoenix, comenzó cuando ella tenía cuatro años. También dijo que su padre era uno de los abusadores, y agregó que cuando ella «se quejó», su agresor dijo que «debía tener un demonio dentro… porque el sexo era amor, y el amor era lo que Dios quería». [them] mostrarse unos a otros.»

Probablemente como una forma de tratar de borrar esos horribles recuerdos, Phoenix fue «completamente célibe desde [ages] de diez a catorce», perLA Weekly. Según Esquire (a través de The River Phoenix Pages), River «rara vez hablaba de» Hijos de Dios. «Son repugnantes», dijo sobre el culto. «Están arruinando la vida de la gente.»

Si usted o alguien que conoce puede ser víctima de abuso infantil, comuníquese con Childhelp National Child Abuse Hotline al 1-800-4-A-Child (1-800-422-4453) o comuníquese con su servicios de chat en vivo.

Si usted o alguien que conoce ha sido víctima de agresión sexual, hay ayuda disponible. Visita el Sitio web de la Red Nacional de Violación, Abuso e Incesto o comuníquese con la línea de ayuda nacional de RAINN al 1-800-656-HOPE (4673).

River Phoenix y el resto de su familia se convirtieron en polizones

Río Phoenix mirando a la cámaraImágenes de Nancy R. Schiff/Getty

Finalmente, Arlyn y John Phoenix se dieron cuenta de lo peligroso que era el culto, por lo que decidieron separarse. RiverPhoenix y el resto de su familia salieron de Venezuela y se escondieron en lo que Cosmopolitan describió como «un carguero que llevaba un cargamento de juguetes Tonka a Florida». de viaje. Como recordó Rain Phoenix a The Guardian, ver a «un grupo de pescadores golpeando peces contra unos clavos que sobresalían del costado del bote» inspiró a la familia a volverse vegana.

Como relató Cosmopolitan, el clan Phoenix llegó a los Estados Unidos, pero no antes de que los miembros de la tripulación se dieran cuenta de que la familia estaba a bordo. (Evidentemente, no era un problema demasiado grande). Cuando llegaron a Florida, «se encontraron totalmente fuera de sintonía con el mundo que los rodeaba». Se quedaron con los padres de la entonces embarazada Arlyn Phoenix por un tiempo en el Estado del Sol, pero eso cambiaría pronto.

«River y su hermana Rainbow ganaron tantos concursos de talentos locales que The St. Petersburg Times escribió sobre ellos», escribió The New York Times en 1989. «Una copia del artículo llegó al departamento de casting de Paramount Pictures, y la familia recibió una carta que decía que los niños podrían ser entrevistados si alguna vez estuvieran en Los Ángeles.» Y así, la familia se mudó a Hollywood con estrellas en los ojos.

Antes de ser famoso, River Phoenix tocaba en la calle con su hermana menor.

River Phoenix tocando la guitarraArchivos de Michael Ochs/imágenes falsas

Cuando era niño, River Phoenix tocaba música en la calle por dinero con su hermana pequeña Rain Phoenix. «Entonces, a una edad temprana, River tocaba en las esquinas de las calles, tratando de correr la voz y hacer proselitismo para el culto», dijo el biógrafo Gavin Edwards. NPR. «Pero si ese día no traía a casa bastantes monedas sueltas, la familia no iba a comer. Así que fue mucho peso de muchas maneras diferentes, en un niño muy pequeño.»

Llamando a su hermano «un poco prodigio de la guitarra», Rain compartió con The Guardian que ella y River «pasaban mucho tiempo cantando alrededor del fuego en casa después de la cena, haciendo pequeñas demostraciones de cuatro pistas en nuestra habitación, o cuando estábamos juntos». en las casas de la gente, tocábamos la guitarra y empezábamos a cantar.» Eventualmente, su maestría musical catapultaría a la familia al centro de atención. Como relató The Independent, «[The family] terminó en Los Ángeles, donde Phoenix y sus hermanos fueron descubiertos por la agente de talentos Iris Burton mientras tocaban en la calle en una esquina.» Cuando Burton murió en 2008, Los Angeles Times mencionó su conexión con la familia Phoenix en su obituario, señalando que los vio «cantando por monedas en Westwood. Pronto representó a los cuatro.»

Aunque encontró un gran éxito como actor, la música siguió siendo su pasión. Según el Chicago Tribune, un joven River «ahorró para su preciada posesión, una guitarra de 650 dólares» cuando su carrera cinematográfica comenzó a despegar.

La pantalla chica es donde River Phoenix consiguió su primer gran salto

Río Phoenix en blanco y negroKevin Invierno/Getty Images

La gran oportunidad de River Phoenix fue como habitual en el reinicio televisivo de «Seven Brides for Seven Brothers». A partir de los 11 años, el hermano mayor de Phoenix interpretó a Guthrie McFadden durante 22 episodios. Más tarde, participó en episodios de «Family Ties», «The Love Boat» y «Hotel».

Luego, no mucho después de entrar en el mundo del espectáculo, Phoenix pasó a hacer películas. Antes de su muerte, participó en varias películas: «My Own Private Idaho», «Indiana Jones and the Last Crusade», «Dogfight» y «The Thing Called Love», entre ellas. y estuvo en el radar de Hollywood por su trabajo estelar. Después de actuar en «Stand By Me», la actuación de River como Chris Chambers «lo marcó como uno de los actores más talentosos y prometedores de Hollywood», escribió Vogue.

Este hermano Phoenix había sido nominado al Oscar por su papel de Danny Pope en «Running on Empty» cuando tenía 17 años. Aunque no se llevó a casa el trofeo en los Premios de la Academia de 1989, fue un momento brillante. En ese momento, Phoenix estaba trabajando en la película «Te amo hasta la muerte» con Kevin Kline. Kline estuvo presente para los mismos Oscar que Phoenix, ya que también había estado nominado para el premio de Actor de Reparto debido a su papel en «A Fish Called Wanda». Cuando Kline ganó, Phoenix animó a su coprotagonista con entusiasmo.

River Phoenix fue un miembro dedicado de PETA y ambientalista.

River Phoenix en mi propio Idaho privadoCaracterísticas de líneas finas/YouTube

En una entrevista de Esquire de 1995 (a través de Las páginas de River Phoenix), Martha Plimpton, la exnovia vegana de River Phoenix desde hace mucho tiempo, dijo que una vez pidió cangrejo de caparazón blando cuando estaban juntos, y eso golpeó duro a su cita. “Él salió del restaurante y caminó por Park Avenue, llorando”, compartió. «Salí, y me dijo: ‘Te quiero mucho. ¿Por qué?’ Le dolía tanto que me estuviera comiendo un animal, que no me había inculcado lo que era correcto.» Plimpton dijo que sus acciones la conmovieron. Esquire también señaló que muchos de los «amigos de River a menudo terminaban siendo veganos como él».

La lucha por los derechos de los animales fue una gran parte de la vida de Phoenix. Como le dijo a The New York Times en 1989, «Cuando tuve la edad suficiente para darme cuenta de que se mataba toda la carne, lo vi como una forma irracional de usar nuestro poder, tomar algo más débil y mutilarlo. Era como la forma en que los matones toman el control de los niños más pequeños en el patio de la escuela.»

Se unió a PETA (Personas por el Trato Ético de los Animales), e incluso actuó en un anuncio de servicio público para la organización. Como recordó Vogue, PETA lo declaró el Humanitario del Año en 1992. Y realmente puso su dinero donde estaba su boca. Como relató CR Fashion Book, «Lo más notable, como testimonio de su ambientalismo, Phoenix una vez compró 800 acres de selva tropical en la frontera de Costa Rica y Panamá, y también creó una organización sin fines de lucro para salvar especies en peligro de extinción».

Keanu Reeves y River Phoenix eran grandes amigos

Keanu Reeves sonriendo Albert L. Ortega/Getty Images

River Phoenix y Keanu Reeves fueron presentados por Joaquin Phoenix, quien había aparecido en «Parenthood» con el actor mayor. River y Keanu se harían amigos mientras trabajaban juntos en «Love You to Death» y «My Own Private Idaho», la última de las cuales tiene una gran historia de fondo. Como escribió Gavin Edwards en «Last Night at the Viper Room: River Phoenix and the Hollywood lo dejó atrás» (a través de Grantland), Reeves llevó «su motocicleta desde Canadá hasta el este de los Estados Unidos, hasta llegar a Gainesville, Florida» para entregar personalmente el tratamiento de la película para asegurarse de que River la viera porque su agente «se había negado a pasárselo a la familia Phoenix».

Cuando Entrevista le preguntó a Reeves si él era o no el primero en apuntarse a la película, respondió: «No. Siempre estuvimos juntos.» En la misma entrevista, River recordó «hablar muy rápido sobre la idea» mientras manejaban por Los Ángeles una noche, y agregó: «Dijimos ‘Está bien, lo haré si lo haces. No lo haré si tú no lo haces. Nos dimos la mano. Eso fue todo.»

Cuando River murió, Reeves, quien estaba haciendo la película «Speed», recibió un duro golpe. «Conocer a River fue una revelación. Como persona y artista», dijo Reeves a People en 2019. «Su corazón generoso y su espíritu brillante junto con una inteligencia, curiosidad, ingenio y humor inspiraron… Él estaba allí. El intentó. El estaba intentando. Una hermosa alma excepcional. Luz.»

Leonardo DiCaprio vio a River Phoenix la noche que murió

Leonardo DiCaprio mirando al frenteShutterstock

Nacido solo cuatro años después de River Phoenix, la estrella infantil convertida en ganador del Oscar Leonardo DiCaprio admiraba a la estrella de «Cuenta conmigo» al principio de su carrera. Como compartió con Esquire en 2019, «Crecí venerando a River Phoenix como el gran actor de mi generación, y todo lo que siempre quise fue tener la oportunidad de estrecharle la mano».

Si bien nunca tuvieron la oportunidad de entablar una amistad, los caminos de los dos se cruzaron. DiCaprio recordó a la publicación haber visto a Phoenix en una fiesta la noche en que murió el actor de «My Own Private Idaho», pero Phoenix se fue a The Viper Room antes de que pudieran encontrarse. «Era casi como si—no sé cómo describirlo, pero es esta cosa existencial donde me sentía como…». . . desapareció frente a mis propios ojos, y la tragedia que sentí después de haber perdido esta gran influencia para mí y todos mis amigos”, dijo.

Los muchos talentos de River Phoenix

River Phoenix sosteniendo una cámara de videoImágenes de George Rose/Getty

River Phoenix encontró el éxito en la industria del entretenimiento fuera del mundo del cine. Mientras vivía en Florida, él y Rain Phoenix comenzaron una banda llamada Aleka’s Attic.

«La banda tocó en todos los lugares de Gainesville que pudieron», recordó Alan Bushnell, fanático y propietario de Hardback Cafe, a The Independent Florida Alligator. Entre sus momentos más memorables, Aleka’s Attic actuó para Bill Clinton durante su campaña presidencial. Desafortunadamente, el grupo no pudo despegar del todo. Como relató Variety, la banda consiguió un «acuerdo potencial con Island Records a principios de los 90», pero no se concretó. Aún así, se incluyó un sencillo de la banda en la banda sonora de «My Own Private Idaho», y su la melodía «Across the Way», fue lanzada en el álbum promocional «Tame Yourself» de PETA.

Al fin y al cabo, la actuación no era la verdadera pasión de River Phoenix. Como escribió Gavin Edwards en «Last Night At The Viper Room: The Life and Death of River Phoenix» (a través de Rolling Stone), «River había estado tratando la actuación como una broma, disfrutaba haciéndolo, pero la música seguía siendo su primer amor».

Christian Slater reemplazó a River Phoenix en Entrevista de un vampiro

Christian Slater en un evento Shutterstock

No mucho antes de su muerte, River Phoenix había sido seleccionado para un jugoso papel en la adaptación cinematográfica de «Entrevista con el vampiro» de Anne Rice, junto a Tom Cruise y Brad Pitt. «Perdimos a River. Literalmente, una semana antes de lo que se suponía que debía ingresar, falleció”, dijo Pitt en EW (a través de ¡MI! Noticias). “Fue un momento horrible”.

Como informó EW en 1993, hubo una frenética búsqueda de talentos tras el desafortunado fallecimiento de Phoenix, y los actores Stephen Dorff, Leonardo DiCaprio y Christian Slaterall se convirtieron en los principales candidatos. Slater finalmente ganó el papel de Daniel Malloy, pero no disfrutó del todo de la experiencia.

Cuando Yahoo Entertainment le preguntó a Slater sobre el papel en 2018, no pasó por alto las difíciles circunstancias. «Fue incómodo», dijo. «Fue incómodo. Fue dificil. Cómo reemplazar a alguien que murió de esa manera, y alguien a quien yo admiraba mucho.» Compartió que «no se sentía bien tomando dinero por ello», por lo que terminó dando lo que ganó con la película «a organizaciones benéficas y cosas que [Phoenix] estuvo involucrado.» Mientras tanto, los créditos de «Entrevista con el vampiro» incluyen una dedicatoria al difunto River Phoenix.

¿Cuál era el patrimonio neto de River Phoenix cuando murió?

Río Fénix sonriendoImágenes de George Rose/Getty

El valor neto de River Phoenix en el momento de su muerte a los 23 años en 1993 era de $ 5 millones, según varias fuentes, incluido Celebrity Net Worth. La razón dada por su riqueza no se debió solo a una estrella de cine, sino también a su trabajo como músico, cantautor y guitarrista.

Aunque era muy joven cuando falleció, Phoenix fue llamado «uno de los actores más populares y exitosos del siglo XX» por Biography Gist. El actor de Madras, Oregón, recibió numerosos premios por su trabajo en la pantalla grande, y el medio mencionó su Premio Artista Joven por su primera película, «Explorers», y su Premio Jackie Coogan como Chris Chambers en «Stand By Me». También ganó el Premio de la Junta Nacional de Revisión al Mejor Actor de Reparto como Danny Pope en «Running on Empty».

La trágica última noche de la vida de River Phoenix

Monumento al río Phoenix en The Viper RoomArchivos de Michael Ochs/imágenes falsas

La noche en que River Phoenix murió, había «tragado apresuradamente [a] speedball» dentro de The Viper Room de Johnny Depp, según LA Weekly. Como contó Gavin Edwards en «Last Night at the Viper Room: River Phoenix and the Hollywood He Left Behind» (a través de LA Weekly), después de que el proveedor de la bebida aparentemente dijera que haría el actor «se siente fabuloso», exigió River, «¿Qué me diste? ¿Qué diablos hay en eso?» Pronto estaba «convulsionando en una acera de Sunset Boulevard».

Rain Phoenix y la novia de River, Samantha Mathis, también estaban en la escena mientras el venerado actor yacía sobre el cemento duro. Mathis sabía que «algo andaba mal esa noche», pero le dijo a The Guardian que «no entendía». No vi a nadie consumiendo drogas, pero él estaba drogado de una manera que me hizo sentir incómoda, estaba muy por encima de mi cabeza.»

Joaquin Phoenix llamó al 911 y su hermano fue llevado al hospital, pero ya era demasiado tarde. Como escribió LA Weekly, estuvo «en pleno paro cardíaco durante 20 minutos» y murió poco después. River Phoenix se había ido, dejando atrás un legado de las mejores películas, recuerdos y seres queridos.

Lo que no sabías de Bernie Sanders

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Bernie Sanders en un mitinShutterstock
Puede que Bernie Sanders se haya convertido en una figura nacional cuando se postuló para presidente de los Estados Unidos en 2016, pero los valores del senador de Vermont se formaron por primera vez en su infancia. Como dijo Sanders en un mitin en Nueva York, según AP, su padre inmigrante judío llegó a Brooklyn “sin un centavo en el bolsillo”, y su familia vivía en un apartamento de tres habitaciones y media, sobreviviendo “de cheque en cheque”. .» Trágicamente, la mayoría de la familia de su padre había muerto en el Holocausto. Según su biografía, «El alcalde socialista», Sanders comentó una vez que era «muy consciente de niño de que Hitler mató a toda la familia de mi padre».

Este conocimiento despertó por primera vez el interés del futuro político por la política. Sin embargo, perdió su primera campaña: para presidente de la clase. Durante la campaña del joven Sanders, prometió que iniciaría un plan de recaudación de fondos para los niños que quedaron huérfanos por la Guerra de Corea. “Era algo inusual para una persona tan joven involucrarse”, dijo a Time su hermano, Larry, recordando estas promesas de campaña. Puede que Sanders no haya ganado, pero la idea de crear becas para niños en Corea fue tan popular que aún se implementó.

Siga desplazándose para obtener más información sobre cómo un joven Bernie Sanders forjó un camino político para sí mismo como un campeón popular poco probable.

Bernie Sanders siempre ha luchado por los derechos civiles

Bernie Sanders con Al Sharpton y el reverendo W. Franklyn RichardsonDrew Angerer/Getty Images

Bernie Sanders siempre estuvo interesado en la igualdad de derechos, como demostró en 1963, cuando fue arrestado por protestar contra la segregación escolar. Como informó el Chicago Reader, el joven activista fue fotografiado siendo inmovilizado por la policía en una manifestación. Una disputa sobre la educación pública de Chicago se disparó después de que se estableciera una nueva escuela para niños negros en un almacén vacío, que los padres argumentaron que era una «trampa de fuego». Sin embargo, como bromeó más tarde el político en una entrevista con Time, su arresto no fue un logro significativo. «¡Puedes salir y que te arresten también!» Sanders observó. «No es tan difícil si te lo propones.»

Como estudiante en la Universidad de Chicago, también ayudó a organizar una sentada frente a la oficina del presidente, en protesta por las viviendas segregadas proporcionadas por la universidad. “Sentimos que es una situación intolerable”, manifestaron en ese momento los manifestantes, señalando que a estudiantes de diferentes razas no se les permitía “convivir en departamentos propiedad de la universidad”.

La muerte de su madre lo inspiró a apoyar Medicare para todos

Bernie Sanders en campaña por Medicare para todosMark Wilson/imágenes falsas

Una de las políticas clave que Bernie Sanders ha impulsado a lo largo de los años es la atención médica universal. “Todos los estadounidenses tienen derecho a ir al médico cuando están enfermos y no arruinarse después de permanecer en el hospital”, argumenta el político en su sitio web, afirmando su compromiso con la idea de un “programa de seguro de salud nacional de pagador único”. .»

Su primer gran encuentro con la tragedia se produjo durante su adolescencia cuando su madre, Dorothy, enfermó gravemente y finalmente murió. «Perder a la madre a la edad de, creo, 18… fue muy, muy difícil», dijo Sanders a la AP, recordando cómo se mudó de Brooklyn poco después. La experiencia le enseñó que «la atención médica es un derecho humano, es no es un privilegio, y ese no era el caso en ese entonces y ciertamente no es el caso en este momento».

Como reveló The New York Times, un viaje a Canadá le mostró a Sanders que no todas las familias tenían que luchar para pagar la atención médica de sus seres queridos, como lo había hecho su familia. Después de un viaje al norte en 2017, Sanders elogió nuevamente el enfoque del país hacia la atención médica, según CBC. “Hay tanto que aprender y llevaremos lo que aprendimos aquí y lo que aprendimos sobre el sistema de salud canadiense al Congreso de los Estados Unidos y al pueblo estadounidense”, declaró en un evento de la Universidad de Toronto.

Bernie Sanders fue nombrado uno de los mejores alcaldes de Estados Unidos

Bernie Sanders y seguidores de VermontImágenes de Alex Wong/Getty

Cuando Bernie Sanders se mudó por primera vez a Vermont a tiempo completo en 1968, el padre soltero tenía varios trabajos diferentes y luchaba por pagar sus facturas de electricidad. Para 1987, había sido votado como uno de los 20 mejores alcaldes de Estados Unidos por US News and World Report, como informó The Courier-Journal. Pero retrocedamos un poco.

Su primera campaña política ocurrió debido a Liberty Union, según la revista Politico, un pequeño partido contra la guerra que necesitaba a alguien para postularse para el Senado de los Estados Unidos. «Sanders dijo: ‘¿Sabes qué? Lo intentaré. ¿Qué tengo que hacer?’», recordó el cofundador de Liberty Union, Peter Diamondstone, al describir cómo Sanders se lanzó a organizarse y abogar por el cambio social. A pesar de su energía, el político nunca ganó más del 6% de los votos mientras se presentaba como candidato de Liberty Union.

Sin embargo, la campaña de Sanders había sido popular en Burlington, donde decidió postularse para alcalde en 1981. Como aún señala en Gorjeo, solo ganó la carrera por 10 votos, pero la popularidad del alcalde comenzó a dispararse rápidamente. A pesar de su nuevo salario, Sanders seguía siendo un hombre del pueblo: como informó la revista Politico, una vez recibió una multa por estacionar en el lugar del alcalde, ya que un oficial asumió que su Volkswagen Dasher estaba demasiado golpeado para ser el vehículo del alcalde.

El político lanzó un disco de folk en 1987

Bernie Sanders habla en un conciertoShutterstock

Bernie Sanders es un hombre de muchos talentos, pero el canto podría no ser uno de ellos. En 1987, el entonces alcalde de Burlington habló con 30 artistas de Vermont para que se unieran a él en un álbum de folk llamado «We Shall Overcome». Como informó Rolling Stone, el álbum presentaba a Sanders recitando las letras de canciones de protesta como «We Shall Overcome» y «This Land Is Your Land» en un estilo hablado (¿quizás canalizando su William Shatner interior?).

Aunque muchos músicos locales habían colaborado en el álbum, no se convirtió precisamente en un éxito. Solo se vendieron 600 copias, según CNN, lo que significó que no cubrió los costos de producción de su estudio. En 2016, un renovado interés en Sanders, quien en ese momento se postulaba para presidente, provocó un aumento en las ventas. Pero parecía que el político todavía no estaba interesado en grabar un seguimiento.

“Si estás mirando a un presidente que puede llevar una melodía, yo no soy el indicado”, declaró Sanders durante un ayuntamiento demócrata en CNN. «… Es el peor disco jamás grabado.»

Esa vez que Bernie Sanders apareció en una comedia romántica de Susan Sarandon

Susan Sarandon en un estrenoArchivos de Michael Ochs/imágenes falsas

Bernie Sanders ha tenido muchas carreras diferentes a lo largo de su vida: autor, político, carpintero, artista discográfico. Y a finales de los 80, el entonces alcalde de Vermont decidió agregar a «actor» a esa lista.

Su carrera cinematográfica anteriormente había consistido en películas educativas de bajo presupuesto que Sanders hizo él mismo, según Revista Politico. La Sociedad Histórica del Pueblo Estadounidense publicó cintas de video sobre personas a las que Sanders admiraba, como el socialista y sindicalista Eugene Debs, y el político conducía él mismo a las escuelas para persuadirlos de mostrar las películas. «No era solo una forma de ganar dinero», insistía su amigo, Steve Goodkind. «Hizo tiras de películas sobre personas a las que admiraba y en las que creía. Simplemente pensaba que los niños deberían saber la verdad de cómo eran las cosas en realidad».

Los esfuerzos cinematográficos de Sanders luego se volvieron un poco más convencionales, según AV Club. «Sweet Hearts Dance» se estrenó en 1988 y contó con Susan Sarandon y Jeff Daniels. Sanders hizo un breve cameo en un papel secundario. Pero también apareció en otra comedia romántica más de una década después: «My X-Girlfriend’s Wedding Reception», protagonizada por Dom DeLuise y Mo Gaffney, así como por los músicos Vitamin C y Debbie Gibson. Sanders apareció como un rabino que despotrica sobre el béisbol, lo que podría no haber sido una exageración para el fanático del béisbol de toda la vida, que todavía estaba tomando a Gorjeo para condenar la «codicia» de la MLB en 2021.

También condujo su propio programa de televisión.

Bernie Sanders en su programa de televisiónReunión de la ciudad TV/YouTube
Años antes de que los políticos pudieran hablar directamente con sus seguidores a través de las redes sociales, Bernie Sanders utilizó la televisión para difundir su mensaje. El programa de acceso local, «Bernie Speaks with the Community», se emitió en los años 80 y lo presentaba hablando con los lugareños de Vermont. Según compartió en el primer episodio, el programa se desarrolló porque su programa de radio había sido cancelado. Sanders había «disfrutado» de presentar «Habla el alcalde» y de tener «la oportunidad de comunicarse con la gente de la ciudad», por lo que cuando los dueños de la estación terminaron, se pasó a la pantalla chica.

Sin embargo, su relación con los medios fue tensa: después de que Sanders fuera elegido en 1981, los reporteros se apresuraron a escribir sobre el «alcalde socialista» y su agenda. “Burlington estará en el centro del escenario porque el país se ha ido en una dirección y nosotros en la otra”, dijo a The New York Times. “La gente pagará $10 por cabeza para ver al excéntrico alcalde de Burlington y lo que hagamos puede tener un efecto”.

Entonces, ideó su propio programa, donde les habló a los niños sobre la cocaína y entrevistó a punks en el centro comercial. «Al día siguiente de que me eligieran alcalde, les dije a algunos de mis compañeros: ‘No podemos sobrevivir. Vamos a tener que desarrollar nuestros propios medios’”, recordó Sanders en el Episodio 50, lamentando que el estado de Vermont aún no haya creado un “medio progresista real”. «… ¿Por qué no presionamos a los medios locales para que exijan que sea mucho mejor de lo que es? La lucha en última instancia es una lucha política.»

Bernie Sanders es el ‘independiente con más años de servicio’ en el Congreso

Habla Bernie SandersImágenes de Bloomberg/Getty

A pesar de postularse para presidente como demócrata, Bernie Sanders no siempre ha estado de acuerdo con el partido. Ingresó a la Cámara de Representantes en 1990 como legislador independiente y, como informó ABC News, es oficialmente el congresista con más años de servicio fuera de los partidos republicano y demócrata.

“No es necesario ser un genio de la política para saber que si funciona solo, existen límites reales para lo que puede lograr”, escribió Sanders en su libro de 1998, “Outsider in the House: A Political Autobiography”, y agregó que Si bien logró formar la Coalición Progresista de Burlington para conectarse con otros Independientes progresistas en Vermont, se vio abrumado tácticamente por «el sistema bipartidista» en el Congreso. Posteriormente, en una entrevista de 2015 con Vox, Sanders explicó su oposición al Partido Demócrata al declarar que estaban «separados de las familias trabajadoras».

«¿Son los demócratas 10 veces, 100 veces mejores en todos los temas que los republicanos? Seguramente lo son”, admitió Sanders, quien fue elegido para el Senado en 2006, antes de insistir en que habían perdido el contacto con el estadounidense promedio. «Hubo un tiempo, creo que bajo Roosevelt, tal vez incluso bajo Truman, en el que se percibía que los trabajadores eran parte del Partido Demócrata. Creo que por una variedad de razones, muchas de las cuales tienen que ver con el dinero y la política, ese ya no es el caso.»

Se hizo famoso a través de un obstruccionismo de ocho horas

Bernie Sanders en el pleno del SenadoSenador Bernie Sanders/YouTube
Bernie Sanders se hizo un nombre en el escenario nacional en 2010 al pronunciar una maniobra obstruccionista en el pleno del Senado, argumentando en contra de los recortes de impuestos para las corporaciones. Durante ocho horas y media, el congresista habló sobre cómo los partidos republicano y demócrata habían respondido a la deuda nacional. «Pueden llamar a lo que estoy haciendo hoy como quieran», dijo Sanders a la sala llena de políticos. «… Simplemente estoy aquí hoy para tomarme el mayor tiempo posible para explicarle al pueblo estadounidense el hecho de que tenemos que hacerlo mucho mejor de lo que proporciona este acuerdo».

En su estilo de hablar característico, Sanders se dirigió al público que miraba en casa más que a los políticos que lo rodeaban. “Las encuestas nos muestran que el pueblo estadounidense no cree que los millonarios y multimillonarios necesiten más exenciones fiscales”, declaró, según NPR, instando a los espectadores a llamar al Congreso y decirles que “ya es suficiente”. Hubo tantas llamadas telefónicas que la gente no pudo comunicarse, informa el medio, y el sitio web del Senado no pudo manejar el tráfico que estaba recibiendo.

Sanders no logró detener las exenciones fiscales masivas. Pero como su estratega, Jeff Weaver, le dijo a NPR, el filibustero aún elevó su perfil. «Creo que sentó muchas bases para el éxito que vería en el ciclo electoral 2015-2016», explicó Weaver, y agregó que el discurso «trajo a Bernie Sanders a la atención de millones de estadounidenses que no sabían quién era». él era.»

Este político mantiene en secreto su vida familiar

Bernie Sanders y Levi Sanders posando juntosMireya Acierto/Getty Images

Aunque Bernie Sanders siempre está dispuesto a discutir sus políticas, el político es más reticente cuando se trata de su vida personal.

Sanders se ha casado dos veces y tiene un hijo biológico y tres hijastros. Aunque muchos asumieron que tenía un hijo Levi con su primera esposa, la madre de Levi en realidad era una mujer llamada Susan Campbell Mott, con quien Sanders había vivido en Nueva York, como lo descubrió la revista Politico en 2015. Luego, en 1981, conoció a su segunda esposa, Jane. , en un debate político. “Me senté en la segunda fila y me enamoré de las ideas de Bernie”, dijo la maestra a People, describiendo cómo luego le propuso matrimonio en el estacionamiento de una heladería.

Jane tuvo tres hijos de un matrimonio anterior, quienes dieron la bienvenida a Sanders a la familia. «Soy su hija. Es mi papá”, dijo su hija, Carina, a Yahoo! Noticias. «Crecimos en su casa. Son nuestros padres.» Sin embargo, de manera controvertida, se negó a respaldar tanto la candidatura de Carina a la alcaldía de Burlington, según Seven Days, como la candidatura de Levi al Congreso en New Hampshire. “Levi ha pasado su vida al servicio de las familias trabajadoras y de bajos ingresos, y estoy muy orgulloso de todo lo que ha hecho”, dijo Sanders al Boston Globe. «En nuestra familia, sin embargo, no creemos en la política dinástica. Levi está dirigiendo su propia campaña a su manera.»

El hermano de Bernie Sanders, Larry, está involucrado en la política del Reino Unido

Larry Sanders hablando en un mitinPeter Summers/Getty Images

Mientras Bernie Sanders ascendía de alcalde de Vermont a candidato presidencial, su hermano, Larry Sanders, se labraba su propio lugar en la política al otro lado del charco.

Larry se mudó al Reino Unido en los años 60, según The Independent, donde se convirtió en profesor universitario y comenzó a explorar la política local. Fue concejal del condado del Partido Verde en Oxfordshire hasta su jubilación en 2013, trabajando con énfasis en la atención médica y los servicios sociales. Y en 2016, fue elegido como el nuevo portavoz de salud del Partido Verde.

A pesar de tener puntos de vista similares, Larry le dijo a CNN que los hermanos en realidad no discuten sus políticas con tanta frecuencia. «Él sabe que sigo la política y no le interesa hablar de eso, porque lo está viviendo todo el tiempo. Así que en realidad no hablamos de política. Lo apaga”, explicó sobre Bernie. De sus conversaciones no políticas, Larry continuó: «Creo que ha sido muy importante para él venir y tocar la base».

Ha inspirado dos sabores del helado de Ben & Jerry

Jerry Greenfield y Ben Cohen con merchandising de Bernie SandersImágenes de Bloomberg/Getty

Los fundadores de Ben & Jerry’s han sido apasionados seguidores de Bernie Sanders desde su exitosa candidatura a la alcaldía en 1981.

“Estuvimos allí en una fiesta de victoria de Bernie, en la parte inferior del Memorial Auditorium”, dijo Ben Cohen, quien es la mitad del icónico dúo de helados, a CBS News. «… He estado sirviendo helado para Bernie durante 40 años». Su lealtad a Sanders y sus políticas llevó a los dos empresarios, a quienes Sanders ha elogiado por sus puntos de vista progresistas, a unirse a él en la campaña presidencial de 2016. Cohen incluso tiene un parecido sorprendente con el político: como reveló a CBS News, la gente a menudo lo confunden con Sanders por detrás. “Creo que especialmente si alguien realmente espera que Bernie esté cerca y me ven”, dijo Cohen. «Está lo suficientemente cerca».

También crearon dos sabores originales, el «Bernie’s Yearning» inspirado en chispas de chocolate con menta en 2016, así como «Bernie’s Back» para las elecciones de 2020, en honor al candidato. En un video de Facebook de 2019, Cohen le explicó estos diferentes sabores a su socio comercial, Jerry Greenfield, y bromeó diciendo que la última pinta tenía una «columna vertebral» de caramelo crujiente de mantequilla porque «Bernie tiene columna vertebral».

El senador de Vermont no tiene miedo de enemistarse con los multimillonarios

Bernie Sanders hablando en el micrófono, Elon Musk saludandoImágenes de Shutterstock, Bloomberg/Getty

Bernie Sanders se ha ganado la reputación de enfrentarse a multimillonarios a lo largo de los años, exigiendo el fin de la gran brecha de riqueza entre las familias más ricas y las más pobres de Estados Unidos. Y en años más recientes, ha tenido disputas públicas con directores ejecutivos famosos como Elon Musk, Jeff Bezos y Bill Gates.

Después de que Gates protestó por la idea de un impuesto a la riqueza en 2019, Sanders tuiteó que incluso si al fundador de Microsoft se le cobrara un impuesto del 90 por ciento, «seguiría siendo multimillonario». En 2021 condenó a Bezos en un Hilo de Twitter por intentar evitar que los trabajadores de Amazon se sindicalicen. Y Sanders también discutió con Musk sobre cómo usó su riqueza, tuiteando: «Los viajes espaciales son una idea emocionante, pero en este momento debemos centrarnos en la Tierra y crear un sistema fiscal progresivo para que los niños no pasen hambre, las personas no se queden sin hogar y todos los estadounidenses tengan atención médica».

El último par se había enfrentado previamente Gorjeocuando el CEO de Tesla llamó a Sanders «un títere dócil de las grandes petroleras» por señalar que Musk había recibido 4.900 millones de dólares en subsidios del gobierno.

Los libros de Bernie Sanders lo hicieron millonario

Jane O'Meara Sanders y Bernie Sanders sonriendoChip Somodevilla/Getty Images

Bernie Sanders ha recorrido un largo camino desde que no pudo pagar sus facturas de electricidad como carpintero y escritor. Como informó The Wall Street Journal, Sanders y su esposa, Jane, son dueños de tres propiedades: una casa de cuatro habitaciones en Vermont, una casa adosada en Washington, DC y otra casa de vacaciones en Vermont que compraron en 2016.

Aunque fue uno de los miembros del Congreso menos ricos durante mucho tiempo, las regalías de los libros han disparado el patrimonio neto de Sanders a un estimado de $ 3 millones, según Celebrity Net Worth. Después de que su primera campaña presidencial lo llevara a un nuevo nivel de fama en 2016, el senador publicó “Nuestra revolución”, que explicaba su agenda política y se convirtió en un éxito de ventas instantáneo. Según Forbes, el libro vendió más de 220.000 copias y fue seguido por su «Guía para la revolución política» y «Hacia dónde vamos desde aquí». En total, los libros le habían hecho ganar más de $ 1.7 millones para 2019.

Si bien algunos han acusado a Sanders de hipocresía, dada su bien documentada aversión a los multimillonarios y magnates, el senador es abierto sobre sus finanzas. En 2019, publicó sus declaraciones de impuestos de 10 años, según CNN, admitiendo que «nuestra familia ha sido muy afortunada». El político también prometió que aún “seguirá luchando para que nuestro sistema tributario sea más progresivo para que nuestro país tenga los recursos para garantizar el Sueño Americano a todas las personas”.

Lo que no sabías de Ozzy Osbourne

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Ozzy Osbourne gritandoImágenes de Frazer Harrison/Getty
El siguiente artículo incluye menciones sobre la adicción a las drogas y el alcohol y la violencia doméstica.

John Michael Osbourne nació en 1948 en Birmingham, Inglaterra. Se negó a ser definido por su origen de clase trabajadora cuando, cuando era adolescente, el músico más conocido como Ozzy Osbourne se unió a algunos muchachos locales y formó una banda. Esa banda fue Black Sabbath, definiendo casi sin ayuda el sonido que llegó a conocerse como heavy metal gracias a temas como «Paranoid», «Iron Man» y «War Pigs».

A lo largo de la década de 1970, Osbourne se volvió legendario por sus excesos de estrella de rock, tanto que sus compañeros de banda finalmente lo despidieron. A medida que aumentaba su consumo de drogas y alcohol, logró lanzar una carrera en solitario en la década de 1980 que eclipsó su éxito en Black Sabbath, estableciéndose como el «Príncipe de las Tinieblas» con una serie de éxitos, incluidos «Crazy Train», « Flying High Again», «Mama, I’m Coming Home» y muchos más. En el camino, Osbourne también se convirtió en un pionero de los reality shows cuando él y su familia abrieron sus vidas para «The Osbournes», una serie que definió una era. eso solo hizo que el ahora sobrio rockero fuera más famoso de lo que ya era.

Inmediatamente reconocible por una carrera que se extiende desde la década de 1960, este ícono del rock de buena fe ha vivido a lo grande, a veces, un poco demasiado, durante décadas. Obtenga más información sobre este artista multifacético leyendo más para descubrir lo que no sabía sobre Ozzy Osbourne.

Si usted o alguien que conoce está luchando con problemas de adicción, hay ayuda disponible. Visita el Sitio web de la Administración de Servicios de Salud Mental y Abuso de Sustancias o comuníquese con la línea de ayuda nacional de SAMHSA al 1-800-662-HELP (4357).

Ozzy Osbourne interpretó a Gilbert y Sullivan en la escuela secundaria

Ozzy Osbourne con sombreroArchivos de Michael Ochs/imágenes falsas

Al crecer en la ciudad británica de Birmingham, Ozzy Osbourne recordó su complejo de inferioridad de toda la vida en una entrevista con GQ. Hablando con David Furnish (también conocido como el cónyuge de Sir Elton John), reveló que no fue hasta mucho después de su tiempo en la escuela que Osbourne descubrió que era disléxico. «Siempre siento que estoy en el lado oscuro de las vías. Siento que no soy bueno. no puedo leer No me puedo concentrar y puedo recordar f**k all», explicó. «No tengo fe en mi capacidad para juzgar las cosas. Todo lo que pienso que es bueno es malo, y todo lo que creo que es malo es bueno.»

Viniendo de la clase trabajadora, el dinero era escaso cuando era niño, y la higiene personal no se enfatizaba exactamente. Esto condujo a un incidente particularmente humillante, recordó, cuando el director de su escuela lo envió a casa porque «no estaba lo suficientemente limpio», admitiendo que «estaba muy avergonzado».

Si bien su desempeño en la escuela bordeaba lo abismal, hubo un área en la que logró brillar: la música. Como Osbourne le dijo a Furnish, participó en las actuaciones musicales de su escuela. «Estuve en dos cosas de ópera musical. Gilbert y Sullivan», reveló. «’El Mikado’ y el ‘HMS [Pinafore].’»

Habría sido un criminal si no hubiera sido un ‘inútil’ en eso.

El joven Ozzy Osbourne en blanco y negroMichael Putland/Getty Images
En su juventud, Ozzy Osbourne incursionó en delitos menores. Intenté un poco de robo, pero no era bueno en eso. F**king inútil», reveló en una entrevista con The Big Issue. Después de unas pocas semanas como ladrón, la futura estrella de la música fue arrestada. «Mi papá me dijo, eso fue muy estúpido. Y sí me sentí muy estúpido», admitió.

Elaborando para Louder Sound, Osbourne confesó que simplemente estaba tratando de «ser aceptado en la pandilla local», pero en cambio fue enviado a la cárcel; su padre se negó a pagar la multa que lo habría dejado en libertad. «Cuando salí me dijo: ‘Podría haber pagado la multa pero quería darte una lección’. Funcionó porque no quería volver allí de nuevo”, dijo Osbourne.

«Cuando estás en prisión se queda en tu puta memoria. Una maldita hora en uno de esos lugares es suficiente”, continuó el músico de Black Sabbath. A pesar de que solo estuvo tras las rejas durante «casi un mes», fue suficiente para que Osbourne se diera cuenta de que una vida delictiva no estaba en las cartas.

Ozzy Osbourne trabajó como aprendiz de plomero y afinador de bocinas de automóviles.

Ozzy Osbourne actuando con Black SabbathArchivos de Michael Ochs/imágenes falsas

Además de aspirante a criminal, las otras perspectivas laborales de Ozzy Osbourne incluían aprendiz de plomero. Como escribió en su autobiografía de 2010, «I Am Ozzy», el trabajo tenía una gran desventaja. «No me di cuenta de que los plomeros se rompen el culo en pleno invierno, cuando estallan todas las tuberías», escribió Osbournew, encontrándose «inclinado sobre las alcantarillas mientras mi trasero se congelaba».

Osbourne también probó suerte en otra vocación, escribió, como «un afinador de bocinas de autos entrenado». Según Osbourne, «mi trabajo consistía en recoger las bocinas de los coches a medida que avanzaban en una cinta transportadora» y ajustar cada una con un destornillador hasta que sonara en el tono adecuado, tocando un clicker cada vez que completaba una.

Admitir el trabajo lo hizo sentir «listo para asesinar a alguien», una vez decidió presionar el clicker dos veces por cada cuerno que había afinado, luego varias veces. Finalmente, lo llamaron a la oficina del supervisor y le preguntaron cómo había logrado sintonizar 500 bocinas de autos en 20 minutos. Culpó a un clicker defectuoso, mientras que sus jefes le dijeron que «no nacieron ayer y que lo único malo con el clicker era el idiota que lo manejaba». Ay.

Sí, realmente mordió las cabezas de algunas palomas vivas.

Ozzy Osbourne gritandoArchivo Hulton/imágenes falsas
En 1981, Ozzy Osbourne había dejado Black Sabbath y se había embarcado en una carrera en solitario cuando tomó una decisión repentina en medio de una reunión de negocios que ha seguido ocupando un lugar preponderante en su tradición. En la biografía de Black Sabbath, «Symptom of the Universe», tal como se extrae de Ultimate Classic Rock, el autor Mick Wall escribió que el mánager del rockero y posterior esposa, Sharon Arden, había hecho arreglos para que Osbourne pronunciara un «breve discurso» en la reunión anual de su sello discográfico. convención de ventas.

La «pieza de resistencia», escribió Wall, fue que Osbourne concluyera su discurso lanzando un trío de palomas blancas en el aire. Osbourne, sin embargo, estaba borracho y aburrido. «Solo recuerdo a esta mujer de relaciones públicas hablando y hablando conmigo. Al final, le dije: ‘¿Te gustan los animales?’ Luego saqué una de estas palomas y le mordí la maldita cabeza. Solo para callarla. Luego lo hice de nuevo con la siguiente paloma, escupiendo la cabeza sobre la mesa, y [the woman] cayó al suelo gritando. Fue entonces cuando me echaron», le dijo Osbourne a Wall. «Dijeron que nunca volvería a trabajar para CBS».

Pero el rockero en realidad no tenía la intención de arrancarle la cabeza a un murciélago vivo.

Los ojos de Ozzy Osbourne se abrieron de par en par en la década de 1980Ícono e imagen/imágenes Getty

Aún más infame que el incidente de la decapitación de la paloma fue cuando, en 1982, Ozzy Osbourne le arrancó la cabeza a un murciélago vivo durante un concierto en Des Moines, Idaho. Sin embargo, esa no había sido su intención. Como dijo Osbourne en el documental de A&E, «Las nueve vidas de Ozzy Osbourne» (vía theExpress), morder el murciélago «fue una especie de accidente, que ordeñé un poco».

Según Osbourne, alguien del público arrojó lo que supuso era un bate de goma al escenario. «Simplemente lo recogí y me lo metí en la boca. Simplemente lo mordí, ya sabes, siendo el maldito payaso que soy”, dijo. Inmediatamente después de masticar, se dio cuenta de que el bate no era de goma, pensando para sí mismo: «¡Oh, no, es real! ¡Es un murciélago vivo de verdad!»

Como resultado de su truco en el escenario, después del espectáculo, Osbourne se vio obligado a recibir dolorosas vacunas contra la rabia. «Lo único que hice fue salir y cometer el error de arrancarle la cabeza a un bate de un mordisco», declaró. «¡Y les digo qué chicos, no es divertido cuando les ponen vacunas contra la rabia!»

Una mutación genética es probablemente la razón por la que Ozzy Osbourne sigue vivo

Ozzy Osbourne saca la lengua en conciertoImágenes de Brian Rasic/Getty
Uno de los logros científicos más monumentales del siglo pasado ha sido el Proyecto Genoma Humano, un proyecto de 13 años que se esfuerza por «identificar todos los aproximadamente 20.500 genes en el ADN humano» y «determinar las secuencias de los 3.000 millones de pares de bases químicas que componen el ADN humano.»

Según Discover, uno de los primeros sujetos buscados por el proyecto fue Ozzy Osbourne. Como escribió Osbourne en una columna para el Sunday Times (a través de Scientific American), «Dadas las piscinas de alcohol que he bebido a lo largo de los años, sin mencionar toda la cocaína, morfina, pastillas para dormir, jarabe para la tos, LSD, Rohipnol … lo que sea, realmente no hay una razón médica plausible por la que todavía debería estar vivo. Tal vez mi ADN podría decir por qué.»

El investigador Nathanial Pearson secuenció los genes de Osbourne, informó ABC News, y reveló que el cantante tenía numerosas variantes genéticas que nunca antes habíamos visto. Además de una predisposición a la adicción, Osbourne también cuenta con algunas mutaciones genéticas en cuanto a cómo su cuerpo procesa el alcohol y las drogas. «Nos va a sobrevivir a todos», dijo la esposa del rockero, Sharon Osbourne. «Eso me fascinó, cómo su cuerpo puede soportar tanto».

Si usted o alguien que conoce está luchando con problemas de adicción, hay ayuda disponible. Visita el Sitio web de la Administración de Servicios de Salud Mental y Abuso de Sustancias o comuníquese con la línea de ayuda nacional de SAMHSA al 1-800-662-HELP (4357).

Odiaba hacer The Osbournes

La familia Osbourne en escenaImágenes de Vince Bucci/Getty

Cuando «The Osbournes» debutó en MTV en 2002, el programa de telerrealidad se convirtió en un éxito instantáneo y describía la vida hogareña lejos de lo normal de Ozzy Osbourne, su esposa/gerente Sharon Osbourne y sus hijos adolescentes Kelly y Jack. Si bien ya era un ícono para los cabezas de metal, el programa llevó a Ozzy a un nivel de fama convencional que aún no había experimentado, reforzando tanto su celebridad como su cuenta bancaria.

Mirando hacia atrás a «The Osbournes» en una entrevista con Metal Hammer, el exlíder de Black Sabbath admitió que la experiencia de hacer el programa fue devastadora. «Todo lo que puedo decirte es esto: número uno, si alguien te ofrece una gran cantidad de dinero para estar en la televisión, tendrías que ser una taza para rechazarlo», dijo. «Pensé que iba a ser pan comido, pero tenga un equipo de cámara viviendo en su casa durante tres años y vea cómo se siente al final. Te sientes como una maldita rata de laboratorio.»

Ser filmado constantemente llevó a Ozzy Osbourne a comenzar a «desmoronarse emocionalmente … porque no puedes relajarte. No importa adónde vayas a mear, estás paranoico porque hay una cámara ahí dentro.» Sin embargo, en última instancia, dijo que «no se avergüenza de eso y es un gran éxito».

Ozzy Osbourne reclutó a Robin Williams para convertirse en Patch Adams cuando su esposa Sharon tenía cáncer

Robin Williams actuandoLarry Marano/Getty Images
Uno de los momentos más oscuros en la vida de Ozzy Osbourne fue el diagnóstico de cáncer de colon de su esposa Sharon Osbourne en 2002. Como relató la familia en la primera edición de «The Osbournes Podcast» (a través de Page Six), Sharon se había desanimado y se negaba a reanudar la quimioterapia. Ozzy, que recientemente había visto a Robin Williams en «Patch Adams», se acercó al actor para ver si vendría y la ayudaría a levantar el ánimo.

Sharon recordó estar «medio dormida y un poco mareada» por su medicación cuando Williams apareció en su habitación, le dijo al National Enquirer. «No podía pensar en qué decir, así que dije: ‘¿Ozzy sabe que estás aquí?’ Entonces, Robin se metió en la cama conmigo y dijo: ‘¡Shhh! ¡No, no lo sabe y no se lo digas! Bueno, eso me hizo reír a carcajadas. Estaba en la cama con Robin Williams. Empecé a reírme histéricamente.»

Como dijo la hija de la pareja, Kelly Osbourne, en el podcast familiar, la visita de Williams los llevó «de llorar, sin saber qué hacer, a orinarnos de risa porque podíamos escuchar a mamá arriba en su habitación riéndose con Robin. Al día siguiente cambió todo y mamá volvió a la quimioterapia.»

Entre Black Sabbath y su carrera en solitario, dirigió un pub

pelo corto ozzy osbourneImágenes de Dave Hogan/Getty

Hubo un breve período entre su permanencia en Black Sabbath y el lanzamiento de su exitosa carrera en solitario en el que Ozzy Osbourne consideró abandonar por completo el negocio de la música. «Cuando me despidieron de Sabbath pensé: ‘Esto es todo. ¿Qué puedo hacer ahora? Compraré un bar. Eso duró alrededor de un mes”, dijo Osbourne en una entrevista con Classic Rock. Compró el lugar para su entonces esposa, Thelma Osbourne, quien «pidió [him] muy amable si [he] no me importaría quedarme en casa y dejar que otro dirija el pub.» Ozzy explicó: «La gente no entraba porque estaba enojado y me bebía las ganancias todos los días. Eso fue en Newport, Shropshire… Me dijeron que todavía llaman a ese lugar Ozzy’s. No sé si eso es cierto o no.»

Aparentemente lo fue. Como informó el Birmingham Mail, Ozzy Osbourne vendió el lugar después de dos años, aunque conservó el nombre original: Ozzy’s Wine Bar. Lamentablemente, el pub cerró en 2012 debido a una caída en el negocio. «Es bastante triste», dijo el titular de la licencia de Ozzy, Paul Quinn, al Shropshire Star. «Siempre hemos tenido un buen grupo de clientes habituales aquí, pero así es como va la industria en este momento».

Uno de sus compañeros de banda de Black Sabbath también fue su matón de la infancia.

Black Sabbath posando juntosArchivos de Michael Ochs/imágenes falsas
Cuando Ozzy Osbourne se unió por primera vez a los músicos que eventualmente harían historia musical como Black Sabbath, había algunas dinámicas interpersonales que debían superarse. Como explicó el bajista de Black Sabbath Geezer Butler en una entrevista con Metal Hammer, Osbourne y el guitarrista Tony Iommi tenían algo de historia.

“Ozzy había ido a la escuela con Tony, y se odiaban”, dijo Butler, revelando que “Tony lo había intimidado en la escuela”. Sin embargo, el propio Osbourne cuestionó esa caracterización. «La gente dice que solía pegarme», aclaró Osbourne. «Nunca lo hizo».

Aún así, quedó claro que había mala sangre entre los dos cuando Iommi apareció en la puerta de Osbourne, respondiendo a un anuncio que buscaba un guitarrista, e inmediatamente reconoció al cantante, explicando: «Y cuando llegó a la puerta, le dije a [Black Sabbath drummer] Factura [Ward]’Oh no, olvídalo, conozco a este tipo’». Sin embargo, Osbourne logró convencer a Iommi para que se quedara. «No tengo idea de lo que le dije a Tony afuera de mi casa esa noche para que cambiara. [his] mente y dame una oportunidad”, dijo Osbourne. «Creo que el hecho de que tuviera un sistema de megafonía probablemente ayudó».

Ozzy Osbourne una vez abordó desnudo a un ladrón de joyas

Ozzy Osbourne cantandoImágenes de Kevin Winter/ama2019/Getty

En 2004, Ozzy Osbourne y su familia dividían su tiempo entre su hogar en Los Ángeles y una lujosa mansión en Buckinghamshire, Inglaterra. Fue en su apartamento británico donde el cantante desnudo se despertó para hacer sus necesidades y se encontró con un ladrón en un pasamontañas en medio de un robo mientras su familia dormía.

«En el momento en que intenté atacar al agresor, actué puramente por impulso», dijo Osbourne a The Guardian sobre abordar al ladrón y sujetarlo con una llave de cabeza; el delincuente finalmente pudo zafarse de su captor desnudo y escapó saltando por una ventana. «En retrospectiva, podría haber sido mucho peor», admitió Osbourne. «Podría haber sido como George Harrison [who was stabbed by a thief in his own home]. Pude haber sido gravemente herida o disparada o cualquier cosa.»

Osbourne admitió que estaba «feliz en un aspecto», diciendo: «Porque podría haberse puesto muy feo y estoy feliz de que nadie resultó herido… Mi esposa y yo no resultamos heridos ni ninguno de los agresores». No quisiera que nadie saliera herido.» Sin embargo, cuando se le preguntó si respondería de manera similar si se encontrara con otro intruso, Osbourne bromeó: «¿El Papa es católico?»

Lo arrestaron por orinar en el Álamo

Ozzy Osbourne fumando en la década de 1980Ícono e imagen/imágenes Getty
El 19 de febrero de 1982 fue una fecha particularmente desfavorable en la vida de Ozzy Osbourne. Ese, recordó Loudwire, fue el día en que el cantante, tres sábanas al viento y vestido con uno de los vestidos de su esposa Sharon Osbourne (ella había escondido su ropa para evitar que saliera de su habitación de hotel y causara un caos de borrachos), necesitaba aliviar mientras estaba en San Antonio, Texas, y apuntó a la estatua más cercana que encontró.

Desafortunadamente, esa estatua en particular era el Cenotafio, situado frente al Álamo, que honra a aquellos que perdieron la vida en la batalla de 1836 que tuvo lugar en el Álamo. Ozzy no solo fue arrestado y encarcelado, sino que también se le prohibió actuar en San Antonio hasta 1992, cuando regresó con una disculpa y una donación de $10,000 a las Hijas de la República de Texas.

Años más tarde, Ozzy Osbourne fue entrevistado por Rolling Stone acerca de volver a visitar literalmente la escena del crimen para su serie HistoryChannel, «Ozzy & Jack’s World Detour». Durante su viaje de regreso, se le informó al rockero que técnicamente había sido arrestado por intoxicación pública, no por orinar. Cuando se le preguntó si se sentía mejor debido a esa distinción, respondió: «No me sentí diferente. Todavía me habían arrestado.»

No recuerda haber intentado asesinar a su esposa Sharon, pero ella sí.

Ozzy Osbourne y Sharon Osbourne en el eventoImágenes de Gareth Davies/Getty

En el documental de 2020, «Biografía: Las nueve vidas de Ozzy Osbourne» (a través de Us Weekly), Ozzy Osbourne recordó posiblemente el incidente más perturbador de su vida: el momento en que literalmente intentó asesinar a su esposa, Sharon Osbourne. «[It was] no es exactamente uno de mis mayores logros”, admitió.

Desde su perspectiva adicta a las drogas, el exlíder de Black Sabbath solo podía recordar despertarse sintiéndose «la más tranquila [he] había sentido alguna vez en [his] vida», antes de descubrir pronto que estaba en una celda de la cárcel, acusado de intento de asesinato. Como recordó Sharon, su esposo estaba en un estado tan alterado que no lo reconoció. “No tenía idea de quién estaba sentado frente a mí en el sofá, pero no era mi esposo … él solo dijo: ‘Hemos llegado a la decisión de que tienes que morir’. Estaba tranquilo, muy tranquilo, y de repente se abalanzó sobre mí y simplemente se lanzó sobre mí y comenzó a estrangularme”, dijo.

Un juez sentenció al rockero a seis meses de detención médica, mientras que Sharon le dio un ultimátum. «Si vuelves a hacer esto, o te voy a matar o me vas a matar a mí», le dijo. «¿Y quieres eso para los niños?»

Si usted o alguien que conoce está lidiando con abuso doméstico, puede llamar a la línea directa nacional de violencia doméstica al 1-800-799-7233. También puede encontrar más información, recursos y apoyo en su sitio web.

El patrimonio neto de Ozzy Osbourne es alucinante

Ozzy Osbourne sonriendoKevin Invierno/Getty Images
Ser una estrella de rock ha demostrado ser mucho más lucrativo para Ozzy Osbourne que sus anteriores vocaciones como afinador de bocinas y aprendiz de plomero. Según Celebrity Net Worth, a partir de 2021, valía la asombrosa cantidad de $ 220 millones. Además, la esposa Sharon Osbourne vale individualmente la misma cantidad, con una riqueza conjunta estimada en $ 440 millones.

Sus ingresos provienen de una variedad de fuentes, que incluyen regalías por composición de canciones, ventas de álbumes, giras, libros y series de televisión, pero Ozzy no siempre fue asquerosamente rico. En una entrevista de 2019, recordó haber estado en la ruina después de ser despedido de Black Sabbath y haber trabajado con Sharon, su manager y futura esposa, para establecerse como solista. «Cuando empezamos, puedo recordar que ambos estábamos en la ruina, no. tarjetas de crédito, nada”, dijo Ozzy. «Tendríamos todo el dinero del concierto en un maletín y tendríamos que alojarnos en estos hoteles realmente baratos, como hoteles de autopista. El maletín con dinero en efectivo estaba esposado a mi muñeca porque si nos estafaban, estábamos acabados. ¡Pero fue divertido, porque no teníamos nada que perder y mucho que ganar! Mendigábamos, pedíamos prestado y robábamos.»

Lo que no sabías de Mariah Carey

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Mariah carey sonriendoShutterstock
El siguiente artículo incluye menciones de problemas de salud mental y denuncias de abuso doméstico y abuso infantil.

Mariah Carey podría ser la estrella pop y cantante de R&B más popular, exitosa y famosa de todos los tiempos. Desde que debutó con la sensual y conmovedora «Vision of Love» en 1990, Carey ha dominado las listas de éxitos y la cultura pop, vendiendo más de 60 millones de álbumes, ayudando a introducir elementos de hip-hop en el pop convencional y tomando la friolera de 19 canciones. al No. 1, al momento de escribir este artículo, que incluyen «Someday», «Fantasy», «One Sweet Day», «Honey», «Emotions» y «We Belong Together». Lo hizo todo con un espíritu carismático y confiado y una voz positivamente de otro mundo. Pero bueno, esta autoproclamada diva es muchas cosas. De manera un tanto improbable, también resulta ser simultáneamente un símbolo sexual, un ícono de la moda, un elemento fijo de los tabloides y una parte indeleble de cómo millones de personas celebran la Navidad cada año.

Pero a pesar de todas las notas altas de la vida y la carrera de Carey, también ha habido algunas notas amargas. Aquí hay una mirada al ascenso, el éxito sostenido, la vida fabulosa y los fracasos fantásticos de Mimi, también conocida como Mariah Carey.

Mariah Carey tuvo una infancia menos que mágica

Mariah Carey posando en 1990Archivo de Frank Micelotta/imágenes falsas

La música fue parte de la vida de Mariah Carey desde el principio. Nacida en Nueva York en 1970, según AllMusic, los padres de Carey la bautizaron por (con un ligero cambio de ortografía) «They Call the Wind Maria», una melodía de espectáculo y estándar del musical occidental, «Paint Your Wagon», del cual el La versión cinematográfica llegó a los cines en 1969, según The New York Times. Mientras tanto, Carey faltaba a la escuela con tanta frecuencia, a veces para buscar oportunidades profesionales, que sus compañeros de clase la apodaron «Mirage». (Carey más tarde llamaría a su compañía Mirage Entertainment).

Pero entre recibir el nombre de una canción y comenzar su carrera como cantante, la infancia de Carey fue difícil y dolorosa. En una entrevista de 2020 con Oprah Winfrey (a través de ET), Carey afirmó que su hermano mayor, Morgan, era «extremadamente violento», que vivía con miedo a los ataques y que su hermana mayor, Allison, estaba «problemática y traumatizada». A la edad de 12 años, Carey escribió más tarde en sus memorias de 2020, «El significado de Mariah Carey», «Mi hermana me drogó con Valium, me ofreció una uña del meñique llena de cocaína, me infligió quemaduras de tercer grado y trató de vender yo a un proxeneta.»

Si usted o alguien que conoce está lidiando con abuso doméstico, puede llamar a la línea directa nacional de violencia doméstica al 1-800-799-7233. También puede encontrar más información, recursos y apoyo en su sitio web.

Si usted o alguien que conoce puede ser víctima de abuso infantil, comuníquese con Childhelp National Child Abuse Hotline al 1-800-4-A-Child (1-800-422-4453) o comuníquese con su servicios de chat en vivo.

Se casó con su jefe y se arrepintió.

Tommy Mottola y Mariah Carey sonriendoImágenes de Antony Jones/Getty
Como gerente musical, Tommy Mottola ayudó a impulsar las carreras de Hall and Oates, John Mellencamp y Carly Simon, según Biografía. A principios de la década de 1990, ascendió al puesto de jefe de Sony Music, donde lanzó la carrera de la talentosa cantante pop Mariah Carey, y la comercializó agresivamente, según ET. En 1993, tres años después de su exitosa carrera (a través de Us Weekly), Carey, de 23 años, se casó con Mottola, que entonces tenía 43. En sus memorias, «El significado de Mariah Carey», la cantante habló sobre su vacilación y pánico por el matrimonio. .

«Muchas personas razonables han cuestionado por qué me casé con Tommy. Pero ninguno de ellos cuestionó la decisión más que yo”, escribió. Las reservas de Carey se intensificaron el día de su boda, pero finalmente siguió adelante con el matrimonio porque «no vio salida». Aparentemente, sus temores estaban justificados, ya que Carey escribió que Mottola era tan controladora que era «inevitable», negándole el acceso a amigos y familiares. Y agregó: «No podía salir ni hacer nada con nadie. No podía moverme libremente en mi propia casa.» En un momento, dijo Carey, tenía una bolsa de viaje preparada en caso de que alguna vez sintiera la necesidad, o tuviera la oportunidad, de irse a toda prisa.

Mottola calificó previamente las acusaciones de abuso de Carey como «falsas» (a través de Cartelera). Pero el desgarrador matrimonio, escribió Carey, es lo que la llevó directamente a su romance con la estrella del béisbol Derek Jeter, a quien conoció en una cena a mediados de los 90. La aventura duró poco, pero Carey dijo que Jeter «fue el catalizador» para dejar Mottola.

Si usted o alguien que conoce está lidiando con abuso doméstico, puede llamar a la línea directa nacional de violencia doméstica al 1-800-799-7233. También puede encontrar más información, recursos y apoyo en su sitio web.

La voz de Mariah Carey es una rareza natural

Mariah Carey cantandoShutterstock

Cualquiera que haya escuchado cantar a Mariah Carey sabe que tiene un rango tremendo, capaz de ronronear desde notas bajas y sensuales hasta notas tan altas que suenan como un silbato o el grito de batalla de un ángel. La sabiduría convencional es que Carey puede cantar en cualquier lugar dentro de cinco octavas, uno de los rangos más grandes en la historia de la música, y si bien es un don natural, es raro, y también algo que tiene que mantener cuidadosamente.

Según una entrevista de 2017, Carey explicó que tiene crecimientos en sus cuerdas vocales llamados nódulos que, según Duke Health, son callos o bultos no cancerosos. Ejercen presión sobre las cuerdas que pueden manifestarse en una voz quebrada, una voz áspera o, en el caso de Carey, una capacidad de canto anormalmente oscilante. «Mis cuerdas, en realidad tengo nódulos en ellos, y los he tenido durante toda mi vida», dijo, y agregó: «He aprendido a cantar alrededor de ellos». Carey también señaló que su médico de voz en realidad «da conferencias» a otros médicos. sobre la condición única de su famoso paciente.

Para mantener sus cuerdas lo más sanas y frescas posible, Carey dijo que se enfoca en el «descanso vocal» y el «sueño», particularmente en lo segundo. «Tengo que dormir 15 horas para cantar como quiero», dijo Carey a la revista Interview (a través de CBS News). No solo eso, sino que descansa con «20 humidificadores alrededor de la cama», como le dijo a V Magazine (a través de Yahoo! Movies), lo que crea un efecto de «baño de vapor».

Este cantautor reinventó la canción navideña

Concierto de Navidad de Mariah CareyGilbert Carrasquillo/Getty Images
En 1994, Mariah Carey lanzó su primer álbum navideño, «Merry Christmas», que contenía el clásico navideño instantáneo, «All I Want for Christmas is You». Cualquiera que escuche la radio desde el Día de Acción de Gracias hasta el Día de Año Nuevo sabe que desde entonces se ha convertido en una de las pocas canciones grabadas después de la década de 1960 para convertirse en el pequeño canon tradicional de los eternos favoritos navideños junto con melodías de Perry Como y Bing. Crosby. En 2019, la canción alcanzó el número 1 en Billboard Hot 100 y nuevamente en 2020, cuando también fue el clásico navideño más reproducido en Spotify.

La canción ha perdurado en parte gracias al gran esfuerzo de su cantante y coautor. Según Los Angeles Times, Carey regularmente y con inteligencia renueva la atención por la melodía, como interpretarla con Jimmy Fallon y The Roots en instrumentos de juguete en «The Tonight Show», abordarla en «Carpool Karaoke» de James Corden, haciendo duetos con ambos. Justin Bieber y Michael Bublé, adaptándolo a un libro para niños y convirtiéndolo en la pieza central de un especial navideño de Apple TV+.

Mariah Carey: una aspirante a superestrella del grunge-rock

Lista de canciones y portada de Chick de Mariah CareyRegistros épicos/Twitter

Mariah Carey tuvo un gran año en 1995. Su quinto álbum de estudio, «Daydream», fue el cuarto álbum más vendido del año y generó tres éxitos No. 1: «Always Be My Baby», «One Sweet Day». ,» y «Fantasy», la última de las cuales se convirtió en la segunda canción en la historia en debutar en la cima del Billboard Hot 100. Otro álbum lanzado en 1995, quizás eclipsado por el monstruoso éxito de Carey: «Someone’s Ugly Daughter», de una banda llamado Chick. Una porción de rock alternativo de mediados de los 90 en la línea de Alanis Morissette o Courtney Love, las canciones incluían «Love is a Scam», «Violent», «Freak», «Agony» y una versión de «Surrender» de Cheap Trick.

El récord de Chick se olvidó por completo hasta 2020, cuando Carey tuiteó un extracto de sus memorias, «El significado de Mariah Carey», y admitió ser la voz y la fuerza creativa detrás de Chick. Hizo el disco secreto «solo para reír», pero agregó en Twitter que «me ayudó a superar algunos días oscuros». Arrojando más luz en su libro, Carey escribió: «Fue irreverente, crudo y urgente, y la banda se metió en eso. De hecho, empecé a amar algunas de las canciones. Me comprometería completamente con mi personaje.» Explicó: «Estaba jugando con el estilo de las cantantes blancas ventosas-grunge, punk-light que eran populares en ese momento. … Quería liberarme, soltarme y expresar mi miseria, pero también quería reír.»

No le gustan las mudanzas, las escaleras ni los zapatos planos.

Mariah Carey saludandoShutterstock
A lo largo de sus décadas de estrellato, Mariah Carey ha sido etiquetada como una diva, tanto en la definición tradicional de «excelente cantante con una voz digna de exhibir» como en la más moderna y burlona de «mujer difícil y exigente». Sin embargo, los que odian, a pesar de la animosidad subyacente, en realidad pueden tener razón sobre Carey en este sentido.

«Mariah lo tiene claro: cuando no quiere hacer algo, no lo hace», dijo el ex coreógrafo de Carey, Anthony Burrell, a Complex, señalando que la cantante no era muy «movedora». Según The Guardian en 2017, su espectáculo en el escenario involucró en gran medida a Carey acostada en una tumbona mientras los bailarines la cargaban. En el documental de televisión, «Mariah’s World», según BuzzFeed, Carey se aseguró de guardar su energía para acostarse, insistiendo en ser empujada en una silla de escritorio antes del espectáculo. También prefiere comer en reposo, bromeando una vez: «Si puedes acostarte, ¿por qué te sentarías?»

Carey también se niega a lidiar con los pasos. Según Page Six, los pasajeros de su concierto dijeron una vez que la estrella «no sube escaleras», y que los lugares tendrían que hacer arreglos para que Carey no tuviera que subir o bajar por ellos. Además, le dijo a The Telegraph que «odia el autobús». Y MTV informó que Carey absolutamente no puede y no usará zapatos que no sean de tacón alto. «No puedo usar zapatos planos. Mis pies los repelen”, dijo.

Mariah Carey hizo una extraña y fatídica aparición en TRL

Mariah Carey en TRLRay Tamarra/Getty Images

En julio de 2001, Mariah Carey hizo lo que haría cualquier artista importante de la época que promociona un nuevo sencillo: ir a «TRL» de MTV y charlar con el presentador Carson Daly. Durante la aparición sorpresa, sin embargo, Carey brindó dos minutos de televisión muy extraños.

Aparentemente, sin el conocimiento previo de Daly, Carey salió al escenario de «TRL» empujando un carrito de helados y vestido con una camiseta de «Loverboy». Desconcertando aún más a Daly, Carey dijo: «Te traje un regalo», y le entregó la camisa después de quitársela, revelando una camiseta sin mangas y pantalones cortos debajo. Carey pasó el resto del segmento revoloteando por el escenario y divagando sin aliento, y en un momento mencionó: «De vez en cuando, alguien necesita un poco de terapia, y hoy es ese momento para mí».

En las edades relativamente oscuras de 2001, el incidente se informó cuando Carey sufrió un «colapso» mental en la televisión en vivo. Según Billboard, la cantante fue puesta bajo atención psiquiátrica después de experimentar lo que su publicista llamó «un colapso emocional y físico» y un «agotamiento extremo». Carey luego le dijo a People que le habían diagnosticado trastorno bipolar. Sin embargo, la historia de Carey evolucionó con el tiempo. En 2020, dijo «Mira lo que sucede en vivo con Andy Cohen» (a través de Cartelera) que el momento «fue un truco que salió mal», y que «trajo un carrito de helados y tuvo un pequeño momento porque [she] estaba tratando desesperadamente de no permitir que una gran entidad corporativa y alguien con una agenda para destruir [her] carrera profesional.»

Si usted o alguien que conoce tiene problemas de salud mental, comuníquese con el Línea de texto de crisis enviando un mensaje de texto con HOME al 741741, llame al Alianza Nacional sobre Enfermedades Mentales línea de ayuda al 1-800-950-NAMI (6264), o visite el Sitio web del Instituto Nacional de Salud Mental.

El brillo no brillaba para Mariah Carey

Mariah Carey sonriente Evento GlitterEvan Agostini/imágenes falsas
Mariah Carey es fácilmente una de las músicas más exitosas de todos los tiempos. Todos sus primeros siete álbumes fueron multiplatino, una racha que terminó abruptamente con su octavo álbum, «Glitter», una banda sonora de la película que marcó su primer papel protagónico. La película de 2001, un melodrama ambientado en los años 80 sobre el tumultuoso ascenso de una superestrella del pop, fue un desastre. Los críticos la criticaron (tiene un 6 por ciento en Rotten Tomatoes), y fue nominada a seis premios Razzie, con Carey nombrada peor actriz. También fue una bomba de taquilla, ganando solo $ 5,2 millones en todo el mundo.

Carey no se culpa por el fracaso. «Estaba audicionando para papeles más pequeños y con ganas de hacer cosas más independientes. Pero todos decían: ‘No, ella es demasiado conocida’. Nos va a sacar de la película’», dijo Carey en un viaje de prensa de 2010 (a través de Espía digital). También cree que los ataques terroristas del 11 de septiembre tuvieron algo que ver con el tanque de «Glitter»: la banda sonora llegó a las tiendas ese día y la película se estrenó el 21 de septiembre. «¿Podría haber un día peor para que saliera esa película?» Carey preguntó retóricamente.

La cantante también cree que su exmarido, el director de Sony Music, Tommy Mottola, ayudó a hundir «Glitter». Como afirmó Carey en «El significado de Mariah Carey» (a través de Buitre), «Tommy y sus compinches llegaron al extremo de sacar artículos promocionales, como mis anuncios publicitarios, de las tiendas de discos».

A pesar de las bombas y las compras, el patrimonio neto de Mariah Carey es asombroso

Mariah carey sonriendoDia Dipasupil/Getty Images

El fracaso de «Glitter» puso seriamente patas arriba la carrera de Mariah Carey. La banda sonora de «Glitter» fue el primer álbum de la cantante que no obtuvo la certificación RIAA de al menos triple platino por ventas de tres millones de copias. El álbum eventualmente se convertiría en platino, moviendo un millón de unidades. Eso es un éxito rotundo para casi cualquiera que no sea Mariah Carey, particularmente Mariah Carey en 2001, quien necesitaba hacer grandes números con «Glitter». La banda sonora fue el primer lanzamiento de un contrato de cuatro álbumes y 80 millones de dólares que Carey firmó con Virgin Records a principios de 2001. Según Los Angeles Times, fue uno de los más lucrativos en la historia de la música hasta ese momento, y Virgin probablemente pensó que recuperaría su inversión (y algo más) en función del historial de ventas de éxitos de taquilla de Carey.

Sin embargo, la etiqueta decidió cortar y correr. Según The New York Times, las decepcionantes ventas de «Glitter» llevaron a Virgin a comprar el contrato de Carey. Ya había depositado $21 millones de la compañía, y la cláusula de escape obligó a Virgin a desembolsar otros $28 millones. Eso significa que Carey ganó $49 millones con un récord de fracaso.

Agregue eso a cómo Carey encabezó la lista pop de Billboard 19 veces, solo superada por los Beatles (con 20), y vendiendo 66.5 millones de álbumes en los EE. UU., según la RIAA, todo esto lo convierte en una estrella pop muy rica. Según Celebrity Net Worth, los activos de Carey valen alrededor de $ 320 millones.

Mariah Carey no es una gran estrella de cine

Mariah Carey en los Kids Choice AwardsShutterstock
«The House» llegó a los cines en 2017, con un elenco estelar que incluye a Will Ferrell, Amy Poehler y Jeremy Renner. No entre esos grandes nombres en la película sobre una pareja suburbana que convierte su casa en un casino ilegal para recaudar dinero para la matrícula universitaria de su hija: Mariah Carey. El miembro del reparto Rob Huebel le dijo a Entertainment Weekly Radio que Carey llegó al set «cuatro horas tarde» y tenía una serie de demandas, incluido un tráiler lleno de rosas blancas y corderos de peluche. Se suponía que Carey se interpretaría a sí misma y cantaría una canción. «Y ella dijo: ‘Chicos, no quiero cantar esa canción’», afirmó Huebel. Según los informes, también se opuso a un momento en el que muere cómicamente en una lluvia de disparos, y Huebel agregó: «Ella dijo: ‘No creo que mi personaje sea asesinado por balas. ¿Qué pasa si los desvío como Wonder Woman?’» Ninguna grabación de Carey llegó al corte final de «The House».

Esa no es la primera vez que Carey estuvo cerca de aparecer en una película importante. En el período previo a la filmación de la primera de muchas películas de «X-Men» a fines de la década de 1990, Carey, quien en ese momento solo había desempeñado un pequeño papel secundario (en la comedia romántica, «The Bachelor»), presionó mucho por un papel. «Encontraría a Mariah Carey sentada en mi oficina con ganas de ir a hablar con [director] bryan [Singer] sobre ser Storm o algo así”, dijo el guionista de “X-Men”, David Hayter, al Observer. Halle Berry consiguió el papel en su lugar.

Mariah Carey y Eminem han estado peleándose durante años

Mariah Carey en Mariah Carey/YouTube, Kevin Winter/Getty Images

Eminem y Mariah Carey, uno de los raperos más populares de su generación y una de las estrellas del pop más grandes de todos los tiempos, podrían haber sido una pareja poderosa para siempre… si ambos estuvieran de acuerdo en que alguna vez fueron una pareja, y si alguna vez dejaron de pelear entre ellos. Según InTouch, Eminem y Carey se conectaron en 2001 cuando este último le pidió al primero que contribuyera en su álbum, «Charmbracelet». Eminem afirmó que la relación se volvió personal durante unos meses, mientras que Carey insiste en que nunca fueron más que amigos en el trabajo. Los dos mantendrían sus posiciones durante la próxima década.

Incluso han llevado sus malos sentimientos a su arte. El video de 2009 de la canción de Carey titulada astutamente, Jilted lover, «Obsessed», comienza con la cantante preguntando retóricamente: «¿Por qué estás tan obsesionado conmigo?» y cuenta con un personaje (interpretado por Carey) que se ve y se viste muchísimo como Eminem. En un verso invitado en la canción de 2019 de Fat Joe y Dre, «Lord Above», Eminem rapea, «Sé que Mariah y yo no terminamos con una nota alta / Pero ese otro tipo fue azotado», y agrega que «trató de decir… Nick» (refiriéndose al ahora exmarido de Carey, Nick Cannon) que el cantante era «un loco».

Tuvo un embarazo muy largo y un parto dramático.

Mariah Carey y Nick Cannon con los mellizos Monroe y MoroccanImágenes de Amanda Edwards/Getty
El 30 de abril es un día que ocupa un lugar destacado en la vida de Mariah Carey. En esa fecha del 2008, se casó con el actor, músico y presentador de televisión Nick Cannon. Exactamente tres años después, Carey dio a luz a los hijos de la pareja, gemelos, según Reuters. De los nuevos bebés, uno era una niña, Monroe, nació primero, seguida poco después por su hermano, Moroccan, según AP (a través de Billboard).

Cannon y Carey llegaron al hospital a toda prisa, no debían dar a luz ese día, y el cantautor supuestamente estaba convencido de que los dolores de parto eran solo una falsa alarma. Sin embargo, tuvo tiempo de prepararse para la llegada de sus bebés, instaló unos parlantes en su hospital del área de Los Ángeles y se aseguró de que sonara la canción perfecta en el momento del nacimiento: «We Belong Together», la canción de 2005 No 1 golpe de… Mariah Carey. Cannon contó una historia diferente. En «The Gayle King Show» (vía NME), dijo que una versión en vivo de «Fantasy» de Carey sonó durante el parto. “Salieron con una ronda de aplausos”, agregó Cannon.

Tres meses después de convertirse en madre, Carey apareció en Home Shopping Network (a través de Correo diario), donde discutió un detalle de embarazo biológicamente cuestionable. “Tienes que mantener a esos gemelos el mayor tiempo posible, pero es un sacrificio que haces por ellos”, dijo Carey. «Tenía literalmente 47 semanas de embarazo». Según Time, el período estándar de gestación humana es de 40 semanas.

¿Jennifer López? Mariah Carey no la conoce

Mariah Carey sonriendo, Jennifer López mirando a la cámaraJamie Mccarthy, Kevin Mazur/Getty Images

Se podría argumentar que sin Mariah Carey no habría Jennifer López, ya que ambas ocupan un espacio similar en el mundo de la música y las celebridades: cantantes con un atractivo masivo que cruza géneros que también actúan un poco y compiten con reputaciones formidables. Si bien pocas personas podrían relacionarse entre sí y con sus vidas únicas mejor que Carey y López, no parecen ser amigos.

A principios de la década de 2000, Carey le dijo a un medio de comunicación en alemán lo que pensaba de otros cantantes pop. «Beyoncé es fabulosa», dijo Carey, pero cuando se le preguntó por López, Carey respondió irónicamente con una sonrisa fría: «No la conozco». En otras palabras, afirmó no estar familiarizada con la mega-famosa J.Lo. Comprensiblemente, ese poco de sombra del siguiente nivel se convirtió en un meme.

Según los informes, el aparente resentimiento de Carey hacia López no carece de mérito. Según el columnista de chismes Roger Friedman, López supuestamente robó partes de «Lovejoy» y «If We», dos canciones de Carey de la banda sonora de «Glitter», y las incorporó en dos versiones diferentes de su éxito, «I’m Real».

Las memorias de Mariah Carey llevaron a un gran drama familiar

gafas de sol mariah careyShutterstock
En 2020, Mariah Carey publicó sus muy reveladoras memorias, «El significado de Mariah Carey». Pero fue demasiado abierto para algunas de las personas discutidas en el libro, porque en marzo de 2021, según Personas, el hermano del cantante y autor, Morgan Carey, presentó una demanda por difamación. Alegó que el pasaje de Mariah en una pelea entre él y su padre, que supuestamente involucró a 12 policías para disolverla, lo describió como «igualmente violento que» el ahora fallecido Alfred Carey. La estrella del pop respondió a la demanda presentando documentos judiciales defendiendo su libro y citando su valor como servicio público.

«La historia del ascenso de la Sra. Carey de un entorno familiar disfuncional y, a veces, violento tiene un valor público significativo, en particular para cualquier joven que pueda encontrarse atrapado en circunstancias igualmente duras y desalentadoras y que pueda beneficiarse de la inspiración para emplear sus talentos. en la búsqueda de sus sueños”, decía su declaración. Sin embargo, Morgan contrarrestó el documento de su famosa hermana con una declaración jurada desagradable. «Esto viene de alguien cuyo comportamiento público incluye exaltar su consumo excesivo de alcohol y acuñar el término ahora popular ‘splash’, así como otros comportamientos que sería de mal gusto mencionar aquí», escribió.

La hermana de Mariah Carey, Alison, también presentó una demanda en 2021 por «El significado de Mariah Carey». Según ET, Alison Carey afirmó haber sufrido angustia emocional por las acusaciones mencionadas anteriormente hechas por la cantante de pop. Al momento de escribir este artículo, ambos casos siguen en curso.

Si usted o alguien que conoce está lidiando con abuso doméstico, puede llamar a la línea directa nacional de violencia doméstica al 1-800-799-7233. También puede encontrar más información, recursos y apoyo en su sitio web.

Estrellas de Punky Brewster que no sabías murieron

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Punky Brewster sonriendoEntretenimiento esta noche/YouTube

Desde que la primera oferta cómica, «Mary Kay y Johnny», llegó a la pantalla chica en 1947, las familias eran totalmente nucleares, con mamá, papá, dos niños y alguna que otra mascota en la alineación. Con el tiempo, los showrunners modificaron la premisa, introduciendo elementos como la tutela («Family Affair»), parejas interraciales («The Jeffersons»), padres viudos («Julia», «The Brady Bunch»), divorcio («One Day at A Time») y la adopción mestiza («Diff’rent Strokes»). Luego vino «Punky Brewster» en 1984, que introdujo algunas premisas más agridulces que involucran al niño titular abandonado y sin hogar (Soleil Moon Frye) que encuentra refugio en una suite de apartamento vacante hasta que Henry Warnimont, el cuidador gruñón del edificio (George Gaynes), salta a través una irritante serie de aros para adoptarla. Técnicamente, la unidad doméstica se limitaba a Punky y Henry, aunque varias personas en el complejo, incluida una enfermera anciana (Susie Garrett) y los compañeros de escuela, en esencia, se convirtieron en la familia del joven.

Mientras hacía malabarismos con vibraciones conmovedoras y completamente tristes, «Punky Brewster» solo duró dos temporadas en NBC, aunque una audiencia rabiosa y dedicada justificó otra extensión de dos años a través de la sindicación, incluso generando una versión animada del programa. En 2021, el servicio de transmisión de NBC, Peacock, volvió a visitar «Punky Brewster», con Frye interpretando al personaje como una madre soltera. Desafortunadamente, el programa fue cancelado después de solo una temporada. Lamentablemente, muchas de las personas que componían gran parte del elenco de la serie original, así como algunos invitados memorables, no estaban presentes para la actualización de la comedia de situación. He aquí un vistazo a algunos de ellos.

Frank Bonner (1942-2021)

Frank Bonner radianteBoletín Mundial/YouTube

En un episodio de «Punky Brewster», Frank Bonner interpretó a Cheapo Chester, quien le vendió un refrigerador a Henry. No fue un papel que Bonner dedicó horas a perfeccionar, no solo porque su aparición fue breve, sino que también reforzó un estereotipo con el que estaba muy familiarizado. Y los fanáticos que vieron ese cameo podrían haber hecho clic en que el actor tenía un papel más destacado en otro lugar como el sórdido vendedor de publicidad Herb Tarlek en la comedia de situación de finales de los 70 «WKRP In Cincinnati». En el programa, Tarlek era estrictamente de la vieja escuela, empujando los límites de la ética mientras manejaba y negociaba y coqueteaba constantemente con la recepcionista Jennifer Marlowe. Pero según Loni Anderson, quien interpretó a Marlowe, Bonner no se parecía en nada a su personaje. En una declaración, según Los New York Times, recordó que él era «uno de los hombres más divertidos con los que tuve el placer de trabajar» y fue «el hombre más amable que he conocido».

A Bonner le encantó interpretar al personaje, siempre visto con el atuendo más vulgar, desde trajes a cuadros hasta zapatos blancos. Incluso regresó para reiniciar el programa más de una década después. Pero lo que realmente disfrutó el actor fue dirigir, tarea que realizó en seis episodios de «WKRP». Más tarde aplicaría esos talentos a programas como «Family Ties» y «¿Quién es el jefe?» e incluso estuvo a ambos lados de la cámara en «Just the 10 of Us» y «Saved by the Bell: The New Class». Bonner murió por complicaciones de la demencia con cuerpos de Lewy a los 79 años.

Susie Garret (1929-2002)

Susie Garrett molestoPavo real/YouTube

A lo largo de toda la carrera de «Punky Brewster», el personaje principal literalmente tenía un edificio completo de inquilinos cuidándola, y Susie Garrett resultó ser uno de ellos. Como la enfermera registrada Betty Johnson, Garrett terminó como un modelo a seguir de abuela sensata para el joven Punky, a menudo repartiendo perlas de sabiduría que su padre adoptivo, Henry, estaba desesperado por proporcionar. Garrett tenía mucha práctica, durante años tuvo que presionar a Henry para que mejorara el complejo de apartamentos en el que vivía. No tener un portafolio en pantalla no fue un obstáculo para Garrett, cuya participación de cuatro temporadas en «Punky Brewster» fue su primer trabajo en televisión paga. En un momento durante su primer año, logró conseguir dos apariciones en «The Jeffersons», como hermana de la criada de lengua agria Florence Johnson, interpretada por su hermana en la vida real, Marla Gibbs.

La nativa de Detroit se destetó más en la música que en la actuación mientras crecía, cortándose los dientes como cantante de jazz durante gran parte de su vida adulta antes de gravitar hacia el teatro musical, un oficio que también enseñó antes de ser atraída a la pantalla chica. Después de que «Punky Brewster» dejara las ondas de radio en 1988, consiguió un cameo en la comedia «227» y consiguió un papel en la película «Wicked Stepmother», protagonizada por Bette Davis en el papel principal. Eventualmente, ella y Gibbs se unieron en Los Ángeles, donde comenzaron la Academia de Artes Crossroads. Garrett murió de cáncer a los 72 años, poco antes de que su interpretación de la activista por los derechos de las mujeres Sojourner Truth saliera al aire en PBS.

Jorge Gaynes (1917-2016)

George Gaynes gesticulandoRecordando a personajes famosos/YouTube

La cultura del arte ha demostrado durante mucho tiempo cuán irresistibles pueden ser los cascarrabias una vez que alguien es capaz de derribar esos muros emocionales, desde Ebenezer Scrooge y Lou Grant hasta el cantinero de «Los Simpson», Moe Szyslak, y Henry Warnimont de «Punky Brewster», hábilmente interpretado por George Gaynes. Durante los cuatro años que «Punky Brewster» estuvo al aire, los fanáticos apreciaron la venganza que recibieron en el comportamiento cambiante de Warnimont una vez que se enamoró de los encantos de un niño abandonado que descubrió en el edificio que mantenía. Sin duda, estaba muy lejos de su otra interpretación igualmente famosa del comandante más autoritario Eric Lassard, incapaz de atrapar a una manada de novatos excéntricos a lo largo de las siete películas que componían la franquicia de comedia «Loca academia de policía».

Durante años, Gaynes fue un actor de referencia para papeles secundarios, como el de senador en la película favorita de la crítica de 1997 «Wag the Dog» y el de una sórdida estrella de telenovelas en la película de 1982 «Tootsie». Gaines incluso disfrutó de papeles recurrentes en telenovelas reales, desde «General Hospital» hasta «Search for Tomorrow», junto con decenas de comedias y dramas en horario de máxima audiencia. La versatilidad y el civismo de Gaynes mientras trabajaba en cualquier proyecto que requiriera sus servicios contribuyeron a su longevidad, según su antiguo agente Jonathan Howard. «Era realmente uno de los verdaderos caballeros en este negocio y estuvo trabajando de manera constante durante 50 años o más», dijo Howard a The Hollywood Reporter. «Una pérdida triste, triste. Pero tuvo una vida realmente larga y grandiosa». Gaynes murió por causas naturales a los 98 años.

Alicia Ghostley (1923-2007)

Alice Ghostley melancólicaRecordando a personajes famosos/YouTube

Alice Ghostley hizo una aparición en «Punky Brewster», aunque fue una pequeña en la que el personaje principal comenzó una columna de chismes para el periódico de su escuela. Lástima que Ghostly no obtuvo más perfil en el episodio, dada su capacidad para crear un personaje que podría ser tímido y recatado en un momento, y atolondrado y verboso al siguiente. Esa capacidad de transportar a la pantalla una versión animada de lo que estaba en el guión la convirtió en una de las favoritas entre los productores, quienes la seleccionaron para una amplia gama de representaciones en casi 100 películas y proyectos de televisión. Uno de ellos, un papel recurrente como la lujuriosa y despreocupada viuda Bernice Clifton en «Designing Women», le valió una nominación a actriz de reparto en los Primetime Emmys de 1992.

Si bien era una habitual en el circuito de teatro en vivo de la televisión a principios de los años 50, Ghostley fue más prolífica en Broadway, protagonizando producciones como «A Thurber Carnival» y «Trouble In Tahiti» de Leonard Bernstein. Si bien prendió fuego al escenario con sus habilidades para el canto y la comedia, en realidad fue un drama, «The Sign in Sidney Brustein’s Window», que le valió un premio Tony a la actriz de reparto en 1965. Cuando ganó ese título, ya estaba inclinándose más hacia la televisión, donde se volvió familiar para el público general en «Embrujada», interpretando a una prima desconcertada que lanza hechizos llamada Esmeralda. En la pantalla grande, se hizo aún más prominente con papeles secundarios en «The Graduate» y «To Kill A Mockingbird». Ghostley murió de cáncer de colon a los 81 años.

Andy Gibb (1958-1988)

Andy Gibb sonriendoVicki L. Miller/Shutterstock

La estrella pop australiana Andy Gibb se sentó en un episodio de 1985 de «Punky Brewster», e incluso le dio una serenata a la estrella del programa, Soleil Moon Frye, en un piano tocando una de sus canciones, «I Can’t Help It». Resultó ser la última ocasión en que aparecería en una comedia de situación. En ese momento, no tenía una gran demanda para la pantalla chica, ya que realizó un cameo en «227» dos años antes y una breve temporada en una revista de Showtime de 1982, «Something’s Afoot». Gran parte de esto tuvo que ver con la carrera en picado del cantante que se incendió por primera vez en los años 70 con su primer gran éxito, «I Just Wanna Be Your Everything». Cuando Gibb alcanzó el éxito por primera vez, fue pisándole los talones y a la sombra de sus hermanos mayores Barry, Robert y Maurice, quienes formaron el núcleo de The Bee-Gees, que dominó la década con éxitos como «Jive Talkin'». y «Stayin’ Alive», esta última entre las muchas canciones populares que contribuyeron al monstruo de la película de taquilla «Fiebre del sábado por la noche».

A diferencia de los Bee-Gees más experimentados, que habían sobrevivido a los flujos y reflujos desde que irrumpieron en la escena durante los años 60 desde Down Under, la fama aún era un territorio nuevo para Gibb, quien rápidamente mostró signos de no poder manejar el éxito. Pronto desarrolló una adicción a la cocaína, lo que hizo que se separara de su novia Victoria Principal (de la fama de «Dallas»), y en los años 80, según los informes, tenía una deuda de un millón de dólares. Murió de un virus inflamatorio del corazón a los 30.

Dody Goodman (1914-2008)

Dody Goodman inclinadoGiarc Eldden/YouTube

Un papel que parecía fuera de lugar para Dody Goodman fue el de la maestra de escuela de Punky Brewster, la Sra. Morton. Elegir a alguien con una voz como «un pájaro de dibujos animados de Tweetie Pie estrangulándose con mantequilla de maní» (según The New York Times) como una figura de autoridad educativa podría haber sido un desastre, pero Goodman tuvo el valor para hacerlo funcionar lo suficientemente bien como para que se lo pidieran. de vuelta para tres episodios más. Después de todo, Goodman ya se había ganado su galardón interpretando a la obstinada hermana del Sr. Drummond en un papel recurrente en «Diff’rent Strokes» unos años antes. Lo mismo ocurre con posiblemente su papel más famoso como Martha Shumway, quien durante 325 episodios interpretó a la madre de la actriz Louise Lasser en la parodia de la telenovela «Mary Hartman, Mary Hartman», e incluso contribuyó con sus extravagantes amígdalas agudas al tema del título de apertura.

Por extraño que parezca, la primera incursión televisiva de Goodman fue en una telenovela real, «Search for Tomorrow», aunque fue su voz la que la llevó a Broadway durante los años 50, cuando la promocionaban como Dolores Goodman. Su personalidad burbujeante e idiosincrásica ganó adeptos entre los patrocinadores del teatro, e incluso atrajo al presentador de «Tonight Show», Jack Parr, quien la invitaba con frecuencia al programa; una de esas apariciones resultó en que Goodman obtuviera una nominación al Emmy. En años posteriores, Goodman hizo cameos en programas como «Crazy Like A Fox», «Murder She Wrote» y «Boston Common», e incluso le dio un buen uso a esa laringe reveladora al expresar la serie animada de los años 80 «Alvin and the Chipmunks». Goodman murió por causas naturales a los 93 años.

Maravilloso Marvin Hagler (1954-2021)

Maravilloso Marvin Hagler posandoSimón Hofmann/Getty Images

Punky Brewster no solo era conocida por su encanto, sino que también podía hacer frente a una gran cantidad de adversidades, que fue donde el gran boxeador Marvelous Marvin Hagler entró en escena en un episodio de la segunda temporada. Todo comenzó cuando un compañero de escuela llamado Moose les roba almuerzos a los amigos de Punky hasta que ella se enfrenta al delincuente. Desafortunadamente, las cosas no van bien para Punky, quien es golpeado por Moose en el baño. Entra Hagler, un amigo del maestro de cuarto grado de Punky, que intenta enseñarle los conceptos básicos de defensa personal al joven, que resulta ser todo menos un luchador físico. Sin embargo, no todo está perdido cuando la mejor amiga de Punky, Cherie, idea un plan para diezmar a Moose de una vez por todas.

Hagler ciertamente demostró su amor por los niños, pero contra los pugilistas profesionales, fue formidable. A lo largo de su carrera, que lo vio ganar 62 peleas, incluidas 52 por nocaut, Hagler poseía un enfoque singular de aplastar a los oponentes en la lona. “Si me abren la cabeza calva, encontrarán un gran guante de boxeo”, dijo Hagler, según ESPN. “Eso es todo lo que soy. Lo vivo.» Sorprendentemente, su carrera terminó en 1988 cuando perdió ante Sugar Ray Leonard en una decisión dividida muy disputada, en la que los expertos creían que Hagler realmente ganó. Enojado por el resultado, inmediatamente dejó el boxeo y se embarcó en una carrera como actor en Italia, donde protagonizó películas de acción como «Indio» y «Virtual Weapon». Murió inesperadamente a los 66 años por causas que nunca se hicieron públicas.

Allyn Ann McLerie (1926-2018)

Allyn Ann McLerie bailandoCine español/YouTube

Allyn Ann McLerie apareció en tres episodios de «Punky Brewster», comenzando con su interpretación de una fiscal estatal que se opone a la custodia de Punky a Henry Warnimont. Pero fue en episodios consecutivos de la temporada siguiente cuando McLerie realmente impresionó a la audiencia de la comedia de situación. En esa película de dos partes, McLerie interpretó a Maggie, el interés amoroso de Henry desde hace mucho tiempo hasta que perdieron el contacto debido al ataque de Pearl Harbor en 1941. Pero cuando ella aparece por primera vez desde la guerra, Henry planea casarse con ella. Todo son buenas noticias para Punky, hasta que se escapa después de descubrir que esas nupcias la llevarían a asistir a un internado en Europa. Elegir a McLerie como Maggie no pareció ser un accidente, ya que ella y George Gaynes (quien interpretó a Henry) habían estado casados ​​en la vida real desde 1953.

McLerie no solo se inició en la actuación, sino que también saltó a la fama varias veces en la pantalla grande como bailarina con habilidades impecables, como la habilidad de patear un sombrero de vaquero a un cliente sin pretensiones en la película «Calamity Jane». » Era igualmente hábil en la actuación, actuando en la película de maratón de baile » They Shoot Horses, Don’t They?» e interpretando a la madre de Jennifer Grey en «Dirty Dancing». Más tarde consiguió un papel recurrente en la serie «The Days and Nights of Molly Dodd», seguido de un cameo en la última película de «Police Academy», en la que también aparecía su marido. McLerie murió de Alzheimer a los 91 años.

Al Molinaro (1919-2015)

Al Molinaro de pieCine español/YouTube

Los aspectos más destacados de la carrera de Al Molinaro se tambalean fuertemente hacia la amabilidad y, con ese fin, ha interpretado algunos de los personajes más adorables de la pantalla chica. Cuando los agentes de reparto debatían sobre quién interpretaría a Santa Claus en un episodio de «Punky Brewster», todas las apuestas se cancelaron una vez que apareció el nombre de Molinaro. Desafortunadamente, St. Nick se convirtió en una nota a pie de página de un problema mayor cuando Punky decidió impulsivamente robar un regalo de Navidad para George, lo que en el proceso puso a un amigo inocente tras las rejas. Ese cameo también resultó ser una de las últimas apariciones de Molinaro en la televisión. Afortunadamente, causó una impresión mucho mayor en el público una década antes, como el restaurador Al Delvecchio, quien se hace cargo del autocine de Arnold en «Happy Days», asegurándose de que Fonzie y la pandilla se harten de hamburguesas y papas fritas.

Resultó ser el concierto más estable de Molinaro y uno que defendió con frecuencia. «En la industria, solían considerarnos como un espectáculo de chicle», dijo durante un especial de reunión en 1992, según The Guardian. «Pero creo que pasaron por alto una cosa. Para el público estadounidense, ‘Happy Days’ fue un espectáculo importante». La prolífica etapa anterior de Molinaro fue interpretar al tonto oficial Murray Greshler en la primera adaptación televisiva de la película de Neil Simon «The Odd Couple», aunque logró un itinerario constante de apariciones en programas como «The Love Boat» y «Fantasy Island», incluso haciendo un cameo en un video de Weezer. Molinaro murió por complicaciones de una infección de la vesícula biliar a los 96 años.

Jack Riley (1935-2016)

Jack Riley radianteImágenes de Frederick M. Brown/Getty

Los actores neuróticos rara vez se vuelven tan locos como Jack Riley, quien tuvo que cambiar un poco su personalidad para interpretar al director de cine Daryl Snipes filmando un comercial de comida para perros en un episodio de «Punky Brewster». Pero obtuvo más de un puñado de interferencias de Punky, quien ofreció a su perro Brandon como la atracción principal del anuncio, a pesar de que el canino apenas estaba entrenado para tal tarea. Por supuesto, Riley asumió papeles mucho más arcanos, pero nada superó a su personaje más conocido, Elliot Carlin, un paciente psiquiátrico regular cuyas fobias van desde los caracoles hasta los productos agrícolas en la comedia de situación de los años 70 «The Bob Newhart Show». La interpretación fue tan bien recibida que Riley volvería a traer a Carlin años más tarde como cameos en la comedia «ALF» y el drama hospitalario «St. Elsewhere».

También estuvo entre los actores favoritos del director Mel Brooks para interpretar extravagantes papeles secundarios en películas que incluyeron «High Anxiety», «History of the World: Part I», «Silent Movie» y «Spaceballs», mientras que los niños pueden haber reconocido su trabajo de doblaje como el genio atolondrado Stu Pickles en salidas animadas de Nickelodeon como «Rugrats» y «All Grown Up!» Pero su clave para conectarse con el público fue con una ejecución inexpresiva que emitía un ingenio torpe que indicaba que había más acecho debajo de su personaje de lo que parecía, un estilo que encajaba bien con sus apariciones únicas en programas que incluían «Seinfeld», » That ’70s Show», «Family Matters» y «Night Court». Riley murió de neumonía a los 80 años.

Mesac Taylor (1947-2014)

Meshach Taylor radianteKathy Hutchins/Shutterstock

Como el repartidor Anthony Bouvier, Meshach Taylor se convirtió en el complemento cómico de cuatro chicas emprendedoras sureñas en «Designing Women», un tira y afloja que al menos le valió una nominación al Emmy en 1989. Podría haber sido profético que Taylor obtuviera un premio similar. papel en «Punky Brewster» unos años antes, pero la realidad es que el actor había estado dando vueltas por Hollywood durante varios años, obteniendo varios papeles de actor secundario antes de que su carrera saltara un poco. Como la mayoría de los actores cuyas vidas pendían de la esperanza de una audición al principio, comenzó lentamente, interpretando a un asistente de estacionamiento en «Barnaby Jones», un popurrí de pequeños papeles en tres episodios de «Lou Grant», y un ordenanza durante la última temporada de «M*A*S*H».

Con el tiempo, los papeles se hicieron más grandes y Taylor comenzó a llamar la atención, primero como el colorido escaparatista Hollywood Montrose en la comedia cinematográfica «Mannequin», luego como otro complemento del excéntrico actor Dabney Coleman en «Buffalo Bill». También consiguió un trabajo estable como maestro y director de la comedia de situación de Nickelodeon «Ned’s Declassified School Survival Guide». Incluso cuando Taylor comenzó a mostrar signos de enfermedad, continuó trabajando, apareciendo en dos episodios de «Criminal Minds», su último proyecto antes de morir de cáncer a los 67 años. «Dijo que se estaba preparando para hacer su transición», dijo. La coprotagonista de «Designing Women», Jackée Harry, en «Entertainment Tonight» poco después de su muerte. «Él dijo ‘Estoy de paso, bebé'».

María Wickes (1910-1995)

Mary Wickes como monjaCine español/YouTube

Reconocida durante mucho tiempo como una de las actrices más ocupadas de Hollywood, Mary Wickes actuó en innumerables dramas y comedias de situación en horario estelar, incluida una monja en una de las dos apariciones que hizo en «Punky Brewster». La representación más eclesiástica de la comedia de situación puede haber sembrado la semilla de algo un poco más grande, ya que Wickes terminó unos años más tarde interpretando a una monja una vez más, esta vez con un papel más importante junto a Whoopi Goldberg en la película de comedia «Sister Act» y su secuela. Pero esas anécdotas de su carrera ni siquiera penetran la portada de un portafolio que ha seguido el ritmo del mundo del entretenimiento durante décadas.

Su primera línea de trabajo se remonta a 1934, cuando protagonizó un cortometraje llamado «Art Trouble». Desde el principio, se destacó de otras actrices más gentiles, gracias a lo que UPI llamó una «entrega rápida y contundente» que la hizo interpretar representaciones más duras en clásicos tempranos como «The Man Who Came To Dinner» y «Now, Voyager, ambos con la igualmente dura Bette Davis. Entre períodos de filmación, subió al escenario de Broadway en casi 30 producciones, hasta 1979, cuando apareció en una nueva versión de «Oklahoma!» Saltó a la televisión, apareciendo en varias producciones desde «Zorro» hasta «Highway To Heaven». En años posteriores, posó como modelo en vivo para la masoquista Cruella DeVil en la película animada «101 dálmatas» e incluso prestó su voz a una gárgola en «El jorobado de Notre Dame». Wickes murió a los 79 años por complicaciones de la cirugía.

Estrellas de los jóvenes y los inquietos que no sabías murieron

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Kristoff St. John en trajeImágenes de Gabe Ginsberg/Getty

Cuando llegó la década de 1970 después de la década anterior, Estados Unidos presentaba cicatrices sociales infligidas por los asesinatos políticos, la guerra de Vietnam y un movimiento floreciente tambaleante. La cultura pop se apresuró a incorporar esa turbulencia en las películas, la música y la televisión. Las telenovelas, sin embargo, continuaron ofreciendo una tarifa romántica más escapista que el escritor de «Days of Our Lives» William Bell quería replicar con una nueva sudser, «The Innocent Years». Eso fue hasta que él y su personal se cuestionaron a sí mismos. «Algo terriblemente obvio se nos ocurrió que en 1972 no había más años inocentes», dijo Bell a la Fundación de la Academia de Televisión. Su cambio de rumbo resultó en «The Young and the Restless», de mayor actualidad, que se lanzó en 1973 y comenzó a abordar temas oportunos desde el adulterio hasta la adicción, una fórmula que aún genera sus provocativas historias casi 50 años después de su lanzamiento.

Haciendo una crónica de lo que sucede en Genoa City, Wisconsin, «Y&R» aún se mantiene actualizado, habiendo introducido elementos de las relaciones interraciales a la conciencia LGBTQ+. A lo largo de los años, el programa también ha cambiado la premisa original de la disputa familiar de involucrar a los opulentos Brooks y los Fosters a la acalorada rivalidad actual entre los poderosos clanes Abbott y Newman. No es sorprendente que el elenco también haya cambiado con el tiempo, con actores y personajes que se retiran o agotan sus arcos narrativos para ser reemplazados por jugadores más jóvenes con historias más frescas para compartir. Lamentablemente, algunos de los que se fueron, desde jugadores constantes hasta celebridades, también se fueron de esta tierra, dejando atrás algunos buenos recuerdos para los fanáticos leales.

Gary Collins (1938-2012)

Gary Collins sonríeImágenes de David Livingston/Getty

Gary Collins podría afirmar que abarcó toda la gama de representaciones interpretativas al interpretar a Harry Curtis en dos episodios de «The Young and the Restless» en el año 2000. Podría decirse que su breve presencia no fue fundamental, ya que tuvo poco efecto en las humeantes tramas secundarias. filtrándose a lo largo de la serie. Pero, de nuevo, pocos actores podrían agregar tanto al actor de telenovelas como al presentador de programas de entrevistas a la ecléctica variedad de representaciones en su cartera. Su victoria en el Emmy y otras nominaciones provinieron de su mandato de nueve años detrás del escritorio de «Hour Magazine», un programa de variedades y entrevistas diurnas de la tarde de los años 80 que Collins vio como una «alternativa a los programas sensacionalistas agresivos y de confrontación». en el momento.

Demostró sus otras habilidades, particularmente en la actuación, que anteriormente se manifestaron en programas de los años 60 como la comedia de guerra «The Wackiest Ship in the Navy» y el efímero western «Iron Horse», ambos con él como actor secundario. En los años 70, sus papeles se volvieron aún más diversos, desde interpretar al conservacionista de la vida real George Adamson en «Born Free» hasta a un psicólogo paranormal en «The Sixth Sense». Sin embargo, encontró tiempo una vez al año para presentar el concurso de Miss América de 1982 a 1990. Curiosamente, su esposa era Mary Ann Mobley, quien ganó ese título en 1959. Y aunque había aparecido en varios programas de horario estelar, después de «Hour Magazine», Collins terminó interpretándose a sí mismo en «Friends» hasta «General Hospital». Collins murió a los 74 años por causas naturales.

Juana Cooper (1928-2013)

Jeanne Cooper pensativaKathy Hutchins/Shutterstock

Como la mayoría de las telenovelas, «The Young and the Restless» tuvo más que su parte de traiciones y engaños, pero cualquiera que se cruzó con la formidable Katherine Chancellor, interpretada por Jeanne Cooper, rara vez salió ileso. Katherine Chancellor era una adúltera y alcohólica que heredó la propiedad de Chancellor Industries cuando murió su esposo. Pasó gran parte de su tiempo protegiendo la fortuna familiar de aquellos que buscaban reclamarla, incluida Jill Foster, su manicurista que de alguna manera ascendió en la jerarquía de la lista A de la ciudad de Génova. La guerra de Chancellor con Foster resultó ser una de las peleas más largas en la historia de las telenovelas.

Afortunadamente, el ascenso de Cooper al estrellato fue mucho menos tempestuoso, ya que se unió a la alineación de la legendaria telenovela en 1976, después de aparecer en algunos westerns televisados ​​de los años 50, desde «Las aventuras de Kit Carson» hasta «Tales of Wells Fargo». Cooper también consiguió apariciones en varias producciones de teatro de televisión en vivo, seguidas de apariciones en televisión como «Perry Mason», «Hawaii Five-O» e «Ironside». Continuó siendo un personaje importante en «Y&R», obteniendo 10 nominaciones al Emmy diurno (y una victoria diurna) hasta su muerte a causa de una enfermedad no revelada a los 84 años. Los relatos de sus colegas en el set indicaron que era un miembro ingenioso y solidario del elenco. especialmente cuando se trataba de ayudar a algunos de los jugadores más jóvenes del programa. “Jeanne fue la matriarca del programa en todos los sentidos de la palabra”, dijo a CNN Lauralee Bell, también actriz e hija de los creadores de la serie William y Lee Bell.

Abby Dalton (1932-2020)

Abby Dalton sonriendoKathy Hutchins/Shutterstock

La actriz Abby Dalton tuvo un breve arco en «The Young and the Restless» en 1995, pero respondió muchas preguntas sobre un personaje principal. Dalton interpretó a Lydia Summers Callahan, quien visitó la ciudad de Génova con su esposo para reconectarse con su hija Phyllis, quien dejó su hogar hace años para buscar fortuna. No resultó ser un reencuentro feliz, ya que al conocerse, el personaje de Dalton descartó a su hija como una decepción, años después de estar separados. Después de asimilar todo eso, Phyllis se aseguró de que los Callahan abandonaran la ciudad rápidamente y lo más lejos posible del radar, dada la creciente lista de escándalos de la hija. Luego, los espectadores pudieron completar algunos espacios en blanco críticos con respecto a la notoria Phyllis Summers Newman, uno de los personajes más controvertidos de la serie.

Dalton estaba bien preparado para esa breve estadía en «Y&R», ya que interpretó a la enóloga Julia Cumson, quien con frecuencia se enfrentaba a la astuta baronesa de viñedos Angela Channing en la telenovela de horario estelar «Falcon Crest» en los años 80. Pero donde realmente ganó sus galones fue su interpretación de la enfermera de la Marina, la teniente Martha Hale, varios años antes en el drama militar y médico «Hennessey», que resultó en que Dalton recibiera una nominación al Emmy. Como prueba de que sus habilidades para la comedia también eran agudas, pasó cuatro temporadas como esposa de un presentador de un programa de entrevistas en «The Joey Bishop Show» durante los años 60. En 2020, Dalton murió después de una larga enfermedad a los 88 años.

Jerry Douglas (1932-2021)

jerry douglas sonriendoKathy Hutchins/Shutterstock

En 1980, surgió una nueva dinámica en las guerras por la supremacía en la ciudad de Génova con el surgimiento de Jabot Cosmetics, fundada por el audaz empresario John Abbott, inicialmente interpretado por Brett Halsey hasta que Jerry Douglas asumió el papel de forma permanente. A partir de ese momento, Abbott y su familia se enfrentarían al temido clan Newman que operaba Newman Enterprises en una lucha de poder que no solo puso fin a la antigua enemistad entre Brooks y Foster, sino que también impulsó a «Y&R» a la cima de la lista. Los índices de audiencia de telenovelas en 1988. Abbott no se quedó atrás en el frente corporativo o incluso en el dormitorio, convenciéndose de que tales acciones eran esenciales para los mejores intereses de su familia.

Durante más de 30 años, Douglas interpretó a Abbott, fácilmente su actuación más estable a lo largo de su carrera en el mundo del espectáculo. Anteriormente, tenía mucha demanda de cameos, su presencia en dramas de horario estelar como «Mission: Impossible» y «Mannix» implicaba asumir diferentes roles cada vez que aparecía en cada serie. En «The FBI», atrapó cuatro representaciones de personajes diferentes durante su carrera de seis temporadas a partir de 1967. Esa versatilidad demostró a los productores de «Y&R» que Douglas poseía las cosas adecuadas para interpretar a un personaje tan complejo como John Abbott. «Su contribución al legado de ‘Y&R’ como el patriarca de la familia Abbott, John Abbott, todavía se siente hasta el día de hoy», dijo el productor ejecutivo Anthony Morina (según The Hollywood Reporter) sobre Douglas, quien murió en 2021 después de una breve enfermedad a los 88 años. Él será extrañado.»

Bonnie Franklin (1944-2013)

bonnie franklin sonriendoImágenes Getty/Imágenes Getty

Uno de los papeles invitados más publicitados en la historia de «The Young and the Restless» tuvo lugar en 2012 cuando Bonnie Franklin participó en 11 episodios como la Hermana Celeste, una monja valiente y astuta que acude en ayuda del temido empresario Víctor. Hombre nuevo. Para los espectadores, Franklin tomando la ruta eclesiástica en «Y&R» parecía una exageración, dado que se la recordaba mejor en una interpretación que estaba tan lejos de un convento como lo permitía la televisión de los 70. En ese entonces, Franklin sacudió la pantalla chica en la comedia «Un día a la vez», interpretando a Anne Romano, una madre divorciada de dos hijos y una feminista declarada. Si bien los hombres pueden haberse sentido incómodos con la serie, que se emitió durante nueve años después de su lanzamiento en 1975, se conectó con las mujeres en un momento en que las tasas de divorcio comenzaban a aumentar. Antes de aterrizar en el programa, Franklin se curtió en cameos en programas desde «Gidget» hasta «Hazel». Después de la carrera de la comedia, Franklin hizo presentaciones únicas en programas como «Touched By an Angel», «Hot in Cleveland» y «Y&R», que marcaría su última aparición en televisión.

Al enterarse de la muerte de Franklin a los 69 años por cáncer de páncreas en 2013, la coprotagonista de «One Day at a Time», Valerie Bertinelli, comentó, según Los Angeles Times: «Bonnie siempre ha sido una de las mujeres más importantes de mi vida y fue una segunda madre para mí… la extrañaré terriblemente». Su compañero de reparto Mackenzie Phillip intervino en Gorjeo«Recordando a mi amiga. Descansa en paz. Bonnie Franklin».

bruce gris (1936-2017)

bruce gris señalandoYoutube

Si juzgas la experiencia de Bruce Gray en telenovelas estrictamente por su arco de cuatro episodios en 1986 en «Young and the Restless» como el personaje secundario Mark Wilcox, que parpadea y se pierde, asumirías que no fue particularmente prolífico en ese departamento. Lo mismo ocurre con sus seis apariciones en «General Hospital» y los cuatro cameos que tuvo en el drama diurno de corta duración «Somerset». Dicho esto, Gray estuvo mucho más activo en ese género como Owen Madison, cuya hija Paige estuvo luchando contra un cargo de conspiración y armas durante varias semanas durante la temporada 1979-1980 de la ya desaparecida serie «The Edge of Night».

Aun así, las telenovelas no eran más que pedazos resbaladizos de un portafolio del tamaño de un iceberg que el actor canadiense había ensamblado después de varios años en ambos lados de la frontera. En los EE. UU., Gray fue mejor conocido por interpretar al patriarca confundido en la comedia de 2002 «My Big Fat Greek Wedding». En su Canadá natal, se ganó elogios en abundancia en el drama de horario estelar «Traders», sobre una firma de banca de inversión con sede en Toronto que lucha contra adquisiciones de competidores globales. En Estados Unidos, consiguió papeles recurrentes en programas de televisión como «Cómo conocí a vuestra madre» y «Medium».

Sus habilidades nunca fueron dadas por sentadas por aquellos que trabajaron con él, incluido un colega de una película canadiense independiente que hizo. «Bruce no solo era un actor increíblemente talentoso, sino un increíble modelo a seguir en el set», dijo la productora de cine, Alyson Richards, a The Hollywood Reporter. «Encantó a todo el elenco y al equipo de ‘Don’t Talk to Irene’ con su calidez, generosidad e ingenio increíble».

David Hedison (1927-2019)

David Hedison sonríeAlbert L. Ortega/Getty Images

Durante casi tres meses en 2004, los fanáticos de «The Young and the Restless» se sentaron frente a sus pantallas pequeñas fascinados por cómo el juez Arthur Hendricks, interpretado por David Hedison, iba a alterar las trayectorias de arco de la matriarca empresarial Katherine Chancellor y su principal rival, Jill Abbott. Durante ese período, el magistrado compartió escenario con ambos, lo que llevó a la gran revelación de que él era el padre de uno de los hijos de Chancellor. Para un jugador menor de «Y&R», las tramas rara vez se volvieron tan jugosas como ese descubrimiento. Hedison demostró que en el ocaso de una carrera de medio siglo cuando asumió el papel, podía estar a la altura de las circunstancias cuando las circunstancias justificaban tal reacción.

También estaba muy lejos del forraje más orientado a la acción que originalmente hizo famoso a Hedison en los años 60, coronado por su interpretación del capitán de un submarino nuclear Lee B. Crane en la serie de ciencia ficción «Voyage to the Bottom of the Sea». » También obtuvo el papel principal en la versión original de «The Fly» en los años 50 y protagonizó otra película misteriosa sobre los dinosaurios que pueblan el Amazonas en «The Lost World». A pesar de esos antecedentes, a Hedison se le ofreció el papel de Mike Brady en la comedia de situación «The Brady Bunch» en 1969, pero en una cita repetida con frecuencia, respondió: «Lo rechacé porque después de cuatro años de suplentes y monstruos, ¿quién necesita niños y perros?» Hedison murió de una enfermedad no revelada a los 92 años.

Beau Kayser (1951-2014)

beau kazer sonriendoKathy Hutchins/Shutterstock

Uno de los personajes más hedonistas de «The Young and the Restless» fue Brock Reynolds, el hijo de Katherine Chancellor mencionado con frecuencia, quien inicialmente pasó un tiempo en una nube alimentada por el sexo y las drogas en el extranjero hasta su primera aparición en 1977, interpretado por Beau. Kayser. De regreso a su casa en Genoa City, Reynolds terminó acostándose con varios personajes de «Y&R», hasta que un despertar espiritual algunos años después lo convirtió en un cristiano reformado, lo que le permitió ayudar a su madre, para entonces una alcohólica que luchaba por su salud y se aferraba a la fortuna familiar. Su transformación moralista también ayudó a lidiar con el descubrimiento de que un posible interés amoroso, Jill Foster, resultó ser una media hermana. A través de todas las escapadas, Reynolds siguió siendo un personaje justo hasta que Kayser dejó la serie en 2013, aproximadamente al mismo tiempo que murió Jeanne Cooper (quien interpretó a Chancellor).

Protagonizar «Y&R» representó la mayoría de las credenciales de actuación de Kayser, aunque periódicamente se tomaba un tiempo libre a lo largo de la serie, a menudo con guiones como Reynolds yéndose para más diversión y juegos lejos de Genoa City. Durante ese tiempo de inactividad, a menudo trabajaba en otros programas, como interpretar al personaje recurrente Dr. Bunny Willis en «General Hospital». El nativo de Toronto también logró atrapar algunas ofertas únicas en horario de máxima audiencia que iban desde «BJ and the Bear» hasta «Hart to Hart». Kayser también obtuvo una aparición como un tipo de telenovela en el clásico de Martin Scorsese «Taxi Driver» en 1976 antes de su larga permanencia en «Y&R». Murió a los 63 años de una enfermedad no revelada.

George Kennedy (1925-2016)

george kennedy sonriendoSerge Rocco/Shutterstock

El personaje de George Kennedy, Albert Miller, el padre biológico de Victor Newman, proporcionó una idea de cómo el CEO de Newman Enterprises obtuvo su temperamento despiadado en «The Young and the Restless». Cuando Victor era un niño que respondía al nombre de Christian Miller, Albert inexplicablemente abandonó a la familia y obligó a su esposa a llevar a su hijo a un orfanato, donde finalmente se transformó en Victor Newman. Un avance rápido hasta 2003: cuando Víctor finalmente confrontó a su papá por sus acciones años antes, se desató un desagradable intercambio que era parte del curso en «Y&R».

Los aficionados a la nostalgia podrían haber encontrado la interpretación de Kennedy más cercana a los pesados ​​que interpretó en sus primeros años en westerns como «Bonanza» y «Gunsmoke», hasta que demostró que podía interpretar a un malo con corazón en la salida a prisión de 1967 «Cool Hand Luke». que le valió un Oscar al mejor actor de reparto. A partir de ahí, su fama creció con su interpretación del inteligente administrador del personal de tierra Joe Patroni en la serie «Airport», el único actor que participó en las cuatro películas de la franquicia. También demostró cómo su enfoque inexpresivo de la comedia podía generar risas como capitán de policía en la trilogía «The Naked Gun». El veterano de la Segunda Guerra Mundial terminaría interpretando más de 200 papeles en una amplia gama de películas y programas de televisión, durante unos 50 años. «Desde que era un niño pequeño», dijo, según The New York Times, «mis héroes principales fueron las estrellas de cine». Murió a los 91 años por causas relacionadas con la salud y la edad.

Terry Lester (1950-2003)

terry lester sonriendoYoutube

En «The Young and the Restless», Peter Bergman interpreta a Jack Abbott como un magnate inflexible de Jabot Cosmetics, mientras mantiene una conexión sincera con sus amigos y familiares. Pero los observadores de larga data recuerdan a un Jack completamente diferente, que era un playboy tortuoso, interpretado por Terry Lester de 1980 a 1989. En una década en la que gobernaba Reaganomics y los yuppies controlaban el mundo financiero con una actitud arrogante de movilidad ascendente, Jack era la telenovela escandalosa perfecta. icono. En la pantalla, el joven Jack era un auténtico dolor de cabeza para su relativamente más reservado padre John, pero el difunto Jerry Douglas, que interpretó al anciano Abbott, dijo que Lester añadió una intensidad crítica al papel. «Terry tenía una ventaja, donde podía interpretar a Jack como un pesado y salirse con la suya», dijo Douglas a Soap Opera Digest. «Te encantaba odiarlo».

Según She Knows Soaps, Lester abandonó el programa cuando su personaje pasó a tener un perfil más bajo que Christine «Cricket» Blair, aunque aparentemente no albergaba resentimiento hacia su intérprete Lauralee Bell, la hija de los creadores de «Y&R» William y Lee Bell. Pero no estuvo sin trabajo por mucho tiempo, tomando un papel de personaje recurrente por una temporada en «Santa Barbara», seguido de una parte similar en «As the World Turns» por dos temporadas. También hizo cameos en «Star Trek: Voyager», «JAG», «Diagnosis Murder» y «Walker, Texas Ranger» antes de morir repentinamente de un ataque al corazón a los 53 años.

Della Reese (1931-2017)

Della Reese posandoKathy Hutchins/Shutterstock

Una figura del entretenimiento que fue tan prominente en la música como en la televisión, Della Reese apareció en dos episodios en 2009 como la tía Virginia de Devon Hamilton en «The Young and the Restless», que incluyó una breve aparición en una boda. Basta con decir que tuvo poco que ver con cambiar cualquier arco significativo en el programa o agregar más drama del que ya poseía la telenovela. Pero los fanáticos ya conocían a Reese a través de su mandato de nueve temporadas en «Touched By an Angel», como Tess, supervisora ​​de un ángel neófito llamado Monica. Ese concierto fue el más lucrativo en su larga carrera que la vio emerger por primera vez como cantante de gospel y R&B durante su juventud. Esas primeras ondas de estrellato comenzaron en 1957 con «And That Reminds Me», una canción que grabó para un sello independiente de Nueva York que se convirtió en un éxito nacional y la llevó a un contrato de grabación con RCA y conciertos regulares en Las Vegas.

Su paso a la televisión comenzó en 1968 con un cameo en «The Mod Squad», seguido por el breve «Della», que marca la primera vez que una mujer afroamericana presenta un programa de entrevistas nacional. Después de otras incursiones en programas como «Sanford and Son» y «Columbo», Reese consiguió su primer papel regular en televisión en «Chico and the Man», una exitosa comedia de situación que duró tres temporadas hasta que su estrella Freddie Prinze murió en 1978. Gravitó hacia las películas hechas para televisión y las voces en off de los videojuegos antes de morir a los 86 años.

Isabel Sanford (1917-2004)

Isabel Sanford sonriendoKevin Invierno/Getty Images

El último papel televisivo interpretado por Isabel Sanford frente a las cámaras de «The Young and the Restless» fue en un episodio de 2002 como Sylvia, una persona sin hogar que sermonea a otro personaje sobre la importancia de la familia. Esa conmoción probablemente reconoció a su propia familia, que en años posteriores incluía dos hijos, siete nietos y seis bisnietos. Y luego estaba su familia televisiva más conocida en «The Jeffersons», una comedia de situación de actualidad de los años 70 sobre una familia afroamericana que ascendió la escalera hacia la prosperidad a través de un lucrativo negocio de limpieza en seco. En el programa, interpretó a Louise Jefferson (a quien su esposo George llamaba cariñosamente «Weezie»), un papel que vio a Sanford romper la barrera del color al ser la primera mujer negra en recibir un Emmy en la categoría de mejor actriz de comedia. A lo largo de la serie, interpretó la voz de la razón para su obstinado esposo, pero entre tomas, otros actores vieron un lado aún más atractivo de ella. «Isabel era nuestra reina y así la llamamos en el programa», dijo su compañera de reparto Marla Gibbs a CBS News.

Sanford llegó por primera vez a la pantalla grande en «Adivina quién viene a cenar» en 1967, luego obtuvo frecuentes apariciones en «The Carol Burnett Show», antes de interpretar a Louise Jefferson en «All in the Family», la comedia de situación que generó «The Jeffersons .» Después de ese cameo en «Y&R», Sanford hizo una actuación más en televisión, interpretándose a sí misma en una voz en off de «Los Simpson» en 2004. Murió más tarde ese año a los 86 años por causas naturales.

Kristoff St. John (1966-2019)

Kristoff St. John sonriendoImágenes de Frederick M. Brown/Getty

Como Neil Winters, Kristoff St. John fue uno de los actores más populares de «The Young and the Restless», desde que comenzó en la serie en 1991. Comenzó su arco como empleado de Jabot Cosmetics, no pasó mucho tiempo. antes de que Winters se encontrara inmerso en la lista A de la ciudad de Génova y el drama interminable que rodeaba a los Abbott, Newman y Chancellor. Sus aventuras románticas fueron extensas, desde la ambiciosa hija de Victor Newman, Victoria, hasta la tía de su hijo adoptivo, Devon Hamilton. Incluso después de dejar Jabot por Newman Enterprises a la oficina del CEO de Chancellor Industries, todavía no podía escapar del drama.

En 2019, St. John fue encontrado muerto por lo que luego se determinó que era una enfermedad cardíaca hipertrófica, menos de cinco años después de que su hijo Julian se suicidara. Su ex esposa Mia le dijo a Today que el actor de 52 años luchó con la muerte de su hijo y se sintió responsable de cómo terminó su vida. En cuanto al elenco de «Y&R», la mayoría sintió que había perdido a un gran amigo. «Kristoff era más que un buen tipo», dijo Eric Braeden, quien interpretó a Victor Newman, a The Daily Beast. «La gente lo amaba. Era un hombre fundamentalmente agradable, y siempre estaba ahí para la gente. Era simplemente un hombre con alma».

Además de «Y&R», St. John comenzó como actor infantil, con apariciones iniciales en «That’s My Mama» y «Happy Days», antes de interpretar una versión más joven del autor Alex Haley en la miniserie «Roots: The Next Generation».

Paul Walker (1973-2013)

Paul Walker frunciendo el ceñoTim P. Whitby/Getty Images

Desde «The Young and the Restless» hasta «The Fast and the Furious», pocos actores de telenovelas tomaron el carril rápido hacia Hollywood como Paul Walker. Y aunque la franquicia de los superdeportivos convirtió el nombre de Walker en sinónimo de velocidad, fue la velocidad la que contribuyó a un accidente que lo mató. Walker tenía solo 40 años cuando un Porsche conducido por un amigo se estrelló, acabando con la vida de ambos ocupantes, según CNN. La joven estrella fue la mayor atracción en cinco películas de «Fast and Furious», que se había convertido en una de las franquicias cinematográficas más lucrativas de todos los tiempos, y ya estaba filmando la sexta película cuando ocurrió el accidente.

Pero varios fanáticos de «Y&R» vieron a un actor guapo y hábil con un futuro prometedor en 1993 cuando interpretó a Brandon Collins, un empleado de la sala de correo de Newman Enterprises que tenía el ojo puesto en Victoria Newman. «Era tan modesto», dijo Eric Braeden, quien interpretó al magnate padre de Victoria, a KCAL-TV, afiliada de CBS. «Un tipo tranquilo del sur de California. He trabajado con bastantes jóvenes a lo largo de los años. Pero tenía la sensación de que triunfaría en la pantalla grande».

Antes de «Y&R», Walker obtuvo lugares en salidas de acción de películas B como «Monster in the Closet» y «Programmed to Kill», antes de lograr un papel recurrente en la efímera «Throb» y comedias de situación únicas como «Charles a cargo» y «¿Quién es el jefe?» Irónicamente, el primer concierto de televisión que consiguió fue en tres episodios de «Highway to Heaven».

Marcia Wallace (1942-2013)

marcia wallace sonriendoKathy Hutchins/Shutterstock

En 2009, Marcia Wallace apareció en 14 episodios de «The Young and the Restless» en una de las tramas de conspiración más coloridas de la serie. Interpretó a Annie Wilkes, cómplice de una estafa tramada por su exmarido que incluía secuestrar a Katherine Chancellor y casarse con su doncella Esther Valentine, quien heredaría parte de la herencia de su empleador. Pero cuando los mejores de Genoa City se dan cuenta, Annie y su ex escapan, solo para ser atrapados en la frontera con Canadá.

Interpretar a una criminal debe haber sido una diversión divertida para Wallace, quien en ese momento ya se había distinguido en la televisión como la voz de la maestra de escuela primaria Edna Krabappel, un papel que interpretó durante 24 temporadas desde 1990 en la comedia de situación animada «Los Simpson». La interpretación incluso le valió un Emmy en 1992. Pero su primera actuación importante se remonta a 1972, cuando interpretó a la ingeniosa recepcionista Carol Kester durante seis temporadas en «The Bob Newhart Show». Una vez que terminó la comedia de situación, Wallace terminó en el circuito sin cita previa, apareciendo en programas como «The Love Boat», «Fantasy Island» y «ALF». Poco después de comenzar con «Los Simpson», también consiguió trabajos frecuentes como locutora en «Darkwing Duck» y algunos episodios interpretando a la Sra. Carruthers en «Full House».

Después de sobrevivir con éxito a una larga batalla contra el cáncer de mama, Wallace murió de neumonía a los 70 años. «Es muy triste saber… del fallecimiento de la maravillosa Marcia Wallace». tuiteó El colega de los «Simpsons» Harry Shearer cuando escuchó la noticia. «Ya lo echaba mucho de menos».

Estrellas de Diff’rent Strokes que no sabías murieron

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Gary Coleman sonriendoJoe Vidente/Shutterstock

Los años 70 fueron ciertamente un período progresivo para la presencia afroamericana en la televisión en horario de máxima audiencia, y la mayoría de los elencos de espectáculos permitieron la presencia de actores negros más habituales. Algunas otras, como las comedias de situación «Good Times» y «The Jeffersons», estaban dominadas por protagonistas negros. Pero aparte de las apariciones regulares de los Willise en «The Jeffersons», las cadenas a menudo se oponían a la noción de familias de raza mixta en sus franjas horarias.

En 1978, «Diff’rent Strokes» cambió mucho ese pensamiento. La comedia de situación protagonizó a Conrad Bain como Philip Drummond, un rico hombre de negocios viudo que adoptó a los dos hijos de su difunta ama de llaves afroamericana, interpretados por Todd Bridges y Gary Coleman. Los productores que presentaban el programa tenían en mente el título «45 minutos de Harlem» hasta que un mayor desarrollo resultó en un cambio de nombre a «Diff’rent Strokes». Si bien la comedia de situación originalmente tenía la intención de ser un vehículo estrella para Bain, quien fue una sensación como un vecino conservador en «Maude», Coleman se convirtió instantáneamente en un ladrón de espectáculos con un comportamiento precoz y travieso, y su tan repetido «Whatchoo talkin’ ¿Qué pasa con Willis? se convirtió en un eslogan ampliamente utilizado entre los nuevos fanáticos del programa.

En gran parte debido al encanto diminuto de Coleman, el programa se convirtió en una tarifa obligada durante ocho temporadas, convirtiendo al joven actor en una estrella de la lista A y empujando a los jóvenes Bridges y Dana Plato (quien interpretó a la hija biológica de Bain, Kimberly) al centro de atención. Lamentablemente, Coleman y muchos de los actores principales del programa ya no están con nosotros. Lo mismo ocurre con varias luminarias que lograron un arco argumental o algunas líneas episódicas.

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Muhammad Ali mirando hacia un ladoAndrew H. Walker/Getty Images

La leyenda del boxeo Muhammad Ali se autodenominaba «El más grande», y cualquiera que discutiera el punto atándose un par de Everlast y entrando al ring descubrió por las malas la verdad detrás de esa declaración. Incluso después de conquistar el lienzo, Ali dominó la cultura pop, al parecer, se le ocurrió la frase «Diferentes trazos para diferentes personas», que se abrió paso en el apodo de la comedia de situación. El extravagante pugilista incluso anotó un par de apariciones en el programa. Interpretándose a sí mismo, Ali disfrutó de varias escenas con Coleman, cuyo personaje, Arnold Jackson, adoraba al famoso atleta como su héroe favorito. Esa idolatría no fue una sorpresa, ya que millones de fanáticos elogiaron a Ali por algo más que su récord de boxeo de peso pesado. Fue un modelo a seguir de alto perfil para los afroamericanos, así como una inspiración para los musulmanes, ya que se convirtió al Islam al principio de su carrera en el boxeo.

Excepto por interpretarse a sí mismo en la película biográfica de Ali de 1977 «The Greatest» y apariciones en programas como «Vega$» y «Diff’rent Strokes», Ali rara vez actuaba. No necesitaba hacerlo, ya que la historia de su vida eclipsaba casi cualquier relato ficticio de cualquier boxeador pasado o presente. Pero además de ganar cinturones de campeonato de peso pesado, encender la antorcha durante las ceremonias de apertura de los Juegos Olímpicos de Verano de 1996 en Atlanta fue una hazaña que, según comentó Ali, fue uno de los mayores honores que se le hayan otorgado, según CNN. Sorprendentemente, realizó sus deberes con la antorcha mientras padecía la enfermedad de Parkinson, una afección que los médicos descubrieron en su cerebro en 1981, lo que obligó a su retiro. Ali murió de Parkinson a los 74 años.

hoyt axton

Actuación de Hoyt AxtonArchivos de Michael Ochs/imágenes falsas

Es cierto que las dos apariciones del cantante de folk Hoyt Axton en «Diff’rent Strokes», en la que interpretó a Wes McKinney, padre del mejor amigo de Coleman, Sam, podrían no haber estado entre sus cameos más memorables en el horario estelar de la televisión. Pero lo más probable es que los espectadores se hayan preguntado dónde vieron esa cara antes. Sin duda, los boomers lo habrían reconocido en los westerns de los años 60 como «Bonanza» y «Iron Horse», y más tarde en comedias de situación como «WKRP in Cincinnati» y «Growing Pains». Es relativamente más familiar para el público cinematográfico como Randall Peltzer, que compra una criatura exótica en una tienda de novedades asiáticas como regalo para su hijo en la aterradora película de 1984 «Gremlins». Más recientemente, ese rostro tosco apareció en las pantallas gigantes en «We’re No Angels» y como alcalde de la ciudad en «King Cobra», su última película.

Pero como compositor, se inmortalizó por escribir «Joy To the World», una canción pop que le dio a la banda estadounidense Three Dog Night, que se convirtió en un éxito de la noche a la mañana y desde entonces se ha repetido no solo en estaciones de FM retro, sino también en películas como «Forrest Gump», «The Big Chill» y el documental de Michael Moore «Roger and Me». No se detuvo allí, ya que la canción también sonó a todo volumen en los parlantes de la televisión en episodios como «Friends», «Designing Women», Murphy Brown», «Sex and the City» e incluso dos episodios de «The X-Files». Las regalías de esa canción por sí solas podrían haber sido suficientes para que Axton comprara un rancho en Montana, donde murió de un ataque al corazón a los 61 años.

conrado bain

Conrado Bain sonriendoRobert Mora/Getty Images

Después de seis temporadas interpretando al Dr. Arthur Harmon, el vecino conservador del provocador liberal Maude Findlay en la comedia de situación políticamente cargada «Maude», el actor canadiense Conrad Bain demostró su valía como actor sólido para merecer el premio al papel principal en una comedia de situación. Esa oportunidad llegó justo después de que «Maude» dejara el aire, cuando le dieron a Bain el papel del viudo empresario de Manhattan Philip Drummond en «Diff’rent Strokes». El giro fue que Drummond adoptaría a dos niños afroamericanos, ambos hijos de su ama de llaves recientemente fallecida, para asegurar la estabilidad en sus vidas. También hicieron que el personaje de Bain fuera más alegre y sabio que lo que interpretó en Maude, rasgos necesarios para reducir el drama de una nueva comedia de situación que planea abordar algunos problemas sociales graves, desde la discriminación racial hasta la adicción a las drogas.

A pesar de que uno de los niños adoptados, Gary Coleman, demostraría ser el verdadero atractivo de «Diff’rent Strokes», Bain todavía era visto de una manera adorable y respetable. Mucho de eso tuvo que ver con varios años en el mundo del espectáculo que comenzó con un trabajo constante en la telenovela «The Edge of Night», seguido del drama en horario estelar «Studio One» durante los años 60 y el drama diurno «Dark Shadows». : The Vampire Curse» la década siguiente. Después de sus extensas temporadas en «Maude» y «Diff’rent Strokes», Bain interpretó a Charlie Ross en la comedia política de corta duración «Mr. President» e interpretó a Drummond en un episodio de «The Fresh Prince of Bel- Air», su último trabajo como actor. Bain murió por causas naturales a los 89 años en 2013.

dixie carter

Dixie Carter posandos_bukley/Shutterstock

Al comienzo de la sexta temporada de «Diff’rent Strokes», el programa viró hacia un territorio romántico cuando agregaron a Dixie Carter como Maggie McKinney, un interés amoroso por Philip Drummond. No pasó mucho tiempo antes de que sonaran las campanas de boda y Maggie se convirtiera en parte del hogar con sede en Manhattan. Pero esa vibra de felicidad conyugal del guión no flotó exactamente en la atmósfera caótica del set. Según Mental Itch, según los informes, Carter y Gary Coleman pelearon mientras filmaban hasta el punto en que Carter se fue al final de la temporada. En entrevistas posteriores, nunca comentó directamente sobre el conflicto, pero dejó escapar un dato durante un intercambio con la prensa. «Acepté ese trabajo por el dinero, nada más, y eso fue todo lo que obtuve», dijo a The Advocate-Messenger.

Sobre el papel, Carter estaba calificado para el papel, ya que actuó en espectáculos de Broadway como «Pal Joey» y obtuvo papeles destacados en la telenovela «The Edge of Night» y en programas de horario estelar que incluyeron «On Our Own» y «Out of the Azul.» Después de dejar «Diff’rent Strokes», no estuvo sin trabajo por mucho tiempo, ya que fue elegida para interpretar a la inteligente empresaria Julia Sugarbaker en la exitosa comedia de situación «Designing Women» en 1986. Más adelante en su vida, también encontró trabajo. como personajes recurrentes en «Ladies Man» y «Desperate Housewives», esta última le valió una nominación al Emmy en 2007. Su último trabajo fue «That Evening Sun», una película protagonizada por ella y su esposo Hal Holbrook. Carter murió de complicaciones de cáncer a los 70 años en 2010.

gary coleman

Gary Coleman mirandoBart Sherkow/Shutterstock

Cuando Gary Coleman se robó por primera vez el centro de atención de «Diff’rent Strokes» a la edad de 10 años, el joven encantador y travieso, sin saberlo, vio su vida entrar en el carril rápido de la riqueza, el glamour y mucha atención pública. Mirando hacia atrás a esos cambios en 1993, años después de que terminara la comedia, el actor deseaba que las cosas hubieran resultado diferentes. «Si alguien me hubiera dicho que mi vida hubiera sido así lo suficientemente temprano como para poder salir, habría salido», le dijo Coleman a Brad Lemack cuando tenía 20 años.

El dinero era de poco consuelo, a pesar de que le pagaban $ 2.5 millones por temporada y tenía una cuenta fiduciaria que aparentemente aumentó a $ 18 millones, según Celebrity Net Worth. Pero una vez que tuvo la edad suficiente para acceder a él, encontró solo $ 220,000 en su cuenta, lo que lo llevó a una batalla legal con sus padres y administradores que se apropiaron indebidamente de esos fondos. Recuperó $ 1,28 millones, aunque los impuestos y los honorarios legales redujeron considerablemente ese acuerdo.

El estigma del actor infantil combinado con una enfermedad renal congénita que atrofió su crecimiento y creó otros problemas de salud graves también obstaculizó su empleabilidad, ya que Coleman solo pudo obtener cameos en programas como «Married… With Children», «The Drew Carey Show». y «Los Simpson». Encontró trabajo en tiendas de pasatiempos y como guardia de seguridad, lo que en un momento resultó en que lo acusaran de agresión. Eventualmente se casó, pero aún vivía en la pobreza. Las complicaciones de una caída resultaron en una hemorragia cerebral en 2010, que lo mató a los 42 años.

Dody Goodman

Habla Dody Goodman Giarc Eldden/YouTube

Dody Goodman no necesitaba mucho para convertirse en un arma para ser reconocida en Hollywood. Todo lo que necesitaba era un ingenio sin filtros ejecutado por su voz de Minnie-Mouse, y podría conseguir muchos conciertos. No es seguro si esas herramientas la ayudaron a conseguir un papel recurrente en «Diff’rent Strokes», interpretando a la hermana activista de Philip Drummond, pero tampoco le impidieron obtener ocho episodios de la serie. Pero fue esa voz la que la hizo reconocible, particularmente en la sátira de la telenovela «Mary Hartman, Mary Hartman», donde se la podía escuchar bramando el apodo durante el tema de apertura del programa. También interpretó a la madre de la heroína del título en la serie de corta duración que desde entonces se ha convertido en un clásico de culto.

Durante los años 50, cuando la televisión aún estaba aprendiendo a gatear, Goodman primero dejó su huella como la chiflada residente en «The Tonight Show», luego presentado por Jack Paar, quien encontró su ingenio y voz tan fascinantes que a menudo la invitaba simplemente chatear. Fue entonces cuando soltó unas cuantas inconsecuencias hilarantes que hicieron que el público se levantara de sus sofás y que Goodman fuera el receptor de una nominación al Emmy. Décadas más tarde, el presentador del programa de entrevistas David Letterman invitó a Goodman al programa y, a menudo, obtenía los mismos resultados.

Después de la serie «Hartman», la actriz protagonizó su spin-off «Forever Fernwood», antes de conseguir papeles adicionales en «Punky Brewster», «Murder, She Wrote» y «Boston Common». En 2008, Goodman murió por causas naturales a los 93 años.

salto gordon

Gordon Jump sonriendoDave Sundström/YouTube

Uno de los arcos de la historia más inquietantes de la comedia de situación involucraba la amistad de la familia Drummond con el dueño de una tienda de bicicletas llamado Sr. Horton, interpretado por Gordon Jump, quien resultó tener un lado oscuro como abusador de niños. Incluso para una comedia de situación conocida por profundizar en temas controvertidos, desde la delincuencia juvenil hasta el abuso de sustancias, abordar el abuso sexual infantil bordeaba el tabú a finales de los 70 y principios de los 80. También fue sorprendente que el culpable fuera interpretado por Jump, mejor conocido por un conjunto de personajes completamente diferentes, desde un reparador solitario en los comerciales de Maytag hasta el desconcertado gerente de la estación de la comedia de horario estelar «WKRP In Cincinnati».

Como si el arte imitara la vida, Jump primero consiguió trabajo en la radio y la televisión antes de comenzar a actuar en una compañía de teatro en vivo en Los Ángeles. No pasaría mucho tiempo antes de que obtuviera pequeños papeles en comedias de situación como «Get Smart» y «Green Acres», antes de obtener papeles de aplicación de la ley en episodios de «That’s My Mama», «The Streets of San Francisco» y, finalmente, el satírico «Soap», donde consiguió un trabajo recurrente como Jefe de Policía Tinkler. Alcanzó su mejor momento en «WKRP», que duró cuatro temporadas y repitió su papel en un desafortunado reinicio de la serie unos años más tarde. Pero Jump aún se mantuvo ocupado, con apariciones de personajes principales en «Growing Pains», «Baywatch» y «Seinfeld». Incluso siguió interpretando al reparador de Maytag en comerciales hasta unos meses antes de morir a los 71 años de fibrosis pulmonar.

Si usted o alguien que conoce puede ser víctima de abuso infantil, comuníquese con Childhelp National Child Abuse Hotline al 1-800-4-A-Child (1-800-422-4453) o comuníquese con su servicios de chat en vivo.

María Ana Mobley

Mary Anne Mobley inclinando la cabeza, sonriendos_bukley/Shutterstock

Después de que Dixie Carter abandonara a su personaje de Maggie McKinney (quien para entonces se había casado felizmente con Philip Drummond) dejando «Diff’rent Strokes», los productores eligieron a Mary Ann Mobley para ese papel como si nada hubiera pasado. Curiosamente, Mobley había aparecido en el programa cinco temporadas antes en un episodio interpretando a la profesora Nancy Osborne, pero nadie pareció darse cuenta ni preocuparse. Felizmente, los Drummond, incluida una Maggie de aspecto diferente, continuaron hasta el final del espectáculo en 1986. Mobley definitivamente tuvo el encanto de continuar donde Carter lo dejó, teniendo algo de experiencia a través de jueces que la seleccionaron como «Miss América». en 1959. No pasó mucho tiempo antes de que la recién estrenada reina de belleza estuviera en compañía de El Rey, como en Elvis Presley, disfrutando de papeles secundarios en sus películas «Girl Happy» y «Harum Scarum».

La actriz entrenada por Lee Strasberg también se emparejó con Jerry Lewis en su comedia «Three On A Couch», donde conoció a su futuro esposo Gary Collins, un compañero actor que más tarde ganó mayor fama como presentador de un programa de entrevistas. Durante los años 60, también cortó sus blancos nacarados en televisión en «La ley de Burke», «El hombre de UNCLE» e incluso ganó un Globo de Oro en la ahora desaparecida categoría de recién llegado más prometedor. Después de dejar «Diff’rent Strokes», Mobley estuvo más ocupada que nunca, consiguiendo un papel repetido en «Falcon Crest», y consiguiendo cambios en «Designing Women», Hearts Afire» e interpretándose a sí misma en «Dead Like Me». También se expandió a los documentales, especialmente la falta de vivienda y el hambre que afecta a los niños. Mobley murió de cáncer de mama a los 77 años en 2014.

dana platón

Dana Plato con coprotagonistas, sonriendoArchivos de Michael Ochs/imágenes falsas

Al momento de escribir este artículo, Todd Bridges es el único miembro sobreviviente del elenco de «Diff’rent Strokes», y aunque fue triste que más estrellas mayores murieran por causas relacionadas con la edad, la verdadera tragedia es que otros dos se fueron mucho antes de tiempo, la primera es Dana Platón. Como Kimberly Drummond, la mayor de los tres hermanos en el programa y la única con una conexión biológica con su padre, Philip Drummond, Plato pasó mucho menos tiempo frente a la pantalla que sus jóvenes compañeros, especialmente Gary Coleman, la estrella más grande del programa.

Las cosas empeoraron para Plato, quien fue expulsada de la comedia de situación después de revelar que estaba embarazada. Más tarde, obtuvo una reputación diferente como jugadora en películas de serie B como «Prime Suspect» con Frank Stallone y «Compelling Evidence» con Brigitte Nielsen. Las pocas ocasiones en las que consiguió un papel principal incluyeron una oferta pornográfica suave, curiosamente llamada «Different Strokes». En ese momento, también había desarrollado una adicción a las drogas, a veces recurriendo al robo y la falsificación para mantener su hábito (a través de The Washington Post).

En 1999, durante una entrevista con Howard Stern, afirmó que estaba limpia y sobria y que había conocido a su prometido en la ciudad de Oklahoma para escapar de la atención de los tabloides en Los Ángeles. «Estoy cansada de defender mi carácter», dijo. «Soy quien soy, lo que ves es lo que obtienes». Al día siguiente, Plato, de 34 años, murió de una sobredosis de drogas, que el forense reveló como un suicidio.

Si usted o alguien que conoce está luchando con problemas de adicción, hay ayuda disponible. Visita el Sitio web de la Administración de Servicios de Salud Mental y Abuso de Sustancias o comuníquese con la línea de ayuda nacional de SAMHSA al 1-800-662-HELP (4357).

charlotte rae

charlotte rae sonriendoDFree/Shutterstock

Cuando Charlotte Rae fue elegida como la ama de llaves de Philip Drummond, Edna Garrett, en «Diff’rent Strokes», cautivó al público por su habilidad para equilibrar la tontería con la mundanalidad, una cualidad que la llevó a protagonizar su propia serie, «The Facts of Life», en que interpretaría a una ama de casa universitaria. El spin-off también se convirtió en un éxito que duró siete temporadas, con Rae protagonizando cinco de ellas.

Al igual que muchos veteranos de la actuación en su grupo de edad, Rae llegó a la cima, un papel pequeño a la vez, hasta que suficientes personas notaron su potencial para asumir proyectos más grandes. Su bautismo en la televisión comenzó en la década de 1950 interpretando varios papeles en producciones teatrales de antología que ocuparon una gran cantidad de bienes raíces en horario estelar de la cadena en ese momento. A partir de ahí, obtuvo papeles recurrentes en programas como «From These Roots» y «Car 54, Where Are You?». El punto de inflexión se produjo cuando empezó a aparecer en cameos en comedias de situación creadas por Norman Lear, desde la innovadora comedia «All In the Family» hasta «Good Times». Se dio cuenta de sus habilidades y su recomendación la llevó a finalmente conseguir un lugar preciado en «Diff’rent Strokes».

Rae citó razones de salud para dejar «The Facts of Life» y fue reemplazada por Cloris Leachman. Mientras tanto, Rae hizo un cameo extraño en el horario de máxima audiencia, pero se inclinaba más hacia el trabajo de doblaje, desde «The Itsy Bitsy Spider» hasta «101 Dalmatians: The Series». Gran parte tuvo que ver con su lucha contra el cáncer de páncreas y, finalmente, el cáncer de huesos, que acabó con su vida a los 92 años en 2018.

Roberto Rockwell

Robert Rockwell sentado y hablandoJim Nolt/YouTube

Robert Rockwell interpretó al abogado de Philip Drummond, Tom Bishop, en solo seis episodios de «Diff’rent Strokes», pero su presencia fue fundamental para cada trama, una de las cuales fue ocuparse del papeleo relacionado con la adopción de Arnold y Willis por parte de su cliente en el estreno en dos partes de la sitcom. En otras ocasiones, se presentó para ayudar a manejar el negocio de Drummond a través de tiempos económicos difíciles y para superar obstáculos legales después de que Drummond resultara gravemente herido en una colisión automovilística que involucró a un conductor ebrio.

Pero el principio y el final de su carrera marcaron representaciones significativas que tocaron el corazón de algunas generaciones. Inicialmente se convirtió en una estrella destacada en la comedia escolar «Our Miss Brooks», un programa que hizo con éxito la transición de la radio a la televisión durante los años 50. En la serie, interpretó al profesor de ciencias introvertido Philip Boynton, un prospecto romántico para la estrella del programa Eve Arden. Y como anciano, cautivó a los nietos de los fanáticos de «Nuestra señorita Brooks» como un abuelo que repartía dulces de Werther a los jóvenes. Entre esos monumentales sujetalibros, Rockwell apenas estaba ocioso. Además de «Diff’rent Strokes», disfrutó de papeles recurrentes en «El llanero solitario», «Perry Mason», «Lassie», «Dallas», «Newhart» y «Growing Pains», mientras realizaba cameos en programas como » Gunsmoke», «Ocho es suficiente» y «Beverly Hills 90210».

Rockwell no era ajeno a las películas, ya que participó en la película de propaganda antisoviética «The Red Menace», la versión original de «The War of the Worlds» y su última película «Perfect Alibi». Rockwell murió de cáncer a los 82 años en 2003.

dick sargento

dick sargent sonriendo Archivo de cine y televisión de UCLA/YouTube

Como el maestro Sr. Stone en «Diff’rent Strokes», Dick Sargent tuvo que lidiar con el idealismo del impetuoso estudiante Arnold Jackson, interpretado por Gary Coleman. Las escapadas en el salón de clases incluyeron a Jackson presidiendo como juez en un escenario judicial simulado y organizando una huelga estudiantil para protestar por el código de vestimenta de la escuela. Pero entonces, las audiencias mayores recuerdan mejor a Sargent cuando estaba fuera de su elemento cuando lidiaba con una esposa hechicera en la comedia de los años 60 «Embrujada». Al interpretar a Darrin Stevens en el programa, Sargent tuvo que lidiar con ser etiquetado como «El otro Darrin», luego de suceder a Dick York, el actor anterior del papel. A pesar de las travesuras en «Bewitched», el personaje de Sargent suele ser sensato, un rasgo que lo distinguiría en otra comedia de situación llamada «Down To Earth», interpretando al patriarca de una familia que ayuda a un ángel caído a ganar sus alas. Otras representaciones incluyeron una variedad ecléctica de cameos en horario de máxima audiencia desde «Gunsmoke» hasta «Three’s Company».

Más tarde, Sargent ganó notoriedad como activista pionero por los derechos de los homosexuales y mejoró el tratamiento de las víctimas del SIDA después de salir del clóset en 1991, citando como motivo las tasas masivas de suicidio entre los homosexuales, según The Washington Post. De acuerdo con The Buffalo News, la estrella salió del armario en el programa de entrevistas de Geraldo Rivera y explicó que sabía desde niño que era gay. Según el medio, estaba «un poco sorprendido» por la reacción positiva del público a sus noticias.

En 1994, Sargent murió de cáncer de próstata a los 64 años.

McLean Stevenson

McLean Stevenson mirando La vida y el triste final/YouTube

En 1975, McLean Stevenson no tenía nada de qué quejarse cuando interpretó al teniente coronel Henry Blake en la comedia de guerra «M*A*S*H», uno de los programas más populares de la televisión. Pero ya sea por ego o celos, Stevenson aparentemente no estaba loco por obtener la mejor facturación en el programa, un lugar ocupado por Alan Alda, por Distraer. Así que rompió su contrato con el programa y se fue a probar las aguas, mientras que los productores lo mataron después de la tercera temporada. Casi de inmediato, los programas que lo tenían como actor principal («The McLean Stevenson Show» e «In the Beginning») fueron bombardeados, que es donde «Diff’rent Strokes» entró en escena en 1979. Interpretó a un amigo de Philip Drummond en algunos episodios, pero su aparición final fue diseñada para lanzar otro programa que le brindaría a Stevenson otra oportunidad de ser el mejor. Ese programa fue «¡Hola, Larry!», al que el público se despidió después de una temporada.

Tuvo otra oportunidad en el estado de marquesina del horario de máxima audiencia con la comedia «Condo», que se abandonó después de 13 episodios. Un papel secundario en una versión televisiva de «Dirty Dancing» sufrió un destino similar. Pero a lo largo de esos fracasos, Stevenson logró ganarse la vida con algunos lugares como anfitrión invitado en «The Tonight Show» y apariciones especiales en programas como «The Golden Girls» y «The Love Boat» y algunos lugares en el programa de juegos. «Partido.» Después de hacer una aparición en una miniserie llamada «Tales of the City», Stevenson murió de un ataque al corazón a los 66 años.

Le Tari

Habla Le TariDivertido o morir/YouTube

Le Tari protagonizó seis episodios de «Diff’rent Strokes» como Ted Ramsey, el padre adoptivo de Dudley, el cómplice de Arnold en el crimen. Y cuando los dos se metieron en problemas, tanto Philip Drummond como Ramsey estuvieron disponibles para rescatarlos o aplicar alguna medida disciplinaria adecuada. En el caso del primero, los niños estaban comenzando a entablar amistad con el Sr. Horton, el dueño de la tienda de bicicletas del vecindario, hasta que los adultos descubrieron que el vendedor era un abusador de niños que tenía ojos especialmente en Dudley. En cuanto a este último, el Sr. Ramsey se encargó de convencer a los muchachos, atrapados fumando cigarrillos, sobre los peligros del tabaco, ya que él mismo estaba a punto de recibir un trasplante de pulmón.

Tari comenzó su carrera cuando la ola de Blaxploitation llegó a Hollywood, interpretando parte de un trío de soldados recién llegados de sus períodos de servicio en Vietnam que se enfrentaron al Klan en «Brotherhood of Death», antes de aterrizar en «The Jeffersons», «Starsky and Hutch, «»Happy Days» y la miniserie «Roots: The Next Generations». Dejó su huella en algunas películas, incluido el descarnado drama policial «The Onion Field» y «Fast Break», sobre un extraño equipo de baloncesto que se está reuniendo en una universidad de Nevada.

Más adelante en su breve carrera, Tari interpretó a un ex pandillero en un episodio de «What’s Happening Now» y participó en programas como «The A-Team» y películas como «Hollywood Shuffle» y «Amazon Women On the Moon». Tari murió de un infarto en 1987. Tenía 40 años.

Nedra Volz

Nedra Volz con gorro de fiesta, mirando hacia arribaRebobinado de TV clásico/YouTube

Cuando se trata de actores de personajes mayores, tienden a no ser tan ágiles como Nedra Volz, quien interpretó a Adelaide Brubaker, una ingeniosa ama de llaves que reemplazó a Edna Garrett después de la primera temporada de «Diff’rent Strokes». Su permanencia en el programa fue corta, solo una temporada, pero no antes de que ella se estableciera como un contrapunto agudo y cómico a los comentarios de sabelotodo cortesía de Arnold y Willis. Nunca preocupada por la necesidad de jugar contra el tipo para avanzar en su carrera, Volz estaba en la comedia de situación entre los muchos ejemplos de por qué los agentes de casting que buscaban ancianas locas irían tras ella primero.

Durante los años de juventud de esa anciana loca, Volz actuó en el circuito de vodevil, antes de abandonarlo por una carrera como cantante y haciendo comerciales para McDonald’s y Amtrak. Varios años después, Norman Lear pensó que su temperamento era ideal para papeles secundarios en «Maude», «Mary Hartman, Mary Hartman», «Good Times» y «Fernwood Tonight».

Antes de obtener un papel estable en «Diff’rent Strokes», Volz ya había aparecido en más de 30 programas de televisión y películas. La demanda de su talento senior cómico continuó después de que dejó el programa, interpretando a la directora de correos Emma Tizdale en «The Dukes of Hazzard» y a la agente de fianzas Pearl Sperling en «The Fall Guy». En el cine, sus papeles fueron breves aunque memorables en salidas como «10», «Mortuary Academy», «Earth Girls Are Easy» y su película final «The Great White Hype». En 2003, Volz murió por complicaciones de la enfermedad de Alzheimer a los 94 años.

Lo que no sabías de Tom Hanks

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Tom Hanks en el Festival de Cine de Palm SpringsFeatureflash Photo Agency/Shutterstock

El actor ganador del Premio de la Academia, Tom Hanks, ha cautivado al público durante más de cuatro décadas con películas icónicas como «Náufrago», «Forrest Gump», «Filadelfia» y «Apolo 13». Aunque su primer crédito en pantalla fue el largometraje de terror de 1980 llamado «Él sabe que estás solo», Hanks rápidamente encontró su lugar como un elemento básico en el ámbito de las comedias de situación televisivas. Muchos fanáticos de Tom Hanks tienen buenos recuerdos de él con una peluca marrón rizada y bailando con una toalla con su coprotagonista Peter Scolari en la apertura de «Bosom Buddies». A mediados de la década de 1980, Hanks demostró que tenía madera de protagonista, protagonizando junto a Daryl Hannah «Splash» y Tawny Kitaen en «Bachelor Party».

Unos pocos años más tarde, Hanks se casaría con su segunda esposa, Rita Wilson, y comenzaría uno de los matrimonios sólidos más famosos de Hollywood. Conoció a Wilson en el set de «Bosom Buddies» y también apareció con ella en «Voluntarios».

Si bien Hanks parecía gravitar hacia las comedias en los años 80, rápidamente demostró que no había nada que no pudiera hacer, y tenía una habilidad especial para seleccionar papeles que estaban hechos para él. O más bien, el propio actor convirtió el papel en algo exclusivamente suyo. Ya sea que interpretara a un hombre torpe que logra grandes cosas oa un abogado que es discriminado por su sexualidad y su condición de VIH, Hanks acumuló premios por sus representaciones emocionales y sinceras. Pero, ¿qué más hay que saber sobre el hombre? Sigue leyendo para conocer algunas cosas sorprendentes sobre Tom Hanks que quizás no sabías.

No tiene miedo de transformarse en sus personajes.

Tom Hanks en NáufragoTubiTV/Estudios del siglo XX

Si hay un actor que virtualmente puede llevar una película, es Tom Hanks. En «Náufrago» de 2000, la mayor parte de la película presenta al personaje principal, Chuck, varado en una isla después de un accidente aéreo. Dado que Chuck está allí durante cuatro años, Hanks tuvo que mostrar a su personaje perdiendo peso y dejándose barba. Según Showbiz CheatSheet, Hanks perdió 50 libras mientras se transformaba en el personaje y la producción se detuvo para él.

También cambió físicamente por «Philadelphia». Dado que su personaje estaba luchando contra el SIDA, el cuerpo de Hank necesitaba mostrar que la enfermedad estaba pasando factura. Esta vez, la baja se produjo tras tener que subir de peso para su papel de Jimmy, el entrenador en «A League of Their Own». «Hubo un par de días que no podía ponerme de pie sin agarrarme al borde de la silla y también siempre estaba mirando mi reloj porque era la hora de la merienda, una hora y 15 minutos», compartió sobre su viaje de pérdida de peso para la película en un viaje de prensa para «Sleepless in Seattle» (a través de Showbiz CheatSheet).

Y no es solo su apariencia física lo que lo hace parecer tan diferente en cada uno de sus roles. Steven Spielberg, un colaborador frecuente de Hanks, habló sobre cómo el actor encarna cada papel que interpreta. «Bueno, para mí, todo lo que hace Tom es una sorpresa para mí porque no lo reconozco. Conozco a Tom muy bien, pero no reconozco el personaje que interpreta», dijo Spielberg a Vulture.

El actor también ha escrito tres guiones

Reparto de 1996 de '¡Eso que haces!'Imágenes Getty/Imágenes Getty

Si su destreza como actor no fue suficiente para asegurarle un lugar en el club de élite de la realeza de Hollywood, Tom Hanks también tiene algunos créditos de escritura impresionantes a su nombre. «¡Eso que haces!» no solo fue su debut como director, sino que también escribió el guión de la divertida e inspiradora película. Según Deadline, Hanks escribió el guión durante una gira de prensa mundial de «Forrest Gump». Hanks compartió: «Había hablado de mí mismo durante un año seguido, así que comencé a escribir para mantener algún tipo de cordura creativa».

Junto a la actriz Nia Vardalos, Hanks también escribió «Larry Crowne», una película que también protagonizó. La película trata sobre un hombre que pierde su trabajo después de que su empresa se redujera. El actor le dijo a Los Angeles Daily News: «Quería examinar el tema de la reinvención, y no la reinvención dictada por el destino, sino por tu propio lugar proactivo en la forma en que pasas al siguiente capítulo de tu vida».

Su esfuerzo de escritura más reciente fue la película de la Segunda Guerra Mundial, «Greyhound», que también protagonizó. Hanks adaptó el guión de la novela de CS Forester de 1955, «El buen pastor». Cuando habló con «Today» sobre la película, que sigue a un barco mercante atacado por los alemanes, dijo que la gente a menudo le preguntaba por qué esta película, esta era. Hanks respondió: «Porque sigo volviendo atrás para examinar la condición humana de cómo uno lidia con una presión que nunca cede».

Tom Hanks colecciona máquinas de escribir y escribió un libro con ellas

Tom Hanks en una firma de librosJeff Spicer/Getty Images

Dado el amor de Tom Hanks por la escritura creativa, tiene sentido que uno de sus pasatiempos sea coleccionar máquinas de escribir. En octubre de 2017, habló con David Greene de NPR sobre lo que algunos han llamado una «obsesión», pero Green se refirió como «una historia de amor», y cómo el amor de Hanks por la máquina de escribir inspiró su libro, «Uncommon Type». El libro, que se lanzó en 2017, presenta 17 historias cortas escritas por Hanks, algunas más obviamente con una máquina de escribir, mientras que otras son más sutiles. Como dijo Hanks a PBS Newswire, «Sí, hay pequeños huevos de Pascua que esparcimos por todas partes».

Hanks mencionó que colecciona máquinas de escribir de la misma manera que otros coleccionan guitarras antiguas. Dijo: «Hay una belleza, una cualidad estética en ellos que simplemente los admiro». Pero lo más importante para Hanks es que ama la perfección de la función de la máquina de escribir. «Hacen una cosa. Y solo una cosa. No puedes hacer una llamada telefónica con una máquina de escribir», explicó.

Luego pasó a elaborar la permanencia de lo que puede crear una máquina de escribir, una representación física de lo que está en la mente de uno. Lo comparó con algo cincelado en piedra. ¿Hasta donde llega el libro? Hanks admitió que al menos una de las historias, «Un fin de semana especial», se basó en sus propias experiencias y observaciones de la vida.

Delató a un maestro durante su discurso de aceptación de los Oscar

Tom Hanks en los Premios de la Academia de 1994Avalón/imágenes falsas

Cuando Tom Hanks habla, la gente escucha, pero eso puede no ser siempre algo bueno, especialmente si está hablando de ti durante su discurso de aceptación de los Oscar, revelando algo que quizás no estés listo para que millones de personas escuchen. Es por eso que en 1994, cuando Hanks aceptó el premio a Mejor Actor por su papel en «Philadelphia», una historia sobre un abogado gay que es discriminado, los espectadores se sorprendieron cuando mencionó a un ex maestro y compañero de clase, diciendo: «Menciono sus nombres porque son dos de los mejores estadounidenses homosexuales, dos hombres maravillosos con los que tuve la suerte de asociarme».

Tenga la seguridad de que el siempre reflexivo Hanks no se tomó esas libertades por capricho. Entertainment Weekly informó que Hanks llamó a ese ex maestro, Rawley Farnsworth, tres días antes de los premios y le pidió permiso para mencionarlo en caso de que ganara. Sin embargo, no está claro si Farnsworth sabía que Hanks sería que específico. Aunque ya se había retirado de la enseñanza, el clima de la época no era el que más aceptaba a las personas homosexuales.

Este escenario se registró con el productor Scott Rudin, quien había visto cómo se desarrollaba el momento de los Oscar. El artículo de EW continúa diciendo que Rudin aprovechó este momento para producir la comedia «In & Out», protagonizada por Matt Dillon como un actor que revela a su maestro gay durante su discurso de aceptación del premio, lo que demuestra cuán poderosa es realmente la influencia de Hanks. .

La voz de su hermano está en la mercancía de Woody.

Jim Hanks en el estreno de 'Toy Story 2'Featureflash Photo Agency/Shutterstock

«Hay una serpiente en mis botas». No hay muchas personas, tanto niños como adultos, que no reconozcan esa famosa cita de Woody de «Toy Story» y sonrían cuando la escuchan. Y si te estás preguntando cómo Tom Hanks tiene tiempo para ser actor, director, guionista y dar voz a todos los juguetes, juegos y merchandising de sus películas… no lo tiene. Según Digital Spy, la voz de Woody para toda la mercancía en realidad pertenece al hermano de Tom, Jim Hanks, quien también expresó a Woody en «Lamp Life», un cortometraje de «Toy Story».

Cuando Tom estaba en «The Graham Norton Show» en 2011, Norton sacó uno de los muñecos de Woody, tiró de la cuerda y le preguntó directamente al actor si esa era su voz. Divertido, Tom admitió que era su hermano Jim, a lo que Norton respondió que había pensado que era un mito urbano. Tom explicó que sus voces eran muy similares y que tenía sentido, y agregó: «Hay tantos juegos de computadora y cosas de video y Jim simplemente trabaja en eso todo el año».

El doblaje de Jim de los personajes de Tom tampoco está relegado a Woody. También tiene un crédito de IMDb por el videojuego «The Polar Express», en el que expresa al conductor, Santa y Hobo, todos los roles interpretados por Tom en la película original.

Tom Hanks ha interpretado a un capitán seis veces

Tom Hanks y el capitán Sullenberger en LondresImágenes de Dave J Hogan/Getty

Quién sabía cuando Tom Hanks proclamó: «Houston, tenemos un problema», como el Capitán Jim Lovell del Apolo 13, no sería la única vez que interpretaría a un capitán. De hecho, Hanks ha desempeñado el papel de capitán al menos seis veces, hasta el momento de escribir este artículo.

En la película de guerra de 1998 «Salvando al soldado Ryan», Hanks interpretó al Capitán Miller, quien valientemente se sacrificó para ayudar a salvar a sus hombres. Su próxima oportunidad de deslizarse en la silla del capitán llegó en 2013 como Capitán Phillips en la película del mismo nombre. «Capitán Phillips» es la historia de la vida real de un marino mercante cuyo barco fue tomado por piratas somalíes que lo retuvieron como rehén. Hanks le dijo a ABC News sobre la filmación: «Fue aterrador y sabíamos que era falso». Y por su valentía, así como por su talento, recibió una nominación al Premio de la Academia a Mejor Actor, tal como lo hizo por interpretar al Capitán Miller en «Salvando al soldado Ryan».

En 2013, Hanks asumiría el papel de otro capitán de la vida real: Chesley «Sully» Sullenberger. Dirigida por Clint Eastwood, «Sully» cubre los desgarradores eventos del Capitán Sullenberger haciendo un aterrizaje de emergencia en el río Hudson y las traumáticas secuelas que tuvo en el piloto. Los últimos papeles de capitán de Hanks llegaron en 2020, como el Capitán Kraus en «Greyhound» y el Capitán Kidd en «News of the World». En un ligero cambio de ritmo, Hanks también interpretó a un coronel, el coronel Tom Parker, en la película «Elvis».

Su anuncio de Happy Days lo llevó a su papel en Splash.

Daryl Hannah y Tom Hanks en 'Splash'Imágenes de Disney Plus/Touchstone

Cuando Tom Hanks fue elegido para un papel de invitado en 1982 en la popular serie de televisión «Happy Days», probablemente no previó el encuentro fortuito que lanzaría su carrera al siguiente nivel de éxito. De hecho, incluso el ícono visionario Ron Howard, quien protagonizó «Happy Days», no tenía mucha fe en que Hanks obtuviera el papel principal en cuestión.

Según USA Today, Lowell Ganz y Babaloo Mandel, quienes escribieron «Splash» (una película de 1984 sobre un hombre que conoce a una sirena), también estaban asesorando sobre «Happy Days» en el momento en que Hanks estaba filmando su papel como invitado. Aunque Hanks estaba interpretando a un matón, pensaron que sería genial como el personaje de «todos los hombres» Allen Bauer para su nueva película. Howard, quien dirigía la película, recordó a Us Weekly, «Hanks no tuvo ninguna posibilidad en el infierno». Howard sintió que los ejecutivos del estudio no le darían luz verde. Pero según Mandel, «Tom entró y voló las puertas del antro. Fue tremendamente divertido».

Por supuesto, «Splash» fue un éxito, y el resto, como dicen, es historia. Hanks se vio impulsado a una serie de papeles protagónicos, como «El hombre del zapato rojo», «Grande», «Turner & Hooch» y «Joe contra el volcán», en los que interpreta a un hombre sin pretensiones en una situación aparentemente imposible. situación.

Es el segundo actor en ganar premios Oscar consecutivos.

Tom Hanks en los Premios de la Academia de 1995Imágenes de John T. Barr/Getty

Si eres fanático de los deportes, sabes lo raro que es ganar campeonatos consecutivos. Es aún más raro ganar premios Oscar consecutivos, ¿y si estamos hablando del Premio de la Academia al Mejor Actor? ¡Solo ha habido dos! Bueno, en realidad cuatro en el actor principal: dos mujeres y dos hombres. Pero dado que todavía son categorías separadas, concentrémonos en Mejor actor.

El primer actor masculino en ganar el honor fue Spencer Tracy. Ganó por «Captains Courageous» en 1937 y «Boys Town» en 1938. «Tracy era mejor conocido por interpretar personajes fundamentalmente decentes cuya sabiduría innata ganó el día a pesar de los defectos externos», señaló Variety. ¿Suena familiar?

Dado que habían pasado más de cinco décadas desde las victorias consecutivas de Tracy, fue un logro increíble para Hanks cuando ganó el premio al Mejor Actor dos veces seguidas: por «Philadelphia» de 1993 y «Forrest Gump» de 1994. En 1999 y 2001, recibió nominaciones al Oscar como Mejor Actor por «Salvar al soldado Ryan» y «Náufrago», respectivamente, pero luego vería una racha seca de casi 20 años en los que no fue nominado por la Academia por su actuación. Un artículo de Indiewire de 2019 examinó la situación y descubrió varios motivos de la brecha. Una fue sus victorias consecutivas, y que el listón se hizo más alto después de ellas. Insiders también creía que Hanks respetaba el honor de sus victorias y simplemente no hizo una campaña agresiva para sus otras nominaciones en los años siguientes.

Tom Hanks recibió la Medalla Presidencial de la Libertad

Tom Hanks y el presidente Barack Obama en 2016Chip Somodevilla/Getty Images

¿Qué tienen en común Bill y Melinda Gates, Kareem Abdul-Jabbar, Vin Scully y Tom Hanks? Todos ellos han recibido la Medalla Presidencial de la Libertad de 2016.

Considerado el premio civil más alto, la Medalla de la Libertad fue establecida en 1945 por Harry S. Truman y estaba destinada a honrar las acciones de los civiles durante la Segunda Guerra Mundial. En 1963, el presidente John F. Kennedy estableció el honor como lo conocemos hoy. Según los Archivos de la Casa Blanca, la Medalla Presidencial de la Libertad se «presenta a personas que han realizado contribuciones especialmente meritorias a la seguridad o los intereses nacionales de los Estados Unidos, a la paz mundial o a la cultura u otros esfuerzos públicos o privados significativos».

Sin duda, Tom Hanks ha contribuido a los esfuerzos culturales del mundo, brindando risas, inspiración y perspicacia a través de su interpretación de personas ficticias y reales. En el anuncio oficial, el presidente Barack Obama dijo: «La Medalla Presidencial de la Libertad no es solo el mayor honor civil de nuestra nación, es un tributo a la idea de que todos nosotros, sin importar de dónde vengamos, tenemos la oportunidad de cambiar este país». para el mejor.» Hanks fue seleccionado (según el anuncio) debido a la «marca indeleble» que dejó en el cine estadounidense y su trabajo como defensor. «Hanks ha abogado por la justicia social y ambiental, y por nuestros veteranos y sus familias». Después de recibir su medalla, Hanks declaró: «Este es un gran momento increíble para toda la familia Hanks».

Es fanático de los actos de bondad al azar.

Identificación de estudiante Tom Hanks encontrada en el parqueGorjeo

Puede haber otra razón para amar a Tom Hanks en las películas y la televisión, y no tiene nada que ver con la actuación. Por lo general, Hanks interpreta a alguien agradable, tal vez un héroe poco probable, un Joe común que salva el día en algún sentido. Y es muy posible que esas cualidades existan en Hanks el hombre, por lo que no son muy difíciles de representar para Hanks en la pantalla.

Con su reputación de ser un buen tipo durante toda su carrera, sería difícil encontrar mala publicidad sobre el hombre. Por el contrario, hay innumerables historias de cosas amables que Hanks ha hecho por sus fans y otros. Por ejemplo, The New York Times mencionó un caso en el que el rodaje de «Ángeles y demonios» provocó que se retrasara una boda porque la novia no podía llegar a la capilla. Como tal, Hanks dejó de filmar y la acompañó a ella y a su padre al altar.

Time detalló más de estos actos, incluido el momento en que Hanks recibió una solicitud por correo para una foto en la cabeza y respondió con una nota escrita a máquina y una Polaroid de los 90 de sí mismo. En 2015, Hanks encontró la identificación de un estudiante de la Universidad de Fordham en el parque y la publicó en Gorjeo al respecto, escribiendo: «¡Lauren! Encontré tu identificación de estudiante en el parque. Si aún la necesitas, mi oficina se comunicará contigo. Hanx». Otro ejemplo: cuando conoció a Sarah Moretti, una fan con autismo, exudaba amabilidad y decía: «Cariño, qué maravilloso es conocerte».

Los mejores amigos del actor con otros famosos

Tom Hanks y Bruce Springsteen en el Festival de Cine de TribecaKevin Mazur/Getty Images

Cuando eres el hombre más confiable de Estados Unidos y súper amable, seguramente tendrás muchas «solicitudes de amistad». Y con Tom Hanks y Rita Wilson formando una de las uniones más dulces y sólidas de Hollywood, son la cita doble perfecta entre celebridades. Ahora, algunos de estos podrían ser un escenario de huevo o gallina (¿trabajaron juntos porque eran amigos o se hicieron amigos porque trabajaron juntos?) pero de cualquier manera, el resultado ha sido una amistad duradera.

Por ejemplo, formó un vínculo con Bruce Springsteen en 1993 después de que protagonizó «Philadelphia», que presentaba la canción de Springsteen «Streets of Philadelphia», según el Correo diario. En 2012, se vio al cuarteto pasar un gran momento juntos después del estreno de «Inventing David Geffen». En 2017, Personas informó sobre una excursión secreta que Oprah tomó en el yate de David Geffen con Hanks, Springsteen, Michelle y Barack Obama. Hanks le derramó el té a Stephen Colbert sobre la salida y dijo: «Mira, imagina cómo podría haber sido, triplícalo. Estuvo fuera de escala, fantástico».

También se sabe que la pareja es amiga de George Clooney, Sally Field, Kurt Russel, Goldie Hawn y Tim Allen. También era muy cercano al difunto Peter Scolari, su coprotagonista en «Bosom Buddies», con quien se reunió en «That Thing You Do!». Scolari murió en 2021, y Hanks recordó sus buenos momentos en el programa durante una aparición como invitado en Jimmy Kimmel Live.

Tom Hanks filmó su primer western en 2020

Tom Hanks y Helena Zengel en 'Noticias del Mundo'HBO/Universal Pictures

Con la larga y variada lista de créditos que tiene Tom Hanks en IMDb, uno pensaría que habría hecho un western antes de 2020, y no, «Toy Story» no cuenta. Y aunque algunos podrían pensar que uno de sus papeles en «Cloud Atlas» podría encajar en el período de tiempo, la película no se consideró un western en sí. Esto significa que «News of the World» de 2020, ambientada cinco años después del final de la Guerra Civil, fue la primera película de Hanks en el género occidental. En la película, Hanks interpreta a un veterano de guerra que acompaña a un niño a través de Texas. En el camino, lee artículos de periódicos a la gente, cobrándoles $0.10. De su personaje, Hanks le dijo a «Today», «Captain Kidd es como el podcaster original».

Pero no te preocupes; Tan tímido y suave como suena, Hanks llega a experimentar algunos de los pasatiempos occidentales tradicionales, como empuñar un arma detrás de una roca y montar a caballo. ¿Cómo se siente acerca de finalmente meterse en un western? «Me encanta la silla de montar, me encanta el caballo y me encanta estar al aire libre», le dijo a Savannah Guthrie.

Hanks también explicó por qué le tomó tanto tiempo ponerse un sombrero de ala ancha. Durante un evento de prensa para la película (a través de CinemaBlend), Hanks respondió que los westerns ya no se hacen con tanta frecuencia, antes de elaborar: «La película de ciencia ficción realmente ha eliminado el concepto del western. Blasters y sables de luz en lugar de arcos y flechas. y seis pistolas».

Tiene un patrimonio neto impresionante.

Tom Hanks en 'Forrest Gump'Estudios Netflix/Paramount Pictures

Con más de 40 años en la industria del cine, Tom Hanks ha amasado una fortuna. Según Celebrity Net Worth, Hanks tiene unos impresionantes 400 millones de dólares en el banco. Sin embargo, ese número no es realmente sorprendente debido a su extraordinario éxito de taquilla.

Durante la mayor parte de su carrera, Hanks ha sido uno de los actores mejor pagados en algunas de las películas más taquilleras de todos los tiempos. A lo largo de la década de 1990, las películas de Hanks fueron las segundas más taquilleras en la taquilla nacional ajustada, solo después de Samuel L. Jackson, según Ultimate Movie Rankings. Con el estreno de «Forrest Gump», se clasificó como el que más gana en una sola producción, debido en gran parte a que renunció a su salario de 7 millones de dólares a cambio de una mayor participación en las ganancias de la película. Esa decisión se produjo cuando él y el director Robert Zemeckis tuvieron que pagar la factura de algunas escenas que el estudio se negó a pagar. Y la apuesta pareció dar sus frutos, ya que ganó la friolera de $ 65 millones solo con esa película, informó Celebrity Net Worth. Un gran salto desde el salario que obtuvo de «Splash», que fue de solo $ 70,000.

Solo le tomó al actor cuatro años después de «Splash» alcanzar la marca del millón por su salario, cuando ganó $1.75 millones por la película «Big». Diez años después, recaudó 40 millones de dólares por «Salvar al soldado Ryan». Agregue a eso sus créditos de producción ejecutiva y escritura, y es seguro decir que Hanks está viviendo la gran vida.

Lo que no sabías de Eiza González

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Eiza GonzálezImágenes de Jon Kopaloff/Getty

Eiza González es una actriz de múltiples talentos que obtuvo su primer papel destacado en la telenovela musical mexicana, «Lola, érase una vez». La estrella de «Godzilla vs. Kong» tenía solo 13 años cuando se convirtió en el centro de atención, lo que finalmente allanó el camino hacia una carrera versátil en Hollywood.

Pero su transición de ser una actriz de telenovelas en México a una estrella de Hollywood no fue precisamente fácil. De acuerdo con una entrevista que la actriz de «Baby Driver» le dio a Coveteur, con frecuencia se la metió en papeles que encarnaban representaciones estereotipadas ofensivas de mujeres latinas. Como resultado de los desafíos que enfrentó al comienzo de su carrera, González ha compartido que se esfuerza por ser un modelo a seguir para las latinas y está decidida a romper el molde en Hollywood en lo que respecta a los estereotipos latinos. «Todo lo que me importa es representar a las mujeres latinas de una manera en la que se sientan orgullosas», reveló a ET.

Últimamente, la estrella ha estado arrasando en su carrera como actriz, asumiendo papeles en películas como «Me importa mucho» y «Ambulancia», y en la serie de televisión «Extrapolaciones». Pero la actriz pasó por muchos altibajos para llegar a donde está hoy. Sin más preámbulos, echemos un vistazo más de cerca a la verdad no contada de Eiza González.

Su padre murió en un accidente de moto cuando ella tenía apenas 12 años.

Eiza GonzálezTommaso Boddi/Getty Images

Eiza González era muy cercana a su padre, lo que hizo que todo fuera aún más desgarrador cuando él murió en un trágico accidente de motocicleta cuando ella tenía solo 12 años. Según ¡Hola!, ella todavía lucha con su muerte. En una entrevista con Justin Long en su podcast «La vida es corta», González dijo que los medios artísticos pudieron ayudarla a sobrellevar la prematura muerte de su padre. Ella le dijo a Long que comenzó a hacer musicales en la escuela y fue elegida como Rizzo en la producción de «Grease» de su escuela secundaria. Ella reveló que el papel la ayudó a decidir qué quería hacer con el resto de su vida.

«Mi mamá comenzó a ponerme en todas estas clases extracurriculares, y una de ellas era teatro musical», le dijo a Long. Dijo que su madre trató de mantenerla preocupada con actividades externas para que no estuviera tan deprimida. Y aunque la muerte de su padre todavía es algo con lo que tiene que lidiar, la tragedia finalmente le permitió encontrar una salida dentro de las artes escénicas.

Después de interpretar a Rizzo, le dijo a su madre que quería dedicarse a la actuación para ganarse la vida. Su mamá, que solo quería que su hija fuera feliz en esos momentos difíciles, estaba dispuesta a hacer lo que fuera necesario para apoyar los sueños de González. ¡Ahora mira dónde la llevó!

Ser un niño actor representó un desafío para ella.

Eiza GonzálezFeatureflash Photo Agency/Shutterstock

Aunque Eiza González siguió con éxito sus sueños, convirtiéndose en una estrella de telenovelas con solo 13 años, el trabajo no fue tan glamoroso como ella esperaba. Según el actor, ser expuesta al ojo público les dio a todos permiso para examinarla, y de repente todos desarrollaron sus propias opiniones sobre ella que no siempre fueron positivas. Debido a su corta edad, no sabía cómo manejar toda la negatividad. «No estaba lista», le dijo a Justin Long en su podcast «Life is Short». «Todo el mundo tenía una opinión sobre mí. Si era bueno, no bueno. Talentoso, no talentoso. Bonito, no bonito».

La negatividad que enfrentó del público la llevó a tomar una gran decisión sobre su futuro. González dijo que se dio cuenta de que nunca quiere que sus futuros hijos sigan sus pasos, porque no quiere que tengan que pasar por el mismo dolor. «Eso hace que nunca quiera tener hijos en la industria», le confesó a Long.

El ridículo al que se enfrentó González la ha llevado a convertirse en una activista anti-bullying. Actualmente, con más de 7,5 millones de seguidores en Instagram, ha usado su voz para inspirar a las personas a poner fin al acoso. «La vergüenza corporal, la vergüenza de las putas y, básicamente, cualquier forma de intimidación es simplemente patética. Difunde amabilidad. #STOPBULLYING ¡Envía algo bueno a alguien en mis comentarios! Crea un entorno saludable en línea y en el día a día», escribió una vez en parte, por Marie Claire.

Eiza González desarrolló ‘depresión severa’, lo que la llevó a comer compulsivamente

Eiza GonzálezImágenes de Ciudad Gótica/Getty

Tras la muerte de su padre, Eiza González dice que cayó en una profunda depresión. Para sobrellevar su pérdida, la ex estrella de telenovelas confiesa que desarrolló problemas de alimentación compulsiva, lo que la llevó a ganar una cantidad importante de peso. «Gané una cantidad agresiva de peso debido a la depresión porque pasé por [age] De 12 a 13 comiendo”, le dijo a Justin Long en su podcast “Life is Short”. “Empecé a comer compulsivamente”.

Como reveló a Instagram a través del Daily Mail, González dice que su depresión duró más de cinco años. Eventualmente, pudo desarrollar una relación más saludable con la comida y ahora come una dieta basada en plantas, según Elle Australia.

Lamentablemente, sus luchas con la alimentación compulsiva (que dice que lidió hasta los 20 años) llevaron a la actriz a ser avergonzada por las masas. «La gente lo haría todo el tiempo», le dice a Long sobre la vergüenza corporal. «La prensa lo hacía todo el tiempo, y nadie llamaba a la prensa por hacer eso. Así que cada vez era… era extraño».

Ella también tiene una carrera musical.

Eiza GonzálezImágenes de Jon Kopaloff/Getty

Incluso los grandes fanáticos de Eiza González pueden no saber que ella es más que una actriz, ¡también es una sensación del canto! Según Discogs, tiene dos exitosos álbumes en su haber, «Contracorriente» y «Te Acordarás De Mí». Como reveló González en el podcast de Justin Long, «La vida es corta», se convirtió en cantante mucho antes de convertirse en actriz, y el canto en realidad la llevó a la actuación. «Cantar fue mi primer amor», reveló. «Yo cantaba mucho en la casa».

González dijo que su padre se dio cuenta de su amor por la música y que los dos se unirían en varios álbumes. Su padre, que era muy versado en el mundo de la música, le presentaba una amplia gama de artistas y ella le dijo a Long que, gracias a su padre, se enamoró de la música de los años 60, 70, y los años 80.

El video musical de una de sus canciones más exitosas, «Te Acordarás De Mi», obtuvo más de 56 millones de visitas en Youtube, por lo que claramente, la actuación no es lo único en lo que es hábil.

El actor puede hablar varios idiomas.

Eiza GonzálezImágenes de Anthony Harvey/Getty

Eiza González es más que una actriz experimentada y una sensación del canto. ¡También puede hablar varios idiomas!

La estrella de «Fast & Furious presenta: Hobbs & Shaw» reveló en una conversación de 2017 con Interview que puede hablar una multitud de idiomas. «Hablo italiano y un poco de francés», reveló. «Me mudé a Trento, Italia, cuando tenía alrededor de 10 años para aprender italiano. Tengo familia allí. Estoy tratando de reiniciar mi francés. Y luego quiero aprender mandarín».

Desafortunadamente, su uso frecuente del inglés en sus plataformas públicas ha molestado a algunos de los fanáticos de habla hispana de González. La actriz, que ha realizado varias publicaciones en Instagram utilizando subtítulos en inglés, ha enfrentado acusaciones de un buen número de personas por no aceptar su cultura de origen. González tomó la iniciativa de responder a estos comentarios, alegando que la gente solo buscaba razones para acosarla. “No entiendo esto de que porque escribo en un idioma global me siento menos mexicana. Es solo buscar excusas para criticar, esa es mi opinión”, respondió, según People.

Ha salido con algunas personas increíbles de alto perfil en el pasado.

Eiza GonzálezImágenes de Theo Wargo/Getty

Después de enterarse de su historial de citas, ¡muchos probablemente matarían por estar en los zapatos de Eiza González! La estrella de «Lola, érase una vez» ha salido con algunas bellezas importantes, desde Timothée Chalamet hasta Liam Hemsworth y Josh Duhamel, según Ranker.

Pero a pesar de salir con algunos hombres increíblemente famosos, según los informes, González insiste en mantener su vida romántica lo más privada posible. Ella reveló en una entrevista con Coveteur que preferiría ser conocida por sus papeles de actuación y música que por su vida personal. Debido a que ha estado en el ojo público durante más de la mitad de su vida, desde que tenía solo 13 años, es comprensible que prefiera mantener algunas cosas cerca de su pecho.

«Cuando se trata de mi vida, y específicamente de mi vida amorosa, probablemente me quede callado al respecto. Soy un verdadero creyente de que no puedes abrir la puerta y luego pedirles que no intervengan. O tienes elegir un lado o el otro, lamentablemente», le dijo a Coveteur. Continuó diciendo que los medios a menudo publican informes sobre su relación con alguien con quien simplemente está cerca. Debido a todos los chismes y rumores, González dijo que preferiría guardar ese aspecto de su vida para sí misma. ¡Lo entendemos totalmente!

Según los informes, Eiza González actualmente está saliendo con Jason Momoa

Eiza GonzálezImágenes de Jon Kopaloff/Getty

Aunque le gusta mantener tranquila su vida personal, Eiza González ha estado saliendo con algunas personas de alto perfil, más recientemente, la estrella de «Aquaman» Jason Momoa.

Si bien ninguno de los actores ha confirmado oficialmente la relación, fuentes cercanas a Momoa afirman que los dos supuestamente están en una relación. (Tal vez le gustan los actores de «Dune», porque anteriormente estuvo vinculada con el coprotagonista de Momoa en la película, Timothée Chalamet). -llave con González. Como informó Us Weekly, «Eiza y Jason están saliendo, es muy casual», reveló una fuente a la publicación. «Pero se divierten y se conocen. Desde que se conocieron, ha habido una atracción. Ambos se sienten muy atraídos el uno por el otro y están viendo a dónde van las cosas».

Su deseo de querer mantener las cosas en secreto es comprensible, teniendo en cuenta que el actor de «Juego de tronos» acaba de salir de una relación de dieciséis años con Bonet. En una declaración de Instagram ahora eliminada, Momoa escribió que el amor entre los ex cónyuges continúa existiendo, solo está evolucionando hacia algo nuevo. Como informó Cosmopolitan, Momoa y Bonet se conocieron en 2005 en un club de jazz y comparten dos hijos, según Personas.

Ella tiene una gran relación que rompe el trato.

Eiza GonzálezImágenes de Waytao Shing/Getty

Eiza González ha salido con algunos de los solteros más cotizados de Hollywood. Desde rompecorazones como Timothée Chalamet (según Vogue) hasta el guapo Jason Momoa, claramente se está divirtiendo con algunos de los hombres más buscados del mundo del espectáculo. Dicho esto, ella tiene un gran factor decisivo para sus novios. Mientras se sentaba con Kelly Clarkson en «The Kelly Clarkson Show», el actor habló con el presentador sobre los mayores errores que tiene cuando se trata de su elección de parejas románticas.

Antes de entrar en materia, González le dijo a Clarkson que definitivamente planea casarse en algún momento, por lo que no quiere advertir a posibles pretendientes siendo demasiado exigente en la televisión nacional. Pero según el actor, lo único que realmente la desanima cuando se trata de su vida amorosa son las parejas desordenadas. De hecho, está tan interesada en tener una pareja que se preocupe por mantener las cosas impecablemente limpias que desearía que hubiera una aplicación de citas en la que las personas pudieran enumerar si son o no haraganas. «Eso es algo muy importante para mí», confesó. «Sería bueno saber de antemano, porque eso es un gran factor decisivo para mí. Ya sabes, estás en la relación, y luego comienzan a vivir juntos, y luego dices, ‘¡oh, guau!’ »

Jason Momoa, si estás leyendo esto, ¡toma nota!

Eiza González aún siente profundas inseguridades a pesar de su éxito

Eiza GonzálezAlbert L. Ortega/Getty Images

Eiza González es increíblemente talentosa, hermosa y exitosa. Pero a pesar de su racha ganadora, la actriz admite que todavía siente profundas inseguridades sobre su estrellato. Ella lucha con la noción de que toda su fama y fortuna son «demasiado buenas para ser verdad» y que pronto todo se desvanecerá. “Tuve una conversación con mi mamá. Hace dos días, ella estaba conmigo en el set de ‘Hobbs & Shaw’. Me senté con ella, la miré y dije: ‘Tengo miedo'», confesó a ET. «Y ella dijo: ‘¿Qué quieres decir?’ Yo estaba como, ‘¿Tengo miedo de que esto sea el final?’ Sigo siendo una mujer. Sigo siendo insegura y temo cuando dices: ‘¡Esto es demasiado bueno para ser verdad!'».

González continuó, admitiendo que siente cierta presión por ser un modelo a seguir, especialmente para las latinas. Dijo que quería enorgullecer a sus fans, pero que no siempre es fácil porque, después de todo, sigue siendo humana. Afortunadamente, compartió que su madre la ayudó a darse cuenta de que ser un modelo a seguir solo significa ser una persona decente. Ella no tiene que ser perfecta, siempre y cuando sea amable.

Y si bien González admite tener inseguridades, también se esfuerza por participar en actos de amor propio. Según el Daily Mail, la estrella de «Godzilla vs. Kong» incluso se hizo un tatuaje dedicado al amor propio, por el artista Winterstone.

La estrella de telenovelas ha lidiado con polémicas de su pasado

Eiza GonzálezTinseltown/Shutterstock

Eiza González enfrentó una ola de reacciones violentas en 2021 cuando fue acusada de usar la cara pintada de negro. La polémica comenzó luego de que se hicieran públicas fotos de González y Timothée Chalamet besándose. Después de que un usuario de Twitter comentara sobre su historial con el uso de la cara negra, González comenzó a ser tendencia. «Así que Timothée aparentemente está pasando el rato y besando a Eiza González en Cabo… se ha puesto la cara negra y se apropia culturalmente sin disculparse», tuiteó una persona (a través de Us Weekly). «Lo siento, pero no es eso. Timothée, ¿qué estás haciendo, lauv?»

La actriz usó la cara negra como parte de un disfraz de «Lola, érase una vez» cuando tenía 15 años. Según González, estaba obligada por contrato a ponerse el maquillaje ofensivo, a pesar de sentirse incómoda con él en ese momento. En un comunicado a E! News, expresó su remordimiento: «Estoy profundamente arrepentida y avergonzada de haber usado el maquillaje de cara negra que se muestra en las imágenes que circulan. Como un actor infantil de 15 años en mi primer trabajo en una telenovela mexicana… No podría abogar por en la situación. Desearía tener la voz y el conocimiento que tengo ahora».

También recibió una reacción violenta por apropiación cultural cuando lució ropa y maquillaje de Geisha durante un viaje a Japón. Ella le dijo a E! News que estaba intentando mostrar admiración por la cultura, pero que entendía cómo podía percibirse como ofensiva sin contexto.

La trágica muerte de su coprotagonista y gran amigo Octavio Ocaña

Octavio OcañaMedios Y Media/Getty Images

Perder a un amigo cercano nunca es fácil, y Eiza González puede dar fe de ello. En 2021, su ex coprotagonista y confidente Octavio Ocaña murió trágicamente con solo 22 años.

Ocaña fue compañera de reparto de González en «Lola, érase una vez», desde 2007, según ¡Hola! Se informa que el actor murió a causa de una herida de bala en la cabeza que supuestamente recibió a manos de un oficial de policía después de que una parada de tráfico salió mal. Según los informes, el trágico incidente hizo que González se sintiera triste y confundida, ya que estaba increíblemente conmocionada por la repentina muerte de su amiga.

El actor de «Baby Driver» recurrió a las redes sociales para llorar la pérdida de Ocaña. en un emotivo Píoescribió (traducido del español), «He estado tratando de digerir las terribles noticias sobre Octavio durante varios días. Quiero compartir que mi tiempo con él en Lola fue increíblemente especial ya que él y yo pasamos bastante tiempo juntos . Incluyendo a su familia. Estoy lleno de tristeza por lo que pasó y todavía no puedo aceptarlo».

¿Cuál es el patrimonio neto de Eiza González?

Eiza GonzálezKathy Hutchins/Shutterstock

Eiza González ha estado recibiendo fuertes cheques de pago desde que apenas tenía edad para usar aparatos ortopédicos. Teniendo en cuenta el hecho de que la estrella ha estado trabajando en el mundo del espectáculo desde que tenía 13 años, es justo suponer que ha ahorrado una cantidad decente de dinero en los más de 15 años que ha estado trabajando frente a la cámara.

Según Celebrity Net Worth, se estima que el actor vale $ 5 millones. Pero, según los informes, González no solo está contenta con dejar que su dinero permanezca en una cuenta bancaria, ya que cree que es increíblemente importante usar su plataforma como una red positiva, creando conciencia sobre varias causas.

Según People, a González le encanta retribuir y aumentó su activismo durante la pandemia de COVID-19, enfocándose en apoyar a las empresas locales que sufrieron como resultado de la situación global. «Hago DM con mis fanáticos activamente, y le he estado pidiendo a las personas que me envíen DM o que me envíen cualquier tipo de negocios locales para retuitear y asegurarme de que otras personas puedan ver», le dijo a People. «No solo mis fanáticos, sino todo tipo de personas y empresas, y ser conscientes de que es importante ayudar a los locales en este momento tanto como podamos. Para eso es para lo que me gusta usar mis redes sociales: para crear conciencia. «

Estrellas de los hechos de la vida que no sabías murieron

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Elenco de 'The Facts of Life' posandoEdición interior/YouTube

Para aquellos que son demasiado jóvenes para recordar «The Facts of Life», piensen en «The Breakfast Club» y «Mean Girls», pero con mucho menos filo. De acuerdo, la comedia de situación de finales de los 70 precedió a esas comparaciones más cinematográficas, pero fue perfecta en una era en la que Joe y Jane Wholesome exigían comida familiar que presentaba hogares con césped artificial y crías recién barnizadas. Emitido por primera vez en 1979 y con una duración de nueve temporadas, «The Facts of Life» fue un derivado de la inmensamente popular «Diff’rent Strokes» y trataba sobre uno de sus personajes principales, Edna Garrett (Charlotte Rae), que dirigía un dormitorio de un internado para niñas con un grupo de inquilinas precoces. Si bien el programa abordó con frecuencia temas orientados a la juventud, desde la posesión de drogas y el alcoholismo hasta los derechos de los homosexuales y la agresión sexual, los tratamientos parecían ligeros según los estándares actuales. Después de todo, todavía era una comedia de situación que involucraba a adolescentes, aunque tenía una clasificación PG.

Si bien el programa tuvo papeles recurrentes desarrollados por estrellas emergentes como George Clooney y Molly Ringwald, también incluyó personajes destacados y estrellas invitadas fundamentales interpretadas por luminarias que ya no están con nosotros. Eso incluye algunos pesos pesados ​​de Hollywood detrás de la cámara, como Alan Thicke (mejor conocido como el patriarca en «Growing Pains»), quien escribió el tema principal del programa. Thicke, quien también compuso para programas de juegos como «The Joker Is Wild» y «The Wizard of Odds», murió en 2016 de un ataque al corazón a los 69 años. Lamentablemente, está lejos de ser la única persona involucrada en «The Facts of Life» que tiene murió.

Roberto Alda (1914-1986)

Robert Alda interpretando a un médicoMeTV/YouTube

Si bien la mayoría de las audiencias televisivas estarían familiarizadas con Alan Alda, más conocido como Benjamin «Hawkeye» Pierce en la profunda comedia de situaciones de guerra «M*A*S*H», su padre, Robert Alda, tampoco se quedó atrás en el departamento de actuación. Robert se distinguió por primera vez en su debut cinematográfico como el compositor George Gershwin en el clásico de 1945, «Rhapsody In Blue», y en Broadway como el jugador imprudente Sky Masterson en la producción original de «Guys and Dolls» en 1950. Esa experiencia frente a un audiencia le dio las habilidades para abordar espectáculos de teatro televisados ​​en vivo durante los años 50 en programas como «The Gulf Playhouse», «Lux Video Theatre» y «Playhouse 90». Obtuvo suficientes credenciales para protagonizar un programa que lleva su nombre, así como una serie dramática de corta duración llamada «Secret File: USA», ambas en 1955.

Su éxito se contagió a su hijo Alan, con quien hizo un dúo en las presentaciones de Abbott y Costello. Cuando su hijo quiso dedicarse a la actuación a tiempo completo, su padre se aseguró de que primero terminara sus estudios de teatro en la Universidad de Fordham. «Y luego estuvo listo», dijo Robert sobre su hijo, según Los Angeles Times. Los dos trabajaban juntos periódicamente, incluso en «M*A*S*H», donde Robert apareció en dos episodios, interpretando al cirujano visitante Dr. Anthony Borelli. Tuvo una aparición fundamental en «The Facts of Life», interpretando al exmarido de Edna Garrett que quiere volver a casarse con ella, hasta que descubre que enseña a apostar a las niñas del internado. Robert murió a los 72 años por complicaciones de un derrame cerebral.

Conrado Bain (1923-2013)

Conrad Bain estoicoFrank Micelotta/Getty Images

El actor canadiense Conrad Bain será recordado por siempre y con cariño por sus admiradores por su interpretación de Phillip Drummond, el hombre de negocios de gran corazón que adopta a dos niños de Harlem en la comedia de situación de los años 70 «Diff’rent Strokes». No es que al actor, que no logró el éxito en la actuación hasta los 50 años, le hubiera importado. Después de todo, fue un papel bastante auspicioso, uno que repitió en el debut de la serie «The Facts of Life», así como en un episodio de «The Fresh Prince of Bel-Air» más de una década después, que también significaría la última aparición en televisión que haría en su carrera.

Bain consiguió su primer papel televisivo como el Dr. Charles Weldon en la telenovela de 1956, «The Edge of Night». Obtuvo otro papel recurrente como recepcionista de hotel en los años 60 en el drama diurno gótico «Dark Shadows: The Vampire Curse», seguido de cameos en un puñado de especiales hechos para televisión. En 1972, obtuvo un papel de personaje más memorable como el Dr. Arthur Harmon en la comedia política «Maude». Cuando «Maude» terminó su carrera en 1978, Bain ya estaba posicionado para protagonizar «Diff’rent Strokes», que se estrenó más tarde ese otoño. Según los informes, Bain murió por causas naturales a los 89 años. «Era una persona increíble», dijo la hija de Bain, Jennifer, a TMZ, que reveló la historia de la muerte del actor. «Era muy parecido al Sr. Drummond, pero mucho más interesante en la vida real. Era un padre increíble».

Frijol Orson (1928-2020)

Orson Bean inclinadoKathy Hutchins/Shutterstock

Para alguien mejor conocido como un gigante del entretenimiento en la televisión en la década de 1950, Orson Bean demostró una gran longevidad en el oficio. Antes, cuando la televisión todavía estaba tratando de encontrar sus piernas para cautivar a una audiencia embrionaria, Bean estaba justo en el meollo de las cosas, como cómico para un concierto, mago para otra temporada y cualquier otra cosa que pudiera surgir. «La gente no debería entrar en el mundo del espectáculo porque quiere convertirse en estrella o hacerse rica», dijo a Los Angeles Times. «Deberían involucrarse porque no pueden evitar hacer un espectáculo». Esas empresas incluyeron numerosas temporadas en Broadway, aplicando su ingenio a programas de juegos pioneros como «¿Cuál es mi línea?» y «Tengo un secreto», y apariciones en programas destacados desde «The Tonight Show» hasta «The Ed Sullivan Show».

Incluso después de esos días de gloria, Bean siguió siendo prolífico, apareciendo en «Love, American Style», «The Love Boat» y tres episodios de «The Facts of Life», en los que interpretó a Oliver Thompson, un interés amoroso de la ama de casa Beverly Anne. Stickle. Incluso recibió un Grammy por la banda sonora de una versión animada de los años 70 de «El Hobbit», donde expresó a Bilbo Bolsón. Siguieron papeles posteriores en programas como «Two And A Half Men», «Superstore» y «Desperate Housewives», hasta que la mujer de 91 años murió en un accidente automovilístico peatonal en Venice, California. «Para todos los que lo conocieron, Orson deja un legado de amor, verdadera amistad y trabajo poderoso», dijo su agencia, según Deadline.

Gary Coleman (1968-2010)

Gary Coleman radianteBart Sherkow/Shutterstock

Cuando los productores de «Diff’rent Strokes» crearon un spin-off, «The Facts of Life», en 1979 para darle al personaje de Charlotte Rae, Edna Garrett, una historia autosustentable, con el ladrón de escenas del programa Gary Coleman y sus compañeros Conrad Bain , Todd Bridges y Dana Plato ayudan a lanzar el primer episodio fue una obviedad. Para enfatizar el punto, el programa incluso incorporó sus nombres en los créditos iniciales. Solo tenía sentido de marketing, ya que en ese momento, Coleman era una de las estrellas más importantes de la televisión con solo 11 años, con una cuenta fiduciaria que supuestamente valía $ 18 millones.

Pero Coleman luchó por equilibrar la vida de una celebridad con los dolores de crecimiento de la adolescencia, esta última comprometida por enfermedades autoinmunes que atrofiaron su desarrollo. Pasar por la vida a una altura máxima de 4 pies y 8 pulgadas y requerir cirugía cardíaca, dos trasplantes de riñón y atención médica frecuente fue lo suficientemente difícil; causó estragos en la capacidad de la estrella para conseguir trabajo una vez que «Diff’rent Strokes» salió del aire en 1986. En cuanto a esa cuenta fiduciaria a la que finalmente tuvo acceso a los 18 años, se sintió consternado cuando descubrió que solo contenía $220,000. Demandó a sus padres y manejadores, pero fue relegado a apariciones en programas como «Married… With Children» y «The Drew Carey Show». Otros cameos limitaron a Coleman a interpretarse a sí mismo en horarios de máxima audiencia que incluían «The Naked Truth», «The Simpsons» y «My Wife and Kids». Reducido en un momento a trabajar como guardia de seguridad, Coleman murió de una hemorragia cerebral a los 42 años.

Zsa Zsa Gabor (1917-2016)

Zsa Zsa Gabor posandoArchivos de Michael Ochs/imágenes falsas

Si está buscando una plantilla para lo que estableció el estándar para el estatus de celebridad, déle crédito a Zsa Zsa Gabor, quien casi sin ayuda elaboró ​​​​el molde que eventualmente daría lugar a personas como Paris Hilton y el clan Kardashian. Más sin rodeos, Los Angeles Times resumió la notoriedad del nativo húngaro como alguien que «era famoso por ser famoso». Por supuesto, Gabor actuó un poco, comenzando con apariciones en salidas de los años 50 como «Lovely to Look At» y el original «Moulin Rouge». Pero su llave para las puertas doradas del glamour fue casarse con ricos, nueve veces para ser exactos, con pretendientes que incluían al barón hotelero Conrad Hilton y al aristócrata y empresario alemán Frédéric von Anhalt. En poco tiempo, se convirtió en un ícono de la alta sociedad en constante demanda en el circuito de programas de entrevistas, donde declaraba cosas tan sorprendentes como: «Quiero un hombre que sea amable y comprensivo. ¿Es demasiado pedirle a un millonario?» ?» por Variedad.

Su hermana relativamente más tranquila, Eva Gabor, era igualmente glamorosa, pero actuaba regularmente, interpretando a la socialité Lisa Douglas en las comedias «Green Acres» y «Petticoat Junction». Zsa Zsa, por otro lado, se sintió cómoda con el extraño cameo interpretándose a sí misma en los episodios de «Rowan and Martin’s Laugh-In», «Knot’s Landing» y «Cybill». Una excepción fue cuando interpretó a la condesa Calvet en un episodio de «The Facts of Life», un papel que posiblemente requirió poca preparación. Gabor disfrutó del estilo de vida de la clase alta hasta los 99 años, cuando TMZ reveló por primera vez su muerte por un ataque al corazón.

Cloris Leachman (1926-2021)

Cloris Leachman inclina la cabezaImágenes de Stephen Shugerman/Getty

A diferencia de Charlotte Rae, que era prácticamente una desconocida antes de empezar a interpretar a Edna Garrett durante la temporada de novatos de «Diff’rent Strokes» y varias temporadas de «The Facts of Life», su reemplazo, Cloris Leachman, ya estaba bien establecida en Hollywood. . Las incursiones actorales iniciales de la estrella incluyeron teatro en vivo televisado en los años 50 y películas que eventualmente resultaron en un Oscar a la Mejor Actriz de Reparto por el drama de 1971, «The Last Picture Show». Sin embargo, Leachman era mejor conocida por interpretar a la casera entrometida Phyllis Lindstrom en la innovadora comedia de situación de los años 70, «The Mary Tyler Moore Show», y en su efímera serie derivada, «Phyllis», un papel que le valdría dos premios Emmy. Cuando Rae dejó «The Facts of Life» en 1986, Leachman asumió el papel de ama de casa como la hermana de Edna Garrett, Beverly Anne Stickle, en lo que serían las dos últimas temporadas del programa.

La destreza de Leachman en la comedia y el drama le permitió hacerse un nombre en Hollywood, y estas cualidades la mantuvieron trabajando mucho después de que «The Facts of Life» se convirtiera en historia. Interpretando a la abuela senil Ida en «Malcolm in the Middle», recibió otro Emmy. También logró obtener papeles de personajes recurrentes en programas de televisión como la comedia de situación de Ellen DeGeneres, «The Ellen Show» y «Raising Hope». Cuando murió por causas naturales a los 94 años, varios compañeros comentaron su fallecimiento. «Ella podría hacerte reír o llorar en un abrir y cerrar de ojos», Mel Brooks tuiteó en parte, quien la dirigió en tres películas de comedia. «Ella es insustituible y la extrañaremos mucho».

Sheldon Leonard (1907-1997)

Sheldon Leonard charlandoArchivo de Televisión Estadounidense/YouTube

Sheldon Leonard actuó en docenas de películas en las décadas de 1940 y 1950 en muchos papeles de parpadear y lo extrañarás. Sin embargo, dentro de ese extenso portafolio, Leonard probablemente fue más memorable como el cantinero Nick en el clásico navideño de Frank Capra, «It’s A Wonderful Life», que protagonizó Jimmy Stewart como el desafortunado banquero George Bailey. Pero el trabajo del tres veces ganador del premio Emmy detrás de la cámara le permitió a Leonard distinguirse particularmente como director, productor y escritor. Su primer gran éxito fue producir «The Danny Thomas Show», que duró 11 temporadas a partir de 1953, antes de trabajar en trabajos posteriores como «The Dick Van Dyke Show», «The Andy Griffith Show» y «Gomer Pyle, USMC». » Incluso rompió una barrera social con la producción de «I Spy», la primera serie en la que dos actores de diferentes razas comparten responsabilidades principales.

En años posteriores, Leonard abandonó su papel de productor y asumió trabajos como invitado, como en un episodio de «The Facts of Life», en el que interpretó al abuelo polaco del estudiante de internado Jo Polniaczek, así como cameos en programas como «Salud», «Matlock» y «Murder, She Wrote». «Sheldon fue uno de los pioneros de la comedia de situación en la televisión», dijo Chuck Warn, portavoz del Directors Guild of America, sobre Leonard, quien murió a los 89 años por causas naturales, según The New York Times. Curiosamente, existe otro tributo en «The Big Bang Theory»: el creador del programa, Chuck Lorre, rindió homenaje al hombre nombrando a sus dos personajes principales Sheldon y Leonard.

Bill Macy (1922-2019)

Bill Macy de pieFeatureflash Photo Agency/Shutterstock

Para que conste, no existe una relación genealógica entre el actor de los 70 Bill Macy y el protagonista de «Shameless» William H. Macy. Según The Seattle Times, este último actor respondió una vez a Bill Macy, pero lo cambió cuando comenzó su carrera como actor para evitar confusiones con la estrella de la comedia de situación políticamente cargada de los años 70, «Maude». En ese momento, Macy (Bill, claro) era un gran problema en «Maude», interpretando a Walter Findlay, quien con frecuencia se encontraba en desacuerdo con su esposa (Maude), franca y preocupada por los problemas. Sin embargo, esa interpretación difícil de hacer desmentía totalmente otro esfuerzo en su currículum que se remonta a 1969, cuando actuó en una producción de Broadway con agallas y desnudos de «Oh! Calcutta!» donde conoció a su futura esposa, Samantha Harper.

La única aparición de Macy en «The Facts of Life» lo vio como el ex esposo de la estudiante de internado Jo Polniaczek en un episodio futurista. Consiguió otros anuncios de televisión en programas como «St. Elsewhere», «The Love Boat», «Murder, She Wrote» y «Matlock». Mientras tanto, los papeles cinematográficos de Macy aumentaron desde su debut sin acreditar como presidente del jurado en la comedia de Mel Brooks «The Producers» hasta un papel secundario como Stan Fox en «The Jerk», la primera película de Steve Martin. Según los informes, Macy, quien murió a los 97 años, fue modesto a lo largo de su carrera, recordando un momento en que alguien lo abordó en la calle y lo criticó por su actuación en un espectáculo de Broadway. Según The New York Times, Macy respondió: «Señor, señor, soy un actor terrible, pero es lo único que hago bien».

Kenneth Marte (1935-2011)

Kenneth Mars con rostro severoArchivos Unidos/Getty Images

Las salidas de Hollywood han tenido montones de bichos raros testarudos en sus elencos, pero pocos eran tan convincentemente psicóticos como Kenneth Mars. Esa inclinación hacia la locura inmortalizó a Mars, quien interpretó a un intenso detective de Transilvania con un monóculo sobre un ojo de vidrio en la comedia clásica de Mel Brooks «El joven Frankenstein» en 1972. El guión inspirado en el Tercer Reich lanzó una estafa en Broadway en otro clásico de Brooks, «The Producers», en 1968. Mars recordó las medidas que tomó para sacar a relucir la personalidad retorcida de Liebkind, frecuentemente visto durante el espectáculo vistiendo un uniforme alemán. «Conseguí mi disfraz y no sé qué me poseyó, pero pensé que me ayudaría si me lo llevaba a casa y duermo con él todas las noches, lo cual hice», dijo Mars en una entrevista.

Pero la energía emocional que puso en esos fragmentos arcanos fue más hilarante que horrible, lo que convirtió a Mars en un tipo de referencia para la televisión. Aparecía regularmente como William WD «Bud» Prize, el chiflado del pueblo en el programa de entrevistas satírico «Fernwood Tonight», e interpretó al director, el Sr. Harris, encargado de despedir a la Sra. Garrett por presunto alcoholismo en «The Facts of Life». También disfrutó de papeles recurrentes en otras comedias como «Malcolm In the Middle» y «Will & Grace», e incluso prestó su voz a proyectos animados desde «The Little Mermaid» hasta «The Land Before Time», su último trabajo antes de morir a los 75 años. de cáncer de páncreas.

Dana Platón (1964-1999)

Dana Platón haciendo el signo de la pazImágenes falsas/Denny Keeler

Cuando el elenco principal de «Diff’rent Strokes» de Conrad Bain, Todd Bridges, Gary Coleman y Dana Plato visitó a su antigua colega Charlotte Rae para ayudar a lanzar «The Facts of Life», uno tuvo la sensación de que las cosas iban de maravilla. con los niños actores. Pero la dura realidad golpeó a los niños después de que «Diff’rent Strokes» dejara las ondas de radio en 1986. Bridges soportó una vida posterior a la celebridad de adicción a las drogas, problemas mentales y delincuencia, incluida una absolución por homicidio, antes de cambiar su vida, mientras que Coleman perdió la mayor parte de los ahorros de su vida y finalmente murió en la pobreza. En cuanto a Platón, la vida después de la desaparición del programa resultó ser igual de trágica.

Cuando ya tenía 20 años cuando terminó la serie, Plato ya no era una estrella infantil y trató de ganarse la vida con pequeños papeles en películas de nivel B de bajo presupuesto, incluida una salida para adultos llamada «Different Strokes». También había desarrollado una desagradable adicción a las drogas y recurrió a una vida delictiva para mantener el hábito. Recibió libertad condicional después de que la atraparan robando una tienda de videos de Las Vegas y luego falsificando formularios de recetas. «Si no me hubieran atrapado, podría haber sido lo peor que me pasó porque podría haber muerto de una sobredosis de drogas», dijo en 1992, según AP News. Desafortunadamente, siete años después, eso es exactamente lo que sucedió, cuando el hombre de 34 años fue encontrado muerto por una sobredosis de Valium y Loritab, un analgésico opioide. Más tarde, un médico forense dictaminó que la muerte fue un suicidio.

Si usted o alguien que conoce tiene pensamientos suicidas, llame a la Línea Nacional de Prevención del Suicidio al 1-800-273-TALK (8255).

Carlota Rae (1926-2018)

charlotte rae radianteImágenes Getty/Imágenes Getty

En su mayor parte, las salidas sobre los internados, desde «Tom Brown’s Schooldays» hasta «Goodbye Mr. Chips», difícilmente retratan a las personas que los dirigen como si tuvieran personalidades radiantes y chulas. Entonces, cuando el papel de Charlotte Rae como ama de llaves Edna Garrett se transformó en ama de casa de un dormitorio en «The Facts of Life», su disposición tonta, pero madura, se convirtió en una bocanada de aire fresco. Antes de su turno en el centro de atención del horario de máxima audiencia, Rae inicialmente obtuvo papeles en dramas teatrales en vivo, un elemento básico importante de la televisión en red en la década de 1950. En la década siguiente, comenzó a obtener apariciones más consistentes en series como el drama romántico «From These Roots» y el programa policial «Car 54, Where Are You?» En los años 70, Rae disfrutó de un papel recurrente como cartero durante los primeros años de «Plaza Sésamo» y participaciones como invitada en comedias de situación como «All In the Family» y «Phyllis», antes de ganar un sueldo regular en «Diff». caricias de alquiler».

Cuando su personaje de Garrett comenzó a tener audiencia en «The Facts of Life», Rae ya había descubierto su perfil. «Quiero aportar la mayor cantidad de humanidad posible, así como el humor», dijo, según The Hollywood Reporter. «He tratado de convertirla en un ser humano con dimensiones». Se fue después de siete temporadas, encontrando trabajo posterior en programas como «ER» y «The King of Queens», así como voces en off para la serie de televisión animada «101 Dalmatians». Después de enfrentar muchas enfermedades relacionadas con el cáncer, murió de cáncer de huesos a los 92 años.

Donnelly Rodas (1937-2018)

Donnelly Rhodes radianteCine español/YouTube

Donnelly Rhodes nunca disfrutó del estatus de marquesina en los EE. UU. y no tuvo ningún problema con eso. «No estoy tan seguro de que me gustaría que mi privacidad desapareciera por completo, o tener que trabajar tan duro todo el tiempo en algo», dijo una vez, según The New York Times. Pero en su Canadá natal, Rhodes fue un gran negocio, protagonizando dramas domésticos que incluyeron «Sidestreet», «Danger Bay» y «DaVinci’s Inquest», aunque también dejó su huella en varias producciones estadounidenses. Rhodes obtuvo un papel recurrente como el Dr. Cottle en la nueva versión de «Battlestar Galactica» de 2004-2007 e interpretó al convicto Dutch Leiner durante tres temporadas en la sátira de melodrama muy elogiada «Soap» durante los años 70. Pero su extenso currículum televisivo se remonta aún más a los años 50, cuando obtuvo apariciones en programas legendarios como «Maverick», «Bonanza» y «Mister Ed». Entre sus primeros cameos después de dejar «Soap» estuvo el de interpretar al tío Sal de la colegiala Jo Polniaczek en un episodio de «The Facts of Life».

Entre períodos en Canadá, incluida una película biográfica sobre la leyenda del hockey Gordie Howe, Rhodes trabajó en algunas comedias de situación de corta duración. Su última serie de actuaciones lo vio interpretando al Agente Smith en dos series de CW: «The Flash» y «DC’s Legends of Tomorrow». Cuando se supo que Rhodes murió de cáncer a los 80 años, varios colegas canadienses lamentaron su pérdida, incluida la cohorte de «Batlestar Galactica» Tricia Helfer. «Entristecido al enterarme del fallecimiento de Donnelly Rhodes», dijo. tuiteó en parte. «Un hombre encantador que hizo un excelente Doc Cottle. RIP».

Alex Rocco (1936-2015)

alex rocco sonriendoImágenes de Peter Kramer/Getty

Puede que no recuerdes a Alex Rocco por su nombre, pero probablemente recordarás su interpretación de Moe Greene, un magnate corrupto de los casinos que enfrenta a la temida familia Corleone que lo liquida en la película clásica de 1972 «El Padrino». Si bien la espantosa salida de Rocco probablemente sea el recordatorio más anecdótico del talento del actor, difícilmente eclipsa una gran cantidad de trabajo que ha acumulado después de 50 años en el mundo del espectáculo. Sus líneas de trabajo más constantes siguieron siendo una temporada en la serie de 1990 «The Famous Teddy Z», que le valió un premio Emmy por interpretar al sórdido agente de talentos Al Floss.

Muchos de sus trabajos como invitado en la televisión lo involucraron como un tipo duro e ingenioso en programas policiales de los años 70 como «The Rockford Files», «Police Story», «Cannon» y «Kojak», un comportamiento que desarrolló cuando era niño. entre las pandillas callejeras de Boston, según The Hollywood Reporter. Pero no tuvo miedo de mostrar un lado más tierno, interpretando al patriarca en el breve drama familiar de 1975 «Three For the Road» y varias apariciones recurrentes como Charlie, el padre de Jo Polniaczek, en «The Facts of Life». Los roles adicionales incluyeron el trabajo de voz en off para «Los Simpson», interpretando a Roger Meyers Jr., un ejecutivo de entretenimiento que creó la caricatura Itchy and Scratchy, e interpretando al padre de Matt LeBlanc, Dick, en «Episodes» de Showtime. Cuando Rocco murió de cáncer a los 79 años, el actor Jeffrey Dean Morgan, quien protagonizó con él «Ciudad mágica», dijo en parte (a través de Variedad), «Para aquellos de nosotros que tuvimos la suerte de conocer a Rocco, fuimos bendecidos».

Bobby Rydell (1942-2022)

bobby rydell cantandoLarry Marano/Getty Images

Cuando el rock ‘n’ roll disfrutaba de sus años de infancia en los años 50, el cantante Bobby Rydell se convirtió en uno de los primeros rompecorazones musicales del género, con éxitos que incluían «Wild One», «We Got Love» y «Volare». Los sonidos pop y una imagen fotogénica hicieron que Hollywood los llamara, y en poco tiempo, Rydell fue emparejada con Ann-Margret en la versión cinematográfica de 1963 de «Bye Bye Birdie». La película fue un éxito de taquilla, proporcionando a Rydell un colchón saludable de fama, hasta que el inicio de la invasión británica liderada por The Beatles y The Rolling Stones casi lo dejó fuera de servicio.

Sin embargo, una base de fanáticos lo mantuvo en el circuito de clubes a lo largo de los años 60, y logró conseguir algunas apariciones en televisión, desde el drama de guerra «Combat!» a los programas de variedades «The Red Skelton Hour» y «The Milton Berle Show». Pero sus propios discos no se vendieron, incluso después de firmar con el sello Reprise de Frank Sinatra, hasta que el movimiento disco y un renacimiento de los años 50 dieron como resultado el regreso de Rydell, cortesía de una nueva versión más sincopada de su éxito anterior «Sway». Ese impulso mantuvo a Rydell en marcha durante otra década, e incluso consiguió un papel interpretándose a sí mismo en un episodio especial de flashback de «The Facts of Life». En los años 80, Rydell se asoció para crear una producción itinerante llamada The Golden Boys, con él mismo y sus compañeros rompecorazones de los años 50, Fabian y Frankie Avalon, que continuó hasta su muerte a los 79 años por complicaciones de neumonía.

Dick Van Patten (1928-2015)

Dick Van Patten con sombrero marineroGustavo Caballero/Getty Images

Después de años de tocar en una serie de empresas chifladas, el actor Dick Van Patten cambió su reputación y se convirtió en la máxima figura paterna interpretando a Tom Bradford en el drama de los años 70 «Eight Is Enough». Pero también fue capaz de actuar en otros escenarios familiares, como interpretar al exmarido de la madre de familia Beverly Ann Stickle en un episodio de «The Facts of Life» durante los últimos años de la serie. Si bien no tenía el aspecto cincelado de un ídolo matinal, Van Patten lo compensó con un conjunto versátil de habilidades de actuación perfeccionadas desde los días nacientes de la televisión.

La primera serie que protagonizó fue el programa de 1949 «Mama», un drama sobre una familia de inmigrantes que duró ocho temporadas. Siguió con apariciones en programas como «Mike Hammer» y «Naked City», antes de obtener un lugar en la película «Charly», que resultó en un Oscar para su estrella Cliff Robertson. Pero Van Patten se dio a conocer interpretando personajes extraños como Friar Tuck en la parodia de Robin Hood «When Things Were Rotten» y papeles recurrentes en «Happy Days». También fue uno de los favoritos del director Mel Brooks, quien lo tuvo en salidas cómicas como «High Anxiety» y «Spaceballs». Van Patten murió de complicaciones con la diabetes a los 86 años. «Era el hombre más amable que podrías conocer en la vida», dijo su publicista Jeff Ballard, según Semanal de entretenimiento. «Un amoroso hombre de familia. Ya no hacen que les guste».

Estrellas de Family Matters que no sabías murieron

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Naya Rivera en un eventoDFree/Shutterstock

«Asuntos de familia» fue una comedia de situación popular de la televisión estadounidense que se emitió durante nueve temporadas entre 1989 y 1997. El programa, centrado en una familia negra de clase media que vive en Chicago, fue un derivado de la comedia de situación «Perfect Strangers», en la que el Se presentaron los Winslow: Harriette como ascensorista y su marido, Carl, oficial de policía. Aunque la comedia de situación logró calificaciones decentes en su primera temporada, no fue hasta que se presentó el personaje de Steve Urkel, interpretado por Jaleel White, que el programa realmente despegó. Conocido simplemente como Urkel, el vecino nerd y propenso a los accidentes de los Winslow se abrió camino en el corazón de Estados Unidos con eslóganes como «¿Hice eso?». y «Vaya, mamá». En 1991 y 1992, Family Matters fue nominada para un premio NAACP Image a la serie de comedia destacada y en 1997 White ganó el premio al actor destacado en una serie de comedia.

Pero se necesitó más de un personaje para que este programa fuera un éxito, y después de nueve temporadas, Estados Unidos fue entretenido por docenas de actores talentosos que entraron al plató y a la sala de estar de los Winslow. Lamentablemente, algunas de esas caras famosas ya no ofrecen líneas ni risas. Entonces, sigue leyendo mientras rendimos homenaje a aquellos que perdimos del programa «Asuntos de familia».

vaso de ron

Ron Glass sonriendoKevin Invierno/Getty Images

El actor nominado al Emmy Ron Glass fue un elemento básico de la televisión estadounidense a partir de 1973 con su primer papel en «All in the Family». Después de aparecer como invitado en programas como «Sanford and Son» y «Good Times», consiguió su papel estelar como el detective Harris en «Barney Miller». Glass le dijo a Pop Goes the Culture TV que otro actor, Rod Perry, tenía el papel en el piloto, pero fue elegido por otro programa, dejando una oportunidad. También le dio crédito a los escritores por llevar su personaje de «una especie de tipo negro que estaba en la habitación» a algo que se parecía más al propio actor. Él dijo: «Así que en realidad terminamos con un personaje realmente, muy completo y maravilloso para interpretar».

Después de «Barney Miller», continuó asegurando un papel tras otro, incluso interpretando a un actor llamado Buddy Goodrich en un episodio de 1989 de «Asuntos de familia». Buddy era la estrella de un programa con el que la familia Winslow estaba obsesionada y Carl terminó arrestándolo por asalto.

La carrera actoral de décadas de Glass también incluyó una temporada hilarante como el abogado de divorcios de Ross Gellar en «Friends» en 1999. Su último anuncio de televisión fue «CSI: Crime Scene Investigation» en 2014. Dos años después, el 25 de noviembre de 2016, Glass murió de insuficiencia respiratoria. Según NPR, fue activista y miembro de la junta directiva del AL Wooten Jr. Heritage Center de Los Ángeles.

rosetta lenoire

Rosetta LeNoire como Madre WinslowA B C

Según The Guardian, Rosetta LeNoire nació en Hell’s Kitchen, Nueva York, en 1911. Después de un diagnóstico de raquitismo infantil que la obligó a usar aparatos ortopédicos en las piernas durante algún tiempo, LeNoire se dedicó a la danza y al teatro musical. Esto eventualmente se convirtió en una carrera en Broadway, e incluso fundó su propia compañía de teatro en 1968 llamada Amas.

LeNoire pasó más de tres décadas en televisión con papeles en «Another World», «Ryan’s Hope», «Gimme a Break» y «Amen», antes de conseguir su lugar en el elenco de «Family Matters». Tenía 78 años en ese momento, pero no tenía ningún interés en dejar que su carrera terminara. Según el artículo de Los Angeles Times, LeNoire dijo en 1992: «Le digo a la gente que estoy en contra de la jubilación, estoy a favor de Dios, creo en la bondad y también en la suerte». LeNoire, quien interpretó a la Madre Winslow en «Asuntos de familia», comenzó con el primer episodio de la serie cuando su personaje se mudó con los Winslow después de la muerte de su esposo. Apareció en las nueve temporadas y, a diferencia de la mayoría del otro clan Winslow, en realidad le gustaba su vecino Steve Urkel.

El 17 de marzo de 2002, LeNoire murió por complicaciones de la diabetes.

Naya Rivera

Naya Rivera 2017 MS GalaDFree/Shutterstock

Naya Rivera, de cinco años, ya tenía una serie («The Royal Family») en su haber cuando fue elegida para «Family Matters» como Gwendolyn, una nueva vecina que estaba enamorada de Richie. Esa sonrisa adorablemente dulce y su habilidad natural para actuar le valieron más papeles en programas como «The Fresh Prince of Bel-Air» y «Baywatch».

Rivera incluso navegó con éxito su camino de actor infantil a adulto, la mayor parte de esos años los pasó en «The Bernie Mac Show» de 2002 a 2006. Su papel más notable en televisión fue el de Santana López en la serie de comedia musical «Glee». Parecía que no había límite para su talento, no había altura que su estrella no pudiera alcanzar.

El 8 de julio de 2020, Rivera murió a la edad de 33 años. Según CNN, Rivera había salido en un bote alquilado con su hijo de cuatro años. Más tarde lo encontraron dormido en el bote y les informó a las autoridades que él y su madre habían ido a nadar, pero en lugar de subir al bote, ella se deslizó bajo el agua. Se cree que Rivera se ahogó mientras salvaba la vida de su hijo. Un año después, su ex esposo, Ryan Dorsey, dijo en una publicación de Instagram: «Vuela alto, descansa en paz, sabiendo que está bien… lo están criando bien y tiene mucha familia y gente a su alrededor que lo ama». él y tú».

sherman hemsley

Premios Sherman Hemsley 2004 TV LandImágenes de Frederick M. Brown/Getty

Cuando piensas en Sherman Hemsley, podría dibujar una imagen de él saliendo de un taxi frente a un rascacielos en Manhattan, pavoneándose hacia la puerta o haciendo un juego de pies elegante en su sala de estar como lo hizo en la famosa y divertida tema de apertura de su exitosa comedia «The Jeffersons».

Según Black Past, Sherman Hemsley abandonó la escuela en el décimo grado para unirse a la fuerza aérea y sirvió cuatro años en Japón y Corea. Luego trabajó para el servicio postal de los EE. UU. mientras asistía a una universidad de artes dramáticas y finalmente encontró su camino hacia las producciones fuera de Broadway. Pero fue su debut en Broadway en «Purlie» lo que llamó la atención de Norman Lear y lo llevó a su primer papel en la televisión, como el vecino gruñón de Archie Bunker en «All in the Family», para la que nació George Jefferson e inspiró el spin-off. , «The Jefferson’s. En 1986, protagonizó otra serie, «Amen», donde interpretó a un diácono que también era abogado. Hemsley continuó su reinado en la televisión, obteniendo espacios como invitado en programas como «Designing Women , «Hangin’ with Mr. Cooper» y 3 episodios de «Family Matters», en los que interpretó al bromista Capitán Savage, que tiene una conexión instantánea con Urkel y hace trampas en el golf, para consternación del Sr. Winslow.

El 24 de julio de 2012, Sherman Hemsley murió a causa de una masa pulmonar.

michelle thomas

Michelle Thomas como Myra en Asuntos de familiaCBS

El primer papel de Michelle Thomas en televisión fue en la exitosa serie de televisión «The Cosby Show», donde interpretó a la novia de Theo, Justine. Thomas eventualmente terminaría como la novia en la vida real del actor, Malcolm-Jamal Warner, quien interpretó a Theo. Solo unos pocos años después, fue elegida para la temporada 4 de «Asuntos de familia» como Myra, quien por alguna razón ve a Urkel como el hombre de sus sueños. Terminó la serie con el resto del elenco y luego saltó directamente a un papel recurrente en «The Young and the Restless».

Según The New York Times, fue entonces cuando su enfermedad, una forma rara de cáncer de estómago, pareció afianzarse, y Thomas tuvo que tomar una licencia médica de la filmación. Se sometió a una cirugía para extirpar un tumor en 1998 y regresó a casa con su familia para recuperarse. Murió el 26 de diciembre de 1988, rodeada de su familia y de su exnovio Malcom-Jamal Warner, con quien seguía siendo amiga cercana, según People.

En 1999, Thomas fue nominada a un premio NAACP a Mejor Actriz en una Serie Dramática Diurna por su papel en «Young and the Restless».

johnny marrón

Johnny Brown como el pastor Fuller en Asuntos de familiaA B C

El cantante y actor Johnny Brown tenía una sonrisa megavatio que era perfecta para el escenario y la televisión. Según Broadway World, su debut cinematográfico fue junto a Sammy Davis Jr., con quien también apareció en Broadway, en la película de 1966 «A Man Called Adam». Pronto, Brown obtuvo un papel tras otro en programas de televisión como «Maude», «Chico and the Man», y en 1975 participó en la temporada 2 de «Good Times» en el papel de Nathan Bookman, el encargado del edificio en los proyectos en los que vivía la familia Evans. Aunque su personaje, a menudo llamado «Booger» por el personaje de Willona, ​​estaba destinado a ser un antagonista, Bookman pronto se convirtió en un favorito de los fanáticos y Brown siempre sería recordado por este papel.

Después de «Good Times», continuó su carrera en los papeles de televisión, incluida una temporada como voz en la serie animada «Alvin & the Chipmunks». Luego, en 1995, Brown apareció en un episodio de la temporada 6 de «Asuntos de familia» como el personaje del pastor Fuller, quien le pide al Sr. y la Sra. Winslow que aconsejen a una pareja sobre el matrimonio. El último papel de Brown llegó en 2013. Murió el 2 de marzo de 2022 a la edad de 84 años. Le sobrevivieron su esposa y dos hijos. Al momento de escribir este artículo, no hay más detalles disponibles sobre la muerte de Brown.

Eddie Mekka

Eddie Mekka en Thunder Valley ResortYouTube

Nacido en 1952 de padre armenio y madre italiana, Eddie Mekka le dijo a Broadway.com que se entusiasmó con la actuación cuando le pidieron que fuera el maestro de ceremonias de su escuela de variedades, así que, por supuesto, su próxima parada fue el escenario. En 1975, Mekka recibió una nominación al premio Tony por su actuación en Broadway en «The Lieutenant». Uno de sus primeros papeles en televisión fue, por supuesto, el que lo marcaría para siempre como «The Big Ragoo». Carmine Ragusa era el novio alegre, bailarín y intermitente de Shirley Feeney. Después de aparecer en las 8 temporadas, Mekka tuvo una gran variedad de papeles como invitada tanto en películas como en series, incluidos dos personajes diferentes en «Asuntos de familia». En el episodio de la temporada 2, «Flash Pants», Mekka interpreta a Charlie, un transferido que compite contra Carl en un concurso de baile. Luego, en «Sink or Swim» en la temporada 6, Mekka interpreta al Sr. Nutting, el profesor de educación física en la clase de natación de Urkel.

Mekka continuó obteniendo papeles en televisión y películas, incluidos pequeños papeles en «A League of Their Own» de 1992 y «Dreamgirls» de 2006. En una entrevista del Boston Globe de 2014, Mekka reflexionó: «Tuve que hacer un gran número de jitterbug con Madonna en ‘A League of Their Own'». Mekka continuó trabajando hasta su último crédito en 2018, luego, unos pocos años después, Mekka murió. el 27 de noviembre de 2021, a la edad de 79 años. Costar Michael McKean tuiteó«Un triste adiós a Eddie Mekka esta mañana. Un tipo realmente bueno y proveedor de alegría cada vez que las cosas se ponen tristes».

bubba smith

bubba smith 1985Archivos de Michael Ochs/imágenes falsas

El ala defensiva de la NFL Bubba Smith nació en 1945 en Texas. Según Beaumont Enterprise, cuando llegó el momento de la pelota universitaria, terminó dejando su estado natal por Michigan State porque el equipo de la Universidad de Texas aún no estaba integrado. Fue la derrota de UT, y una grande: Smith se convirtió en dos veces All-American en 1965 y 1966. Comenzó con los Baltimore Colts, ganó un Super Bowl en 1970 y jugó hasta 1976.

Justo antes de retirarse de los deportes, Smith obtuvo su primer papel en la televisión, un lugar como invitado, interpretándose a sí mismo, en el programa «The Odd Couple». Smith debe haber disfrutado la picadura del insecto de la actuación porque continuó actuando, ahora no como él mismo, en programas como «Charlie’s Angels» y «Eight is Enough», y luego consiguió algunos trabajos regulares, como un papel recurrente en «Open All». Noche.» También apareció en 6 películas y series de televisión de «Police Academy». El personaje de Bubba Smith en Family Matters, Bones, es un músculo intimidante para el usurero con el que los muchachos se metieron profundamente, completo con una hilarante pelea de gruñidos entre Urkel y Bones.

El 3 de agosto de 2011, Smith murió a la edad de 66 años. La causa de la muerte en ese momento se había dictaminado por intoxicación aguda por drogas y otras afecciones. Según USA Today, años más tarde se descubrió que padecía CTE, una degeneración cerebral probablemente causada por repetidos traumatismos craneales.

donna verano

donna verano londres 1986Imágenes de Brian Rasic/Getty

Según The Guardian, la cinco veces ganadora del Grammy y reina de la discoteca Donna Summer pasó de ser cantante de coro de iglesia a artista de teatro musical y a superestrella de la música que lanzó álbumes exitosos como «Bad Girls» y «Love to Love You baby». Aunque pasó mucho tiempo en la pantalla en sus videos musicales y protagonizó la comedia musical de 1978 «Thank God it’s Friday», Summer no estaba haciendo ningún movimiento hacia una carrera en el cine o la televisión. Es por eso que debe haber sido un placer cuando Summer apareció no en uno sino en dos episodios de «Asuntos de familia». En 1994 y 1997, interpretó a la tía de Urkel, Oona Urkel, quien según Urkel es «un poco rara». Era una hilarante versión femenina mayor de Urkel, y cuando las dos comenzaron a causar estragos accidentales en la sala de estar de los Winslow, derramando palomitas de maíz y rompiendo la mesa de café, ambas exclamaron: «¿Hicimos eso?». Al final, salvó el día cantando su icónica canción «Last Dance» en un concurso de talentos.

Cuando Donna Summer murió de cáncer de pulmón el 17 de mayo de 2012, muchos cantantes y profesionales de la industria la lloraron, algunos asistieron a su servicio y otros expresaron sus sentimientos en las redes sociales. «¡Pocos cantantes han impactado la música y el mundo como Donna Summer!» tuiteó Gloria Estefan. «Es el final de una era».

Julio llevar

Julius Carry como OscarA B C

Como recordó el actor icónico Julius Carry al Chicago Tribune en 1990, se metió en el mundo del espectáculo cuando era adolescente cuando se unió a un grupo de teatro itinerante llamado Spartan Players. Pasó gran parte de los años 80 en papeles de invitado en programas de televisión, incluidas partes recurrentes en «Bay City Blues» y «The New Leave It to Beaver», pero fue su aparición en 1985 en la clásica película de parodia de artes marciales «The Last Dragon». como Sho’Nuff, el villano de la película, que le consolidaría para siempre un lugar en la historia de Hollywood. Con habilidades de lucha confiadas, hilarantes y pateadoras, Carry atrajo a audiencias que no pudieron evitar enamorarse de Sho’Nuff.

En 1992, Carry apareció en un episodio de «Asuntos de familia» en el que interpretó al alto y apuesto profesor de piano de Harriet con el que Carl se lo piensa dos veces antes de dejarla a solas. Carry continuó actuando en la década de 1990 y hasta principios de 2000, obteniendo papeles en programas como «The Adventures of Brisco County, Jr», «Murphy Brown» y «Two Guys, a Girl and a Pizza Place». Carry era un actor en activo hasta su último papel en «The 12th Man» de 2006 antes de su prematura muerte por cáncer de páncreas. El 19 de agosto de 2008, Carry murió a los 56 años.

fred willard

Desfile de Navidad de Fred Willard Hollywood 2003Imágenes falsas/Carlo Allegri

El actor nominado al Emmy Fred Willard fue un actor prolífico cuya carrera abarcó más de cincuenta años. Willard asistió a dos institutos militares antes de servir en el ejército de los EE. UU. y estar estacionado en Alemania. Como muchos actores de su tiempo, se inició en los escenarios en la década de 1950. A finales de los años 60, comenzó a aparecer en televisión y en películas, y para cuando llegaron los años 70, parecía que le había picado el gusanillo de la comedia, apareciendo en programas de variedades como «Love, American Style» y comedias de situación como como «The Bob Newhart Show» y «Fernwood Tonight», en la que apareció en 44 episodios como Jerry Hubbard. Su talento para la comedia en los programas «Modern Family» y «Everybody Loves Raymond» le valió múltiples nominaciones al Emmy, y formó parte de la compañía de falsos documentales de Christopher Guest. Willard también interpretó al subdirector Mallet en «Family Matters» de 1994 a 1996, apareciendo en tres episodios.

El 15 de mayo de 2020, Willard murió por causas naturales a la edad de 86 años. Su hija, Hope Mulbarger, le dijo a People sobre su padre: «Él siguió moviéndose, trabajando y haciéndonos felices hasta el final. Lo amamos mucho». .»

matt landers

Matt Landers en La jungla de cristalZorro del siglo XX/Tubi

El actor Matt Landers participó en docenas de programas de televisión y en 20 películas durante su carrera de treinta años en el mundo del espectáculo. Su papel más notable en la pantalla fue en la exitosa película de Bruce Willis «Die Hard», en la que interpretó al Capitán Mitchell, un oficial en escena que dirige al equipo SWAT durante la toma de rehenes. También interpretó a un miembro de LAPD en la película de acción de Arnold Schwarzenegger «Commando». Irónicamente, Landers estaba del otro lado de la ley en su primera aparición en «Asuntos de familia», interpretando a un ladrón en una tienda de conveniencia. Entre 1994 y 1995, Landers apareció como Larry Pinkerton en 18 episodios de «The George Carlin Show». La próxima vez que Landers participó en «Asuntos de familia» fue en 1997, e interpretó a un pirata llamado Flint cuando Urkel y Carl retrocedieron en el tiempo.

Landers continuó actuando, incluido un papel recurrente en «Days of Our Lives», hasta 2010, apareciendo por última vez en «Law and Order». Landers falleció el 12 de marzo de 2015 a la edad de 62 años de cáncer.

Talento tras bambalinas

Gary Menteer en ¡Hola, Dolly!20th Century Fox/YouTube

Thomas L. Miller produjo algunos de los programas de televisión más memorables en la historia de la televisión, incluidos éxitos como «Happy Days», «Laverne & Shirley», «Family Matters» y «Full House». Según su obituario en The Hollywood Reporter, los sueños de Miller del mundo del espectáculo se hicieron realidad cuando consiguió su primer trabajo real como asistente de William Self en 20th Century Fox. Luego formó su propia compañía de producción y finalmente firmó un contrato con el predecesor de Warner Bros. TV, Lorimar Television. En 2018, la estrella de «Asuntos de familia», Reginald VelJohnson, le dijo a Today que Miller lo ayudó a conseguir el papel de Carl. Aparentemente, Miller había visto una proyección temprana de «Die Hard» y pensó que sería perfecto para el programa. Miller murió el 5 de abril de 2020 por complicaciones relacionadas con una enfermedad cardíaca.

Gary Menteer, escritor, director y productor, en realidad comenzó como actor. También un bailarín consumado, formó parte del elenco original de «The Music Man» en Broadway y apareció en varias adaptaciones musicales, incluida «Hello, Dolly!» Menteer también apareció en programas de variedades como «The Dean Martin Show» y «The Carol Burnett Show» antes de comenzar su carrera detrás de la cámara. Menteer tiene créditos por escribir, dirigir y producir en muchos de los programas en los que trabajó, incluidos «Happy Days», «Punky Brewster» y «Family Matters». Menteer falleció el 18 de enero de 2016, a la edad de 72 años.

Estrellas de la sala de emergencias que no sabías murieron

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Peter Fonda sonriendoBrad Barket/imágenes falsas

Los dramas médicos han sido un elemento básico en el horario estelar de la televisión durante décadas, pero no fue hasta la década de los 90 cuando los entornos hospitalarios realmente dominaron las franjas horarias, con salidas como «Chicago Hope», «Third Watch» e incluso entradas del siglo XIX, «Dra. Quinn, curandera», dominando los índices de audiencia. Pero el vencedor arrollador en el género siguió siendo «ER», que se lanzó en 1994 y superó a su competencia en el sorteo de clasificación. Gran parte del crédito tuvo que ver con el ritmo del programa, dado que el escenario de una sala de emergencias justificaba una entrega rápida que mantuvo a los espectadores atentos. El espectáculo también sacó a relucir voluntariamente a los atractivos visuales en la forma de George Clooney, Noah Wyle, Julianna Margulies, John Stamos y Sherry Stringfield.

«Urgencias» ha sido ampliamente promocionada por extender la lente para mostrar la humanidad del personal del Hospital del Condado de Cook, un ingrediente que, según Vulture, no se limitaba simplemente a los médicos que dominaban la alineación. «Lo más radical de ‘Urgencias’ el elemento del programa que ningún programa médico posterior ha replicado o mejorado es que siempre fue también un programa sobre enfermeras”, escribió Kathryn VanArendon. , Stamos y estrellas posteriores como William H. Macy y Jorja Fox ascendieron en la escalera de Hollywood hacia una mayor prosperidad. La serie también permitió a luminarias de Sally Field a Ving Rhames estirar sus habilidades de actuación, mientras que un grupo de actores conocidos, incluidos algunos que han muerto desde entonces, dejaron su propia marca en este drama clásico.

Bea Richards (1920-2000)

beah richards pensativoYoutube

A veces, un actor no necesita ser un nombre conocido para ganarse el respeto de sus colegas, lo suficiente como para obtener papeles en proyectos innovadores de cine y televisión. Eso resume el legado de Beah Richards, quien obtuvo una nominación al Oscar y al Globo de Oro por su trabajo en la película fundamental y cargada de racismo, «Guess Who’s Coming To Dinner?», protagonizada por Sidney Poitier en 1967. Richards tuvo la fortuna de protagonizó con Poitier una película anterior, «In the Heat of the Night», ese mismo año, que aborda un tema similar. Richards era igualmente experta en televisión y ganó un Emmy unas semanas antes de morir de enfisema a los 80 años por su cameo en «The Practice». Doce años antes, obtuvo su primera victoria en un Emmy con una aparición en «Frank’s Place», una comedia de situación de corta duración protagonizada por Tim Reid de «WKRP in Cincinnati».

Muchas de sus representaciones involucraron ser una figura matriarcal, y brilló en varios episodios de «Urgencias», interpretando a la madre del personaje de Eriq La Salle, Peter Benton, que tenía demencia. Sin embargo, fue mucho más descarada en Broadway, cuando interpretó a una abuela en «Dar un paso gigante» y a la madre de James Earl Jones en «La gran esperanza blanca». Como activista por la igualdad de derechos raciales, Richards puso su alma en producciones en vivo como «The Amen Corner» y «Little Foxes». También escribió y protagonizó producciones como «A Black Woman Speaks», «One is a Crowd» y «An Evening With Beah Richards».

Rosemary Clooney (1928-2002)

Rosemary Clooney sonriendoArchivos de Michael Ochs/imágenes falsas

A lo largo de las 15 temporadas que corrió «ER», varios episodios involucraron a familiares de personajes en tramas secundarias que se abrirían camino a lo largo de la serie. Pero un caso resultó ser real, cuando la cantante Rosemary Clooney compartió tiempo en pantalla con su famoso sobrino, George Clooney. La oportunidad tuvo lugar durante dos episodios de la temporada inaugural del drama hospitalario, cuando interpretó a una paciente que sale de la unidad de emergencia y la encuentran cantando en las calles de Chicago, un papel que le valió una nominación al Emmy. Sin embargo, Rosemary ya había generado su propia notoriedad en su carrera, comenzando con la vocalización del sensual éxito de 1951, «Come On-A My House», que llevó a un acuerdo de Paramount que involucró cuatro películas, incluida «White Christmas», según CBS News. Sin embargo, la carrera discográfica y cinematográfica de Rosemary duró poco, ya que pronto se retiró después de casarse con el director y actor José Ferrer, con quien crió cinco hijos.

Eventualmente se divorciaron y Rosemary intentó organizar un regreso, que finalmente fracasó debido a su enfermedad mental que la afectó durante la mayor parte de su vida. «Muchas personas viven con angustia mental pero se niegan a buscar ayuda debido al estigma asociado», dijo una vez al Ladies Home Journal. Rosemary lamentablemente murió de cáncer de pulmón cuando tenía 74 años. En una entrevista con el Calgary Sun, George le dio crédito a Rosemary por mantenerse en el buen camino y dijo: «Mi tía me enseñó mucho con el ejemplo sobre los errores que no cometer porque ella los cometió». todos.»

George Plimpton (1927-2003)

Fantasía de George PlimptonImágenes de Francesco Da Vinci/Getty

George Plimpton no tenía experiencia en actuación, y es seguro decir que no era un actor dramático, pero obtuvo algunos conciertos frente a la cámara a lo largo de su carrera. Aunque su mayor notoriedad fue como escritor y periodista educado en Harvard, también se hizo un nombre como alguien que se acercaba lo más posible a la primera línea de una historia o evento deportivo, metiéndose en el medio de la acción cada vez que el podria. El ex escriba de Sports Illustrated y colaborador ocasional de la revista Playboy logró enfrentarse al campeón de boxeo de peso pesado Archie Moore en un combate de tres asaltos y saltó al campo durante algunas entradas de los partidos de exhibición de las Grandes Ligas. Pero fue más notorio por convencer a los Detroit Lions de la NFL para que le permitieran participar en un partido de fútbol para una serie de intentos como mariscal de campo, una experiencia que relató en su libro «Paper Lion». Plimpton dijo que estar adentro le dio una ventaja periodística, «una especie de detalles íntimos que son parte del tejido del fútbol profesional que los reporteros realmente no conocen», dijo a NPR.

Actuar era mucho menos dañino para él, y Plimpton logró aparecer en dos episodios de «Urgencias» y apareció en comedias como «Just Shoot Me!» y «Wings» y tuvo varios papeles en «A Nero Wolfe Mystery». También interpretó una satirización de sí mismo en «Los Simpson», que fue su último papel antes de morir a los 76 años por problemas cardíacos, según The Washington Post.

Botones rojos (1919-2006)

Botones rojos haciendo muecasKevin Invierno/Getty Images

En las dos primeras temporadas de «Urgencias», el actor y comediante Red Buttons interpretó a Jules Rubadoux, un personaje que culpó de la pérdida de su esposa al Dr. Carter (interpretado por Noah Wyle), un trabajo que sería el último antes de sucumbir a la enfermedad vascular. a los 87 años. Un veterano de la escena cómica de Borsht Belt en el norte del estado de Nueva York, Buttons atrajo la atención nacional por primera vez con su propio programa de televisión a principios de los años 50 y, después de un largo período de desempleo después de que se eliminó el programa, un papel destacado en la serie de 1957. película «Sayonara», que le valió un Oscar al Mejor Actor de Reparto. Si bien las tendencias cambiantes del entretenimiento a menudo amenazaban con volverlo obsoleto, Buttons se recuperó con frecuencia, protagonizando el éxito de taquilla «The Poseidon Adventure» y como invitado en los especiales «Dean Martin Celebrity Roast» facilitados por NBC en la década de 1970. «He sido un artista toda mi vida», dijo Buttons, según The New York Times. «Es una profesión muy satisfactoria. Te pagan en el acto. Cuando animan, eso es pago».

Evidentemente, Buttons encontró su profesión tan satisfactoria que trabajó hasta el final. Además de «ER», también hizo cameos en «Roseanne», «It’s Garry Shandling’s Show», «Knot’s Landing» e incluso «The Love Boat». Cuando se le preguntó sobre la longevidad de Buttons en el mundo del espectáculo, el comediante y colega Jack Carter dijo a Associated Press (a través de Hoy), «Red nunca tuvo un acto real. Su acto era su vida, y es por eso que surgió de manera tan natural. brillante en eso».

Tom Poston (1921-2007)

Tom Poston sonriendoColección Everett/Shutterstock

Tom Poston era un simplón natural fuera de su elemento, un atributo que le dio una gran oportunidad en la salida de los años 50 «The Steve Allen Show», que le valió un Emmy. Esa victoria impulsó sus acciones y no pasó mucho tiempo antes de que tuviera demanda para producciones en vivo como «A Funny Thing Happened on the Way to the Forum», «Bye, Bye Birdie» y «Fiddler on the Roof». Pero también fue un comportamiento maldito que hizo que el público se ganara la simpatía del público años más tarde por el actor cómico mejor recordado como George Utley, el tonto, pero afable, cuidador de una posada de Martha’s Vineyard en «Newhart». Poston recordó la experiencia en KOLN/KGIN-TV de Lincoln, Nebraska: «Después de que comenzamos a hacer el programa, [producers] no quería [Utley] ser tan totalmente inepto. Y pensaron que sería un poco bromista y cursi, así que se retractaron de eso».

Su vacuidad también fue útil en otras comedias de situación, como «Will & Grace», «That ’70s Show», «Murphy Brown» y «Grace Under Fire», donde disfrutó de un papel secundario como Floyd Norton. También se acercó al personaje de Utley cuando interpretó al conserje de la escuela en «Asuntos de familia». Pero fue durante dos episodios de «ER» durante su séptima temporada donde los espectadores captaron un lado diferente del actor, quien originalmente se inició en el drama a través de las producciones de Broadway de «Cyrano de Bergerac» y «King Lear» en los años 50. . Poston tenía 85 años cuando murió después de una breve enfermedad.

Tom Bosley (1927-2010)

Tom Bosley de pieArchivo de Peter Carrette/imágenes falsas

Durante dos episodios de «Urgencias», Tom Bosley se emparejó con la estrella de «Newhart» Tom Poston para interpretar a un par de adultos mayores sardónicos, un escenario que podría haber estado fuera de lugar para alguien que interpretó a uno de los padres televisivos más razonables de la cultura pop. historia. Para los fanáticos, Bosley era «Mr. C», también conocido como Howard Cunningham, el patriarca amable, pero con los pies en la tierra, de la comedia retro «Happy Days». Reviviendo un período de posguerra cuando el rock ‘n’ roll estaba en su infancia, la comedia de situación de los años 70 colocó a Cunningham como una fuerza guía moralista, pero dócil, para los personajes más jóvenes e inquietos, desde su hijo Ritchie hasta el extravagante mecánico Arthur Fonzarelli. Más de una década después, Bosley interpretaría a un padre completamente diferente, un sacerdote con sed de resolver crímenes en el drama «Father Dowling Mysteries».

A menudo interpretaba recordatorios de su papel en «Happy Days», incluida una aparición especial en otra comedia de situación retro, «That ’70s Show», y un cameo satirizado de Mr. C en «Family Guy». Pero para sus colegas, era un modelo de actor y ser humano. «Un gran padre y esposo, y un artista maravilloso, Tom lideró con el ejemplo y nos hizo reír a todos mientras lo hacía», recordó Ron Howard, quien interpretó a Ritchie en «Happy Days», según Los Angeles Times. «Mis últimas conversaciones con Tom reflejaron el amor por la vida y la tranquilidad que siempre mantuvo a lo largo de su vida plena y gratificante. Ya lo extraño». Bosley murió a los 83 años de cáncer de pulmón.

Ernest Borgnine (1917-2012)

Ernest Borgnine riendoKathy Hutchins/Shutterstock

Ernest Borgnine interpretó a un viudo afligido en los dos últimos episodios de «Urgencias» antes de su salida de las ondas, muy lejos de los malos que interpretó cuando comenzó hace décadas. Debido a sus rasgos corpulentos y su voz fuerte y grave, Borgnine a menudo fue elegido como antagonista en películas como «The Mob» y «From Here To Eternity». Todo eso cambió en 1956, cuando ganó el Óscar al mejor actor por su pesado, aunque sincero, trabajo en «Marty». Igual de sorprendente, Borgnine era relativamente desconocido en comparación con su competencia: James Cagney, James Dean, Frank Sinatra y Spencer Tracy. «No tenía idea de que alguna vez iba a ganar», recordó Borgnine, quien hizo una apuesta con el comediante Jerry Lewis por $1.98 a que perdería. De camino al podio de la victoria, le entregó a Lewis un calcetín que contenía 198 centavos.

Las acciones de Borgnine aumentaron a lo largo de los años, y terminó interpretando a tipos duros con un corazón de oro, incluido el papel principal en la comedia de situación de los años 60 «McHale’s Navy» y obteniendo papeles importantes en salidas como «The Dirty Dozen» y «The Poseidon Adventure». .» Trabajó con regularidad hasta el final, incluso proporcionando voces en off para 15 episodios de «SpongeBob SquarePants» antes de morir a los 95 años de insuficiencia renal. “La industria ha perdido a alguien grandioso, cuyo calibre nunca volveremos a ver”, dijo su gerente, Lynda Bensky, a través de CNN. «Pero lo que es más importante, el mundo ha perdido a un hombre sabio y amoroso que nos enseñó a todos cómo ‘crecer jóvenes'».

James Farentino (1938-2012)

James Farentino posandoColección Donaldson/imágenes falsas

James Farentino disfrutó de un arco de tres episodios durante la tercera temporada de «ER», y fue significativo. Consiguió el papel de Ray Ross, el padre separado de Doug, interpretado por George Clooney. Durante las décadas de 1980 y 1990, Farentino estuvo en todas partes en la televisión, casi siempre como un personaje secundario fundamental que tuvo un arco argumental significativo en dramas como «Melrose Place», «Police Story» y «Dinastía». Se las arregló para obtener un papel principal en «The Bold Ones: The Lawyers», que se lanzó en 1969, pero el programa solo duró tres temporadas. Le fue peor como detective privado en «Cool Million» de 1972, que fue cancelada después de solo cinco episodios. Pero Farentino fue recompensado por algunos de sus esfuerzos, ganando un Emmy por San Pedro en la miniserie «Jesús de Nazaret» y un Globo de Oro por un papel en la película de comedia «The Pad (and How To Use It)».

De acuerdo a Personas, Farentino llevó una vida tempestuosa, habiéndose casado cuatro veces. Pero el mayor acaparador de titulares se refería a su tormentosa relación con la novia ocasional Tina Sinatra, hija de Frank Sinatra, que hizo que las autoridades lo arrestaran por varias infracciones, desde acosar llamadas telefónicas hasta violaciones de órdenes de restricción. También se enfrentó a Universal Studios, que retuvo su pago cada vez que el actor rechazó papeles en películas que, según él, eran «basura». No pasó mucho tiempo antes de que todos en Hollywood comenzaran a etiquetarlo como «Sr. Suspensión». Irónicamente, su último trabajo fue protagonizar una película de bajo presupuesto llamada «Drive/II», antes de morir de insuficiencia cardíaca a los 73 años.

Garry Marshall (1934-2016)

Habla Garry MarshallAlberto E. Rodríguez/Getty Images

Una de las figuras más versátiles de Hollywood, Garry Marshall era mejor conocido por ser una fuerza creativa gigantesca como director, escritor y productor detrás de programas exitosos como «The Odd Couple», «Happy Days», «Laverne and Shirley» y «Mork y Mindy», todo lo cual gobernó la televisión en horario estelar durante décadas. A pesar de todo ese impacto en la cultura pop, Marshall nunca ganó un premio Emmy, a pesar de haber sido nominado cuatro veces. Cuando se trataba de películas, Marshall recibió poco más que huevos de gallina por su trabajo en producciones exitosas que incluyeron «A League of Their Own», «Pretty Woman» y «The Princess Diaries».

Quizás estaba demasiado ocupado para notar esas omisiones entre su prolífica producción; ciertamente explica por qué rara vez asumió proyectos como actor. Aún así, logró un cameo en «Urgencias» en su último año. No era exactamente un fijo en la pantalla, pero se las arregló para conseguir papeles destacados en otros programas de televisión, incluidos «Two and A Half Men», «Murphy Brown» y una nueva versión de 2016 de «The Odd Couple», su último aporte como actor. Si bien no es exactamente un favorito entre los críticos, The New York Times, al notar su fallecimiento de un derrame cerebral a los 81 años, aún logró llamarlo un «autor intelectual de la comedia» y alguien que «siempre encontró el punto ideal justo en el medio de la corriente principal». .» Más sincero fue uno Pío por el alumno de «Happy Days» Henry Winkler, quien escribió, en parte, «Gracias por mi vida profesional. Gracias por su lealtad, amistad y generosidad».

Carlota Rae (1926-2018)

charlotte rae sonriendoDFree/Shutterstock

Charlotte Rae fue una bocanada de aire fresco para los fanáticos de «Diff’rent Strokes» y «The Facts of Life» como la cuidadora y ama de casa Edna Garrett, la primera de dos hijos adoptivos de un hombre de negocios acomodado, y la segunda en una pensión. escuela que supervisa la vida de cuatro estudiantes reacios, pero impresionables. Su tontería la hizo atractiva para los espectadores, aunque no tuvo miedo de jugar la carta de la moralidad cuando surgieron temas desde el embarazo adolescente hasta el abuso del alcohol en la última serie. Rae apareció por primera vez a la vista del público realizando teatro en vivo en la pantalla chica cuando la televisión aún estaba en pañales, antes de obtener papeles en los primeros clásicos de la televisión como «Car 54, Where Are You?» y «Los defensores». También consiguió numerosos papeles secundarios, como cuando interpretó a Molly the Mail Lady durante los primeros años de «Sesame Street». Sus habilidades de actuación de cruce de géneros le permitieron protagonizar cuatro episodios de «ER» y otros forrajes de horario estelar como «Sisters» y «The King of Queens». Sus últimos años la vieron aventurarse más hacia el trabajo de doblaje en proyectos animados como «The Itsy Bitsy Spider» y «101 Dalmations: The Series».

Más notable aún, Rae logró trabajar cuando enfermó gravemente. Enfrentó cáncer de páncreas y más tarde cáncer de huesos, y este último finalmente terminó con su vida a los 92 años. Sus colegas lloraron su pérdida, incluida la estrella de «Diff’rent Strokes», Todd Bridges. «Fuiste amado por todos en nuestro programa y fue amado por todos en ‘Hechos de la vida'», Bridges tuiteó en parte. «Descansa en paz amigo mío.»

Pedro Fonda (1940-2019)

anteojos peter fondaJaguar PS/Shutterstock

Mientras que Henry Fonda y su hija, Jane Fonda, han sido elogiados durante mucho tiempo por el establecimiento de Hollywood por su trabajo en una serie de éxitos de taquilla, su hijo, Peter Fonda, se hizo un hueco como ícono de la contracultura hippie durante los años 60. y ’70. El trabajo más popular de Peter sigue siendo el clásico de 1969 nominado al Oscar, «Easy Rider», que narra un viaje en motocicleta por Estados Unidos con su amigo de dos ruedas Dennis Hopper que no termina bien para ninguno de los dos. A diferencia de su personaje, Wyatt, Peter se las arregló para agrupar a sus seguidores rebeldes en personajes blandos con salidas orientadas a los forajidos como «The Hired Hand» y «Dirty Mary Crazy Harry». En 1998, los rasgos rebeldes de Peter, esta vez como un apicultor ferozmente independiente en «Ulee’s Gold», fueron reconocidos una vez más por el grupo de expertos de los Oscar, que lo nominó a Mejor Actor.

Si los papeles que eligió Peter no fueran desafiantes, sin duda serían partes extravagantes, como su único lugar como invitado en «Urgencias» como Pierce Tanner, un hombre que se encuentra con alguien de su pasado mientras visita el hospital para ver a su esposa, la víctima. de un accidente automovilístico. También interpretó a un cartel pesado en «The Blacklist», y él mismo en la arcana comedia de David Duchovny, «Californication». Peter murió tristemente de cáncer de pulmón a los 79 años. En un comunicado (a través de Variedad), Jane dijo: «Estoy muy triste. Era mi dulce hermanito. El hablador de la familia. He tenido hermosos momentos a solas con él estos últimos días. Salió riéndose.

Bill Macy (1922-2019)

Bill macy curiosoFeatureflash Photo Agency/Shutterstock

En los últimos años de su vida, es muy probable que el actor Bill Macy se enfrentara al dilema de diferenciarse de otro homónimo, William H. Macy. Cuando Bill Macy mejor conocido como Walter, el sufrido esposo de la feminista Maude Findlay en la comedia de situación de los años 70 «Maude» murió a los 97 años, el productor del programa, Norman Lear, dejó las cosas claras sobre el legado del actor. «Era un gran actor cómico excepcional», dijo Lear en un comunicado publicado por AP News. «Solo había un Bill Macy». Dio la casualidad de que Macy tuvo un cameo en un episodio de 2004 de «ER», una serie que también protagonizó William H. Macy, aunque este último había dejado la alineación en 1998.

Bill Macy se ganó la simpatía de los espectadores junto a Bea Arthur, quien interpretó a la apasionada, pero exasperante, Maude en una comedia que estaba en la cúspide del cambio social en los EE. tema parecía fuera de los límites. Y si se podía tener algo de paz, ciertamente no se iba a encontrar en la casa de Findlay. Pero Macy demostró ser cualquier cosa menos un alhelí en el resto de su trabajo, desde «The Jerk» de Steve Martin hasta la comedia policiaca de Art Carney «The Late Show». Audazmente, también actuó en la producción Off-Broadway de 1969 «¡Oh! Calcuta!», Un espectáculo que se presentó desnudo y donde, curiosamente, Macy conoció a su futura esposa, Samantha Harper (por Variedad).

John Mahoney (1922-2019)

John Mahoney sonriendoKathy Hutchins/Shutterstock

Como actor, John Mahoney sabía cómo interpretar todo con claridad, incluso como un personaje gay, que interpretó en un episodio de «Urgencias» de 2006. La oferta, denominada «Alguien a quien amar», vio a Mahoney luchar contra la familia de su pareja por la de su pareja. bienestar en torno a una afección cardíaca grave. Fue el humanitarismo que Mahoney aportó a sus representaciones, especialmente cuando chocaban con las actitudes de sus contrapartes, lo que lo hizo querer por los espectadores. Los fanáticos de la comedia «Frasier» vieron ese elemento en Mahoney todo el tiempo. Como el ex policía discapacitado Martin Crane, usó su lógica de carne y papas para traer de vuelta a la tierra a sus eruditos hijos Frasier y Niles cada vez que sus pretensiones comenzaban a salirse de órbita. Por esos esfuerzos, obtuvo dos nominaciones al Emmy.

El humanitarismo de Mahoney puede haber surgido de forma natural, o la amplia formación que recibió en el Teatro Steppenwolf de Chicago, donde actuó regularmente en el escenario durante casi 40 años, puede haber ayudado a desarrollar la habilidad. El ex editor de una revista y profesor de inglés finalmente encontró su lugar en Nueva York, donde obtuvo un premio Tony por su trabajo en «The House of Blue Leaves», una producción que PBS emitió más tarde. En las películas, interpretó papeles de padre que lo expusieron a audiencias más grandes a través de actuaciones en «Moonstruck» y «Say Anything». Esas representaciones patriarcales probablemente se contagiaron a sus compañeros de reparto. Kelsey Grammer, después de enterarse de la muerte de Mahoney por complicaciones del cáncer a los 77 años, dijo, según The Hollywood Reporter, «Él era mi padre. Lo amaba».

Hal Holbrook (1925-2021)

Ha Holbrook encorvadoKathy Hutchins/Shutterstock

En su extenso portafolio, Hal Holbrook interpretó al menos a cuatro presidentes de EE. UU., pero los cinéfilos probablemente lo recordarán mejor como Deep Throat, un enigmático miembro de la Casa Blanca que ayudó a derrocar al presidente Richard Nixon en el drama político «All the President’s Men». » Su afición por interpretar personajes de autoridad es legendaria, lo que le valió cinco premios Emmy, incluido uno por la miniserie «Lincoln» y otro por una representación televisada en Broadway del humorista y autor Mark Twain. Aún así, su única nominación al Oscar fue por interpretar a un compañero bondadoso de Christopher McCandless en la película de 2007, «Hacia rutas salvajes».

A pesar de muchas de sus representaciones nobles, Holbrook no tuvo miedo de mezclar las cosas, como cuando interpretó a un paciente con cáncer terminal en dos episodios de «Urgencias», a un científico retirado en «Los Soprano» y al padre de un motociclista con Alzheimer. en «Hijos de la anarquía». Sus apariciones recurrentes en comedias de situación como «Designing Women» y «Evening Shade» también demostraron que es igualmente hábil en la comedia. La noticia de la muerte de Holbrook a los 95 años repercutió en la comunidad de actores. La estrella de «Seinfeld» Jason Alexander tuiteó, en parte, «Perdimos a otro gigante hoy», y Steven Spielberg, quien trabajó con el actor en la película «Lincoln», no tenía más que cosas buenas que decir. «Hal fue, simplemente, un clásico estadounidense que devolvió la vida a Mark Twain y a muchos de los personajes más memorables de nuestra nación», dijo Spielberg en un comunicado, según Variety. «Fue inolvidable en ‘Todos los hombres del presidente’, ‘Hacia rutas salvajes’ y muchos, muchos papeles más a lo largo de los años».

Eduardo Asner (1929-2021)

Ed Asner con pajaritaFeatureflash Photo Agency/Shutterstock

El veterano actor Ed Asner aprovechó al máximo un arco narrativo de tres episodios en «Urgencias» cuando interpretó al Dr. James McNulty, que dirigía una clínica callejera. Es comprensible que algunos espectadores no estén acostumbrados a ver a Asner interpretando a un médico, dado que es mucho más conocido por interpretar a Lou Grant, el duro director de noticias de WJM-TV en la innovadora comedia de situación de los años 70, «The Mary Tyler Moore Show». Amado por la sabiduría que yacía debajo de su mal humor, Grant se vio envuelto en un drama homónimo de una hora como editor en Los Angeles Tribune. Interpretar a ese personaje en dos series de televisión le valió a Asner cinco premios Emmy, y el actor ganaría dos más por papeles destacados en «Roots» y «Rich Man, Poor Man». Su cuenta de siete premios Emmy aún se mantiene como la mayor cantidad jamás otorgada a un actor masculino.

En años posteriores, se desempeñó durante dos mandatos como presidente del Sindicato de Actores de la Pantalla y rara vez le faltaba trabajo, apareciendo en películas tan populares como «Elf» y «Up», y en varios programas de horario estelar y de transmisión, de «Roseanne» y » Modern Family» a «Family Guy» y «Cobra Kai». Cuando The Hollywood Reporter le preguntó en lo que resultó ser su última entrevista sobre cómo se sentía a los 91 años, Asner respondió: «Si no fuera por mi mala pierna izquierda, me sentiría más joven. Tengo muchas partes que necesitan para ser reforzado y renovado. Y no tengo tiempo para pasar por todos esos cambios «. Asner murió poco después por causas naturales.

Estrellas de los años maravillosos que no sabías murieron

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Dustin Diamond en Universal Studios en 2016Noel Vásquez/Getty Images

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«The Wonder Years» fue uno de esos programas de televisión de los años 80 y principios de los 90 que la gente hoy recuerda con cariño. Era todo lo que todos hablaban mientras estaba en marcha, especialmente cuando se trataba del momento en que se besarían entre Kevin Arnold y Winnie Cooper. Por supuesto, fue mucho más que eso, ya que ofreció un poco de nostalgia por aquellos que crecieron en la década de 1960 y principios de la de 1970.

Han pasado décadas, pero «The Wonder Years» ha regresado a la televisión a través de un reinicio de 2021. Si bien hay muchas noticias sobre el programa, los fanáticos del original no pueden evitar recordarlo con nostalgia. Después de todo, de eso se trata «Los años maravillosos». Mirar hacia atrás a esos episodios de los años 80 y 90 trae muchos buenos recuerdos sobre los personajes y actores que les dieron vida.

El programa salió del aire en mayo de 1993, por lo que ha pasado más tiempo en la vida real que en el programa. Han pasado tres décadas desde que «The Wonder Years» apareció por última vez en las pantallas de televisión de Estados Unidos. Lamentablemente, esto significa que muchas de las personas que hicieron que el programa fuera tan exitoso han muerto desde entonces, y es probable que hayan fallecido más de lo que la mayoría de la gente cree. Todos estos actores trajeron algo a la mesa para hacer que «The Wonder Years» sea especial.

diamante polvoriento

Dustin Diamond como Joey en Los años maravillososA B C

Dustin Diamond es mejor conocido por interpretar a Samuel «Screech» Powers en «Salvados por la campana». Interpretó ese papel a lo largo de la serie luego de la introducción de Screech en el breve «Good Morning, Miss Bliss». Entre esas series, Diamond apareció en «The Wonder Years» como Joey Harris en el episodio «Loosiers». Regresó la temporada siguiente para interpretar a un personaje diferente con el mismo nombre, Joey Lapman, en el episodio «Glee Club». Ambas apariciones fueron poco más que distracciones de jugar Screech, lo que hizo durante bastante tiempo.

Interpretar a Screech se convirtió en un trabajo de tiempo completo para Diamond, quien repitió el papel en dos películas para televisión y dos series más: «Salvados por la campana: los años universitarios» y «Salvados por la campana: la nueva clase». Cuando su tiempo como Screech llegó a su fin en 2000, Diamond cayó en una trampa familiar para muchas estrellas infantiles, y luchó por encontrar trabajo. Apareció como él mismo en varios programas de telerrealidad y tuvo algunos problemas económicos que lo llevaron a vender camisetas para salvar su hogar (vía Hoy). Diamond tuvo varios grados de éxito tratando de poner en marcha su carrera. Los problemas con la ley y otros problemas le impidieron progresar, y una relación difícil con el elenco no mejoró las cosas.

Cuando tenía 44 años, Diamond fue al hospital quejándose de dolor en todo el cuerpo debido a la culebrilla. Un examen encontró que tenía un carcinoma de células pequeñas de los pulmones en etapa tardía cuatro. Se sometió a una ronda de quimioterapia días después, pero murió menos de un mes después de su diagnóstico.

wendel meldrum

Wendel Meldrum como Miss White en Los años maravillososA B C

Wendel Meldrum comenzó su carrera como actriz un poco más tarde en la vida, después de haber sido bailarina. Sin embargo, eso no impidió que el canadiense obtuviera papeles en más de dos docenas de series de televisión. Apareció en algunas películas a lo largo de los años, pero la pantalla chica fue donde dejó su huella. Interpretó a Miss White (más tarde Mrs. Heimer) en «The Wonder Years» durante seis episodios. Meldrum se convirtió en el objetivo del afecto juvenil de Kevin Arnold, que (afortunadamente) no fue correspondido. Si bien no tuvo mucho reconocimiento de nombre por ese papel, entró en el espíritu de la época después de «Los años maravillosos», gracias a una aparición en «Seinfeld», donde su personaje, Leslie, presentó la infame camisa hinchada. Regresó para el final de «Seinfeld» para repetir su papel cinco años después.

El mayor éxito de Meldrum llegó poco antes del final de su vida a través de la serie de televisión «Less Than Kind». Interpretó a Anne Blecher, la matriarca de la familia de la serie, en el programa. La actuación de Meldrum le valió numerosos elogios, incluidas nominaciones y premios para los Canadian Screen Awards y los Canadian Comedy Awards. Además de actuar, Meldrum fue un escritor consumado, habiendo publicado «¿Qué es una mujer?: … Porque es absurdo ser uno en el planeta Tierra, etc.» en 2014.

Meldrum dejó de actuar profesionalmente en 2014, por lo que se desconocen sus actividades desde entonces hasta su muerte en enero de 2021. Murió después de una breve enfermedad no especificada a la edad de 66 años.

David Huddleston

David Huddleston como el abuelo Arnold en Los años maravillososA B C

David Huddleston tuvo una carrera larga y prolífica, comenzando a actuar en 1960 cuando tenía 30 años. Huddleston no entró en la profesión de inmediato debido a un breve período en la Fuerza Aérea de los EE. UU. como mecánico de motores de aviones. Después de completar su servicio, estudió el oficio, lo que lo ayudó a convertirse en un actor de carácter ampliamente reconocido. En «The Wonder Years», Huddleston interpretó al abuelo Arnold durante tres episodios. Kevin Arnold lo describió como «Hércules con bifocales. Superman con tirantes. No tenía edad. Atemporal. Un hombre en un millón. Siempre se podía contar con él». Al abuelo Arnold le gustaba pasear por la ciudad para ofrecer a sus nietos sabia sabiduría y regalos.

Fuera de la serie, el actor estaba por todas partes, y lo más probable es que, aunque nunca lo hayas visto en «Los años maravillosos», lo hayas visto en algo. En 1985, Huddleston se convirtió en el rostro de Santa Claus para una generación de cinéfilos a través de «Santa Claus: The Movie». Tuvo un papel destacado en «Blazing Saddles» de Mel Brooks, pero la mayoría de la gente en estos días lo reconoce desde el momento en que interpretó al epónimo «Big Lebowski» en el clásico de culto de los hermanos Coen. Huddleston pasó la mayor parte de su carrera saltando de la pantalla chica a la pantalla grande y viceversa, sin decidirse realmente por uno u otro.

Huddleston continuó trabajando todo el tiempo que pudo, aunque en 2009 se jubiló en gran medida. En 2016, murió de una enfermedad renal y cardíaca a la edad de 85 años.

Maxine Estuardo

Maxine Stuart como la Sra. Carples en The Wonder YearsA B C

Maxine Stuart comenzó su larga e ilustre carrera en Broadway, donde apareció en numerosas producciones, incluidas «Western Waters» y «A Goose for the Gander», entre otras. Después de casarse, recogió y se mudó a Hollywood. En 1953, consiguió un papel en «Follow Your Heart», que la mantuvo bastante ocupada con más de 100 episodios. Su éxito en televisión continuó durante las décadas de 1950 y 1960, gracias a una aparición en «The Twilight Zone» y otras series populares, como «Perry Mason» y «The Fugitive». No le tomó mucho tiempo dar el salto a la pantalla grande en «Private Benjamin» y varias otras películas, pero su verdadero talento estaba en la televisión.

Si bien apareció en docenas de programas, muchos de los cuales regresaron varias veces, solo apareció en un episodio de «The Wonder Years». Stuart interpretó a la Sra. Carples en «Coda» y lo dejó sin palabras. Fue honrada con una nominación al Emmy a la mejor actriz invitada en una serie de comedia. «‘The Wonder Years’ fue maravilloso», dijo Stuart en una entrevista con la Fundación de la Academia de Televisión. «Eso fue maravilloso. Interpreté al profesor de piano y obtuve una pequeña nominación por eso, y eso fue agradable». La actriz disfrutó asistir a los premios Emmy con su esposo, y su asentimiento se convirtió en su obituario.

Stuart siguió trabajando hasta que cumplió 80 años y disfrutó de casi una década de jubilación. En 2013, murió por causas naturales a la edad de 94 años.

jean speegle howard

Jean Speegle Howard como Jane Gustafson en Los años maravillososA B C

La carrera de actriz de Jean Speegle Howard comenzó en una compañía de teatro infantil, en la que actuó durante varios años antes de dejarla para criar a su familia (a través de ABC News). Después de casarse con Rance Howard en 1949, tuvo dos hijos, Ron y Clint. Si esos nombres le parecen familiares, es probable que conozca a Ron Howard como una estrella infantil convertida en director y a Clint como actor de carácter con cientos de créditos a su nombre. Por supuesto, no eran los únicos miembros de la familia en el mundo del espectáculo, porque Jean volvió a actuar en 1985 cuando interpretó a una mujer no identificada en «Cocoon».

Los créditos de Howard muestran 17 largometrajes, incluido un pequeño proyecto dirigido por Ron llamado «Apollo 13». Si bien disfrutó del éxito en la pantalla grande, la mayor parte de su trabajo la mantuvo ocupada en varias comedias de situación. Apareció en solo un episodio de «The Wonder Years», interpretando a la madre de Norma, la madre de Kevin Arnold, Jane Gustavson. Esto fue hacia el final de la temporada final, por lo que los showrunners ciertamente mantuvieron a la gente de Norma fuera de la vista hasta el último minuto de la serie. Howard tuvo apariciones en varias otras series a lo largo de los años, pero su carrera llegó a su fin en 2000, con su último papel en la película «The Hiding Place».

La salud de Howard comenzó a decaer, lo que la obligó a alejarse de su carrera como actriz. En 2000, murió de problemas cardíacos y respiratorios a la edad de 73 años (a través de ABC News).

steven gilborn

Steven Gilborn como el Sr. Collins en Los años maravillososA B C

Steven Gilborn pasó buena parte de su vida adulta trabajando como actor, pero antes de elegir ese camino, Gilborn obtuvo su doctorado. en humanidades y literatura dramática, y trabajó como profesor en el MIT. También enseñó en otras instituciones prestigiosas, incluidas UC Berkeley y Columbia (según The New York Times). Eventualmente dejó eso atrás para seguir una carrera en la actuación. Gilborn apareció en cerca de 100 series de televisión diferentes entre 1982 y 2007, por lo que es seguro decir que el hombre fue prolífico. Tampoco se limitó a la pantalla chica y ha aparecido en el escenario y la pantalla grande, aunque es más conocido por su trabajo en televisión.

Interpretó al Sr. Collins, el maestro de álgebra de octavo grado de Kevin Arnold, una tarea que puede haber sido más fácil para el dotado académico que para sus compañeros. Gilborn interpretó el papel en tres episodios y su actuación fue memorable. Para aquellos que lo conocen fuera de «The Wonder Years», probablemente sea mejor conocido por interpretar al padre de Ellen DeGeneres en «Ellen». Curiosamente, uno de sus papeles cinematográficos, el de Padre en «Alien Resurrection», también le valió un crédito en videojuegos.

Gilborn continuó trabajando hasta 2008, cuando su actuación final llegó a través de una aparición en «Rodney» como el Sr. Pratt. Al año siguiente, Gilborn murió de cáncer a la edad de 72 años (según The New York Times).

ben holgura

Ben Slack como el Sr. Ermin en Los años maravillososA B C

La larga carrera de Ben Slack en la televisión comenzó a principios de la década de 1970. Sin embargo, su primer papel fue en el clásico de Al Pacino, «Serpico». No fue acreditado en ese papel, donde interpretó a un detective sin nombre. Aún así, fue el comienzo de una carrera larga y variada. Durante las décadas de 1970 y 1980, Slack aparecía en casi todas las series importantes, incluidas «The Dukes of Hazzard», «Happy Days» y «Cagney & Lacey». Cuando llegó el momento de conseguir un papel en «Los años maravillosos», Slack hizo el papel del Sr. Ermin, el llamado «Genghis Khan del cuidado del césped». Tenía un césped del tamaño de Wyoming», piensa Kevin Arnold.

Slack apareció como el vecino en tres episodios, y cada vez que aparecía, se convertía en un momento significativo en la vida de Kevin. Para ser justos, casi todos los momentos del programa fueron importantes, que es el punto de «Los años maravillosos», pero el Sr. Ermin tuvo un impacto particular. Contrató a la banda de Kevin, The Electric Shoes, para tocar en su primer (y afortunadamente único) concierto, por lo que el hombre dejó una marca. Cuando no pasaba tiempo frente a las cámaras, Slack actuaba en varios teatros de la ciudad de Nueva York, donde probó suerte con Shakespeare y otros clásicos.

La carrera actoral de 40 años de Slack llegó a su fin cuando se retiró en 2001. Lamentablemente, no pudo disfrutar de la jubilación por mucho tiempo, ya que Slack murió de insuficiencia cardíaca en 2004 a la edad de 67 años.

pat crawford marrón

Pat Crawford Brown como la Sra. Ruebner en The Wonder YearsA B C

Pat Crawford Brown pasó la mayor parte de su vida enseñando literatura inglesa en una escuela secundaria en Carson, California (a través de Los Angeles Times). Aunque había dirigido entretenimiento para el ejército, Brown ya tenía 50 años cuando decidió dejar atrás la enseñanza y dedicarse a la actuación profesional. No fue un mal movimiento, ya que rápidamente se convirtió en una actriz bastante prolífica. Su primer papel notable fue en un episodio de «The Twilight Zone» en 1986. A partir de ahí, Brown continuó obteniendo papeles en destacadas series de televisión con apariciones ocasionales en películas.

Brown no asumió el papel de protagonista principal, pero tuvo un impacto con los espacios de invitados y de invitados. Ya estaba muy avanzada en su carrera cuando apareció como la Sra. Ruebner en dos episodios de «The Wonder Years». La Sra. Ruebner fue la consejera vocacional de Kevin Arnold y jugó un papel decisivo en empujar a Kevin a ir a la universidad. Fuera de la serie, Brown interpretó muchos personajes secundarios, pero su actuación como la monja del coro en la franquicia «Sister Act» le proporcionó algunos momentos cinematográficos memorables.

Si bien muchos espectadores nunca aprendieron su nombre, la mayoría podría elegir a Pat Crawford Brown de una alineación gracias a su gran cantidad de papeles y su increíble variedad, desde telenovelas como «The Young and the Restless» hasta innumerables comedias de situación, como «Sister, Sister». y «Lizzie McGuire». Brown se retiró de la actuación en 2012, después de haber interpretado su último papel en «Fred: The Show». Murió después de una larga enfermedad no especificada en 2019 a la edad de 90 años.

charles tyner

Charles Tyner como el Sr. Nestor en The Wonder YearsA B C

Charles Tyner comenzó a actuar varios años después de regresar del Frente Europeo de la Segunda Guerra Mundial. Se desempeñó como soldado de infantería de combate durante el conflicto, y no fue hasta la década de 1950 que comenzó a trabajar como actor profesional. En el escenario, actuó en «Orpheus Descending» en Broadway, y no pasó mucho tiempo antes de que Tyner apareciera en importantes películas, incluido el papel de Boss Higgins en «Cool Hand Luke» junto a Paul Newman en 1967. Tyner pasó la mayor parte de la década de 1960 trabajando en televisión

La década de 1970 no fue diferente, y en 1982, cuando le dijo al Sunday News cuánto disfrutó su trabajo en «Father Murphy», Tyner también dijo: «Realmente me gustan los niños, las flores y los cachorros». Tyner trabajó con niños en «The Wonder Years» en 1990, luego de acumular decenas de créditos en una carrera ya larga y exitosa. Interpretó al Sr. Nestor, el maestro de taller de la escuela secundaria en la serie. Kevin intentó abandonar su clase en la primera aparición de Tyner en el programa, pero el Sr. Nestor solo estaría de acuerdo si el niño podía vencerlo en la lucha libre. Como puede suponer, las cosas no salieron como Kevin esperaba.

Tyner regresó al programa para un episodio más antes de dejar «The Wonder Years» para siempre. Después de dejar la serie, no tuvo muchos papeles, trabajando esporádicamente durante la década de 1990 con solo dos créditos en el siglo XXI. Tyner murió en noviembre de 2017 a la edad de 92 años.

Pablo B. Precio

Paul B. Price como el Sr. Katz en The Wonder YearsA B C

Paul B. Price apareció en dos episodios de «The Wonder Years» como el Sr. Katz, un maestro que trató de conectarse con sus alumnos al inyectar letras de canciones populares en sus planes de lecciones. Como puede imaginar, no salió tan bien como él hubiera deseado, pero logró abrirse paso hasta Kevin durante su aparición al final de la primera temporada. Price trabajó como actor desde 1963 hasta su último papel en 2011. Tiene 24 créditos de IMDb a su nombre y participó en varias producciones teatrales. En televisión, apareció en varias series populares, incluidas «Empty Nest» y «The Jeffersons», entre otras.

Gran parte de su trabajo en pantalla se produjo a principios de la década de 1970, cuando interpretó a Ralph en «Sesame Street». No, eso no quiere decir que interpretó a Ralphie, el loro de Baby Bear: interpretó a la mitad del dúo de comedia conocido como Wally y Ralph durante tres temporadas en el programa. Además de actuar, Price fue un escritor de éxito, ya que escribió casi 20 episodios para numerosas series, incluidas «Laverne & Shirley», «Ferris Beuller» y «Empty Nest». También encontró trabajo como director, con el cortometraje «1501 ½», por el que se llevó a casa un premio en el Festival Internacional de Cine de Berlín de 1971.

Price se retiró en gran parte de sus muchas profesiones en la industria del entretenimiento a principios de siglo. Murió en paz en su casa en 2012 a la edad de 78 años.

pájaro billie

Billie Bird como mujer en Los años maravillososA B C

Billie Bird era el tipo de actor que probablemente viste en docenas de películas y series de televisión pero no sabías su nombre. Fue prolífica y tenía experiencia en el vodevil. Según Variety, un acto de gira descubrió a Bird cuando era una niña en un orfanato. Creció actuando y subió al escenario antes de trabajar en «I Love Lucy» y muchas otras series de televisión y películas. También dotado musicalmente, Bird apoyó a las tropas en Vietnam durante los años 60 y 70 al viajar al país 12 veces con la USO. La actriz fue estrella invitada en «The Wonder Years» dos veces, aunque ambas apariciones la acreditan como «mujer». A pesar de esto, tiene la distinción de ser la última invitada en aparecer en la serie, gracias a sus momentos en el final del programa, «Independence Day».

Las apariciones de Bird en «The Wonder Years» estuvieron mucho más cerca del final de su carrera que del comienzo. Apareció en algunas películas casi al mismo tiempo, incluida «Home Alone», donde interpretó a una mujer en el aeropuerto que cambia sus boletos para ayudar a la madre de Kevin. Aún así, de todos sus muchos papeles, probablemente sea mejor conocida por interpretar a Mama en «It Takes Two» o Margie Philbert en «Dear John». «The Wonder Years» fue su penúltima aparición en televisión, con su último (y último) trabajo como actriz en «George & Leo» de 1997, donde interpretó a un cliente anónimo.

El consumado actor murió de la enfermedad de Alzheimer en 2002, poco después de dejar de actuar (a través de Variedad). Bird tenía 94 años cuando murió.

Estrellas de Bold and Beautiful que no sabías murieron

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betty blanco sonriendo s_bukley/Shutterstock

Desde que aterrizó por primera vez en nuestras pantallas en 1987, «The Bold and the Beautiful» ha sido una de las telenovelas más populares, con CBS renovando el programa por dos temporadas más en 2022, según The Hollywood Reporter. La telenovela brinda a los fanáticos una representación glamorosa y brillante de la vida real, con su elenco en constante expansión siempre vestido e impecablemente arreglado, incluso en medio de peleas épicas. Los interminables dramas de la familia Forrester han proporcionado un amplio material para muchas conversaciones a lo largo de los años. De acuerdo, tal vez las tramas no siempre sean geniales, al menos según algunos críticos, pero el programa, sin embargo, ofrece una gran cantidad de entretenimiento y escapismo a través de historias más elegantes y giros sorprendentes.

Además, la serie ha catapultado al estrellato a varios de sus actores. Muchas celebridades son exalumnas de «Bold and Beautiful», incluida la heroína de «Jane the Virgin», Gina Rodríguez, e incluso Usher. Si bien las estrellas antes mencionadas han disfrutado mezclándose con A-listers desde sus períodos en el programa, otros actores están bastante contentos con vivir sus carreras a través de la amada telenovela.

Dado que la telenovela ha estado en el aire durante más de 30 años, es una triste inevitabilidad que algunas de sus estrellas ya no estén con nosotros. Si bien muchos de estos actores vivieron hasta bien entrada la vejez, otros fallecieron prematuramente, dejando a los fanáticos pensando en lo que podría haber sido. Esté preparado para las obras hidráulicas, ya que le brindamos información sobre las estrellas de «Bold and Beautiful» que no sabía que habían muerto.

jeff conaway

Jeff Conaway sonriendo Imágenes de Todd Williamson/Getty

Aunque mejor conocido por su papel en «Grease» como el mujeriego Kenickie, Jeff Conaway fue un pilar de la televisión. Además de su famoso papel en la comedia «Taxi», Conaway apareció en «The Bold and the Beautiful» a principios de los 90 como Mick Savage, el interés amoroso de Kristen Forrester. Lamentablemente, Conaway estaba plagado de demonios personales. Según el documental «Autopsy: The Last Hours Of…» (a través de The Mirror), desarrolló un problema de drogas después de lesionarse gravemente la espalda mientras realizaba el icónico baile de la canción «Greased Lightning» en 1978. Después de la lesión, aparentemente se volvió adicto a 12 analgésicos diferentes para adormecer su agonía.

En 2008, apareció en «Celebrity Rehab», en el que detalló el alcance de su adicción junto con el dolor físico y mental, según Time. Hablando con Los Angeles Times, dijo que esperaba que su franqueza en la serie de telerrealidad ayudara a otras personas que luchan contra la adicción. Un emocionado Conaway también reflexionó sobre su propia mortalidad, admitiendo conmovedoramente: «No sé a dónde van los actores después de morir, pero conozco personas que ayudan a otras personas a tener un buen lugar a donde ir. Y me gustaría ir allí si quiero pueden.»

Según CNN, lo llevaron de urgencia al hospital con neumonía y una infección en la sangre en 2011. El Dr. Drew Pinsky de «Celebrity Rehab» confirmó que, contrariamente a los informes iniciales, Conaway no tuvo una sobredosis. Después de ser puesto en coma inducido, le quitaron el soporte vital, según The Hollywood Reporter. Conaway tenía solo 60 años cuando murió.

Si usted o alguien que conoce está luchando con problemas de adicción, hay ayuda disponible. Visita el Sitio web de la Administración de Servicios de Salud Mental y Abuso de Sustancias o comuníquese con la línea de ayuda nacional de SAMHSA al 1-800-662-HELP (4357).

kathryn joosten

kathryn joosten sonriendo Kathy Hutchins/Shutterstock

Kathryn Joosten tenía docenas de créditos a su nombre, sobre todo como la chismosa del vecindario Karen McCluskey en «Desperate Housewives». Según Today, no se embarcó en una carrera como actriz hasta los 42 años. Durante muchos años, Joosten vivió con cáncer. Cuando fue estrella invitada en el episodio 6000 de «The Bold and the Beautiful», aportó al programa su experiencia real con el cáncer. Según EW, el episodio vio a Stephanie Forrester conocer a varios sobrevivientes de cáncer, incluido Joosten, a quien se le diagnosticó la enfermedad por primera vez en 2001.

Con respecto a su aparición en el programa, Joosten le dijo a TV Guide que era importante elegir a pacientes reales con cáncer para los papeles. También destacó el estigma que enfrentan los pacientes con cáncer de pulmón, ya que la enfermedad a menudo está relacionada con el tabaquismo. «El cáncer de pulmón hoy en día se considera como el SIDA en los años 80: se considera la enfermedad que te contagiaste a ti mismo… Pero cama y desayuno realmente está sacando la verdad a la luz, en realidad están escuchando a lo que los pacientes con cáncer tienen que decir, y eso es emocionante», dijo.

Once años después de su diagnóstico, la salud de Joosten empeoró constantemente. La estrella enferma filmó sus escenas finales para «Desperate Housewives», en las que su personaje también fue representado muriendo de cáncer de pulmón, según BBC. Solo tres semanas después, Joosten murió a la edad de 72 años. En una entrevista con EW unas semanas antes de su muerte, se burló de la noción de jubilación: «¿Retirarse de qué? ¿De la vida? Ya sabes, es una alegría. Es divertido . Está jugando».

antonio addabbo

Anthony Addabbo posandoBarry King/imágenes falsas

Anthony Addabbo tuvo papeles recurrentes en «The Bold and the Beautiful», mostrando su versatilidad en la telenovela como los gemelos idénticos Jonny y Tony «Rush» Carrera. Además de la serie de larga duración, también protagonizó «Guiding Light», «Dallas», «Cheers» y «The Nanny». Antes de su carrera como actor, el apuesto nativo de Florida trabajó como modelo, según Soaps. Era famoso por su atractivo atractivo, lo que lo convertía en el protagonista perfecto de una telenovela.

A mediados de la década de 2000, su carrera comenzó a tambalearse. Según Soap Opera Digest, esto se debe a que quería concentrarse en criar a sus hijos. El orgulloso hombre de familia hizo su última aparición como actor en la película para televisión «Company Town» de 2013 y nunca más se lo volvió a ver en la pantalla.

Lamentablemente, Addabbo murió en 2016, con solo 56 años. «Hoy perdimos a un hombre muy bueno, un padre y un gran actor… Nunca olvidaré lo emocionado que estabas de conseguir B&B», dijo su coprotagonista en la telenovela. , Windsor Harmon, dijo conmovedoramente, según The Wrap. «Por cierto, todavía me debes esa cena de langosta. La cobraré la próxima vez que te vea». Según Radar, dejó un hijo adolescente en el momento de su muerte. Un obituario en Soap Opera Digest señala que Addabbo era muy querido por sus coprotagonistas, con Kristoff St. John (quien, por cierto, también moriría joven solo tres años después) elogiando su profesionalismo y su extravagante sentido del humor. Se fue demasiado pronto, la causa de la muerte de Addabbo sigue siendo desconocida.

fran bennett

Fran Bennett mirando a popaYoutube

Fran Bennett era un actor actor estimado, habiendo sido entrenado en teatros en Minneapolis y Londres, según The Hollywood Reporter. Después de papeles en «Guiding Light» y «General Hospital», protagonizó «The Bold and the Beautiful» en 1987, donde interpretó a la jueza Madeline Collins durante 13 episodios.

Además de la inmensa presencia de Bennett en la pantalla en sus diversos papeles serios, demostró que era experta en mostrar su lado tonto. Unos años antes de su muerte, apareció en «Community», golpeando infamemente a Britta en una escena desenfrenada del episodio de la temporada 1 «Genealogía básica». Además, interpretó a Mother Jefferson en el reinicio en vivo de «The Jeffersons» de Jimmy Kimmel en 2019, junto a Jamie Foxx y Wanda Sykes, según TV Line.

Además de ser un actor profesional, Bennett fue un educador y partidario vocal de las actividades creativas, habiendo sido nombrado Jefe de Actuación/Director de Interpretación en el Instituto de las Artes de California. Cuando Bennett murió tristemente en 2021, a los 84 años, el Instituto elogió sus iniciativas para diversificar las artes en un momento en que rara vez se hablaba de la importancia de la inclusión. «La voz de Fran era inconfundible. Nunca rehuyó usarla. Y enseñó a tantos a lo largo de los años a encontrar y liberar la suya», dijo la universidad en un comunicado, señalando que Bennett animó a los estudiantes de color antes de que existieran los comités de diversidad. «Ella defendió incesantemente a los estudiantes, artistas e innovadores de todos los orígenes, y exigió que los líderes hicieran más para servir a los excluidos y excluidos», continuó la conmovedora declaración.

pedro marrón

Peter Brown con un sombrero de vaquero Kathy Hutchins/Shutterstock

El tosco Peter Brown tenía todo el encanto de una estrella clásica de Hollywood, pero nunca llegó a estar a la altura de sus contemporáneos. En cambio, era mejor conocido por sus papeles en películas del oeste y telenovelas, pero su carrera abarcó la friolera de seis décadas. Por lo general, un actor secundario de una estrella importante, como James Garner en «Darby’s Rangers», su gran oportunidad llegó en 1958 cuando obtuvo el papel del diputado Johnny McKay en el western televisivo «Lawman».

Hablando con el Ocala Star-Banner en 1959, dijo que estaba agradecido de que el papel le hubiera marcado el comienzo de su carrera como actor. «Este espectáculo es lo mejor que me pudo haber pasado», dijo entusiasmado. «Me da un entrenamiento que no podría haber obtenido de otra manera». De hecho, disparar y adoptar una personalidad ultramacho sin duda perfeccionó la capacidad de Brown para interpretar a un antihéroe: en «The Bold and the Beautiful», interpretó a un matón cruel. Se unió a la telenovela en 1991, representando amenazadoramente al exmarido de Taylor, Blake Hayes, según Lakeland Ledger. El papel terminó después de un año y, posteriormente, Brown apareció en una serie de papeles menores en programas como «Wings» y «JAG», así como en papeles secundarios en películas de bajo presupuesto.

Según The New York Times, hizo su última aparición como actor en 2005, aunque continuó saludando a los fanáticos en eventos con temas del oeste después de su desaparición del centro de atención. Murió de la enfermedad de Parkinson en 2016, a la edad de 80 años.

Darlene Conley

Darlene Conley posando Imágenes de Frazer Harrison/Getty

La Sally Spectra original fue la diva de «The Bold and the Beautiful» y Darlene Conley personificó perfectamente su grandiosa personalidad. Sally, una señora atrevida y sensata, estuvo involucrada en una disputa de larga data con la amiga-enemiga Stephanie Forrester, que a menudo resultó en que Sally arrojara una gran sombra. Hablando con Big Beautiful Woman sobre el personaje, Conley la describió como «descaradamente sexy» y elogió el papel como una representación empoderadora de una mujer mayor (al menos según los estándares de Hollywood) en el tipo de papel sexualmente positivo que generalmente se reserva para los zorros plateados. .

Además de su papel más famoso como la diva del cabello llameante, apareció en otras telenovelas, como «The Young and the Restless» y «Days of Our Lives». En 1998 fue inmortalizada en el museo de Madame Tussaud. Al hablar sobre el proceso de convertirse en una figura de cera, Conley fue tan mordaz e ingeniosa como su alter ego «Bold and Beautiful». «Tuve a este hermoso joven debajo de mi falda durante horas», bromeó, según AP. «Miden y fotografían cada centímetro tuyo desde todos los ángulos… En este punto, el escultor me conoce mejor que mi exmarido».

Conley murió de cáncer de estómago en 2007, a los 72 años, según The New York Times. Su personalidad más grande que la vida no pasó desapercibida para quienes la rodeaban. «Darlene entendió mejor que nadie que cada momento del aire era precioso… Ya fuera la villana, la damisela, la sexpot o la comediante, Darlene era brillante», dijo el productor de «Bold and Beautiful», Bradley P. Bell, según Emmy. .

Enrique Darrow

Henry Darrow sonriendo Imágenes de Jesse Grant/Getty

El actor de carácter Henry Darrow tuvo un papel recurrente en «The Bold and the Beautiful» como el Dr. Carlos Núñez, pero su larga carrera se remonta a fines de la década de 1950. Según People, la estrella puertorriqueña prometió mantenerse fiel a sus raíces a lo largo de su carrera, rechazando los roles estereotipados que la industria impone a los artistas de color.

Antes de embarcarse en su carrera en las telenovelas, actuó en varias películas de bajo presupuesto. Su primer papel protagónico fue en «La venganza de las vírgenes» de 1959, escrita por la leyenda de la película B Ed Wood, según Medium. Pero su papel más famoso fue el de Manolito en el western televisivo de los años 60 «The High Chaparral». Además de ser un actor estimado, fue un destacado defensor de la justicia social. Como fundador del Comité de Minorías Étnicas del Sindicato de Actores de Pantalla, buscó elevar las voces de sus compañeros actores latinos, según Los Angeles Times.

En una entrevista de 2011 con Career Thoughts, habló sobre su historial familiar de muertes prematuras, divulgando su compromiso de adherirse a una vida limpia después de que él mismo sufriera un problema de salud. «Papá murió joven: solo tenía 68 años y murió de un ataque al corazón, al igual que sus otros tres hermanos, todos menores de 70 años», reveló. «Tuve mi primer ataque al corazón y me pusieron un stent hace 12 años… Cambié mi dieta y dejé de fumar». Vivió diez años más antes de morir a la edad de 87 años, según The Hollywood Reporter. Cuando falleció, HUNDIMIENTO declaró a Darrow «el orgullo de Puerto Rico».

kevin dobson

Kevin Dobson sonriendo Kathy Hutchins/Shutterstock

Kevin Dobson era el tipo de actor que siempre ves en la televisión, pero quizás no puedas ponerle un nombre. Aunque nunca alcanzó el cénit de carrera de sus compañeros en la década de 1970, el legado de Dobson no es motivo de burla: el actor tiene más de 65 créditos a su nombre. Más famoso, apareció en «Kojak» y «Knots Landing», pero en 2007 consiguió el papel del juez Devin Owens en «The Bold and the Beautiful», repitiendo el papel en 13 episodios.

Según EW, filmó su última aparición como actor en el programa de televisión de ciencia ficción «12 to Midnight» (que no se estrenó hasta después de su muerte), y luego salió silenciosamente del centro de atención. Dobson estuvo enfermo durante algún tiempo, ya que le diagnosticaron una deficiencia autoinmune, según The New York Times. Lamentablemente, su enfermedad le provocó una insuficiencia cardíaca y murió en 2020, a los 77 años.

Aunque había estado enfermo por un tiempo, algunos de los amigos más cercanos de Dobson no parecían saber que estaba enfermo. Era un buen amigo de su coprotagonista de «Knots Landing», Michele Lee, quien expresó su conmoción por su fallecimiento. «Pasó por muchas cosas en la vida y, sin embargo, siempre fue fiel a sí mismo e increíblemente amable… Siempre esperas conocer a alguien como él en cualquier momento de tu vida», dijo a Fox News. «Solo pensar en su fallecimiento todavía me hace ahogarme. Estaba tan sorprendido. Lo había visto solo seis meses antes de su muerte».

betty blanco

betty blanco sonriendo Imágenes de Brian To/Getty

«The Bold and the Beautiful» ha visto ir y venir a muchas estrellas importantes a lo largo de los años, incluida Betty White. La Chica Dorada actuó en la telenovela durante tres años, interpretando a Ann Douglas. En una entrevista con Tulsa World, reveló que disfrutó el papel sustancioso. «También es, para mí, un gran tramo porque no tengo la oportunidad de hacer una actuación seria», dijo efusivamente. «Así que tener cosas serias que hacer fue algo divertido». Según Soaps In Depth, Ann fue asesinada en 2009 cuando el personaje murió de cáncer de páncreas.

White era un tesoro nacional, por lo que cuando le faltaban unas semanas para cumplir 100 años en 2021, los fanáticos estaban emocionados de ver a la amada estrella alcanzar ese hito trascendental. De hecho, la propia White estaba emocionada por su cumpleaños y publicó en Instagram anticipándose a su próxima celebración con la revista People. Pero solo 3 días después, en la víspera de Año Nuevo, White murió. Según The Los Angeles Times, su muerte se debió a un derrame cerebral que sufrió unos días antes. Su fallecimiento ocurrió apenas 18 días antes de que cumpliera 100 años.

Tras el fallecimiento de White, «The Bold and the Beautiful» le rindió homenaje (a través de Soaps In Depth), declarando: «Nuestras más profundas condolencias a la familia y seres queridos de Betty White, quienes nos honraron con su alegre presencia y notable talento como Ann Douglas. Betty era tan audaz y hermosa como parece, y la extrañaremos mucho».

miguel tylo

Michael Tylo sonriendo Archivos de Michael Ochs/imágenes falsas

Famoso por su mandíbula angulosa y cabello rubio, Michael Tylo fue un pilar de la televisión durante los años 80 y 90. Era conocido por sus papeles en varias telenovelas, interpretando a Matt Connolly en «All My Children» y al brillante Blade Bladeson en «The Young and the Restless». Pero fue su aparición en 2000 en «The Bold and the Beautiful» lo que significaría su último papel en la telenovela, según El sol. A partir de entonces, tuvo pequeños papeles en varios programas de bajo presupuesto. The Daily Mail informa que también trabajó como profesor de cine en la Universidad de Nevada para complementar sus ingresos.

En 1987, se casó con la también estrella de «Bold and Beautiful», Hunter Tylo, quien interpretó a Taylor Hayes. Según The Chicago Tribune, la pareja se conoció por primera vez cuando aparecieron en «All My Children» y enfrentaron serias repercusiones en su relación, debido a que los productores prohibieron a los coprotagonistas involucrarse en enredos románticos. «Dijeron que tenían una regla sobre eso y que uno de nosotros tendría que irse, así que dije: ‘Hasta luego. Vete’. [expletive] en tu sombrero'», dijo Hunter al medio.

La pareja sufrió numerosas tragedias a lo largo de su matrimonio. En 2007, el hijo de Tylo, Michael Tylo Jr., murió a la edad de 19 años después de ahogarse en una piscina, según Reuters. Mientras tanto, a su hija Katya le diagnosticaron una rara forma de cáncer cuando era niña. En 2021, Tylo murió luego de sufrir una enfermedad. Tenía 72 años. Sus colegas lo recordaban como un «amigo, colega, maestro y artista ejemplar», según The Hollywood Reporter.

Antonio Sabato Sr.

Antonio Sabàto Sr sonriendo Imágenes falsas/Carlo Allegri

Antonio Sabàto Sr. apareció en docenas de películas y programas de televisión, tanto en los Estados Unidos como en Italia, donde protagonizó muchos spaghetti westerns. Sin embargo, quizás sea más famoso por su papel en el drama de carreras de 1966 «Grand Prix», en el que protagonizó junto a los íconos de Hollywood James Garner e Yves Montand, según The New York Times.

En 2006, tuvo un papel memorable pero breve en «The Bold and the Beautiful» como Aldo Damiano, apareciendo en el programa durante varios episodios, según The Mirror. Esto marcaría su última aparición como actor. El hijo del veterano, Antonio Sabàto Jr., es modelo y actor (y, más tarde, candidato republicano fallido), que se embarca en una carrera de telenovelas muy parecida a la de su padre. La pareja interpretó a padre e hijo en «The Bold and the Beautiful», según Soap Central.

En 2021, el joven Sabàto tuiteó que su padre se había enfermado gravemente tras contraer la COVID-19. «Señor, mantenlo rodeado de ángeles y el amor y la fuerza de Dios puro en su interior», escribió Sabàto Jr. en un tweet eliminado (a través de Yahoo!). Lamentablemente, Sabàto Sr. no lo logró y murió solo unos días después por complicaciones de COVID-19, según Deadline. Tenía 77 años. The New York Times señala que Sabàto Sr. se mantuvo modesto sobre su fama como actor, destacando un caso en el que un entrevistador le preguntó si realmente era el famoso Antonio Sabàto. «Desde el mismo día que nací», fue la concisa respuesta del actor.

Juana Cooper

Jeanne Cooper sonriendo Kathy Hutchins/Shutterstock

La veterana actriz Jeanne Cooper inició su carrera protagonizando varios westerns de Hollywood en la década de 1950, según TV Guide. Pero no fue hasta que ingresó al reino de las telenovelas en la década de 1970 que se convirtió en un nombre familiar, al obtener el papel de la poderosa matriarca Katherine Chancellor en «The Young and the Restless». Al igual que varios actores clave de la telenovela, Katherine hizo una aparición cruzada en «The Bold and the Beautiful» en 2005.

En una conversación con Smashing Interviews, Cooper se jactó de ser la primera participante de un programa de telerrealidad, ya que tuvo un lavado de cara en pantalla en un episodio de «The Young and the Restless» en los años 80. En cuanto a si su vida realmente reflejó la sombra y el té derramado de Katherine Chancellor, Cooper bromeó: «Sí, bueno, escucha, quiero decirte… no tantos esposos como amantes. Todos están enterrados debajo de mi ventana». así que no tengo que ir muy lejos para mirar por la ventana y adorar a uno u otro».

Según The Washington Post, la vida de Cooper fuera de la pantalla fue tan colorida y, por el contrario, tan oscura como los mundos de las telenovelas en los que habitaba. Según los informes, tuvo una aventura con el actor que interpretó a su hijo y también sufría de dependencia del alcohol, al igual que Katherine. En 2013, hizo su última aparición como el personaje muy querido. Poco después, murió a la edad de 84 años. Según Los Angeles Times, había estado sufriendo problemas de salud durante bastante tiempo.

Si usted o alguien que conoce está luchando con problemas de adicción, hay ayuda disponible. Visita el Sitio web de la Administración de Servicios de Salud Mental y Abuso de Sustancias o comuníquese con la línea de ayuda nacional de SAMHSA al 1-800-662-HELP (4357).

antonio johnson

Anthony Johnson hablando en una entrevista Youtube

Anthony Johnson fue un comediante conocido por sus papeles en varias comedias alegres. Pero todo el mundo tiene que empezar en alguna parte y para Johnson, «The Bold and the Beautiful» proporcionó una puerta de entrada a la industria. Tuvo una breve temporada en la telenovela en 1989, interpretando a un proveedor de servicios de catering en su primer papel televisivo. Aunque es una parte de parpadear y te lo perderás, Johnson pronto fue impulsado hacia el estrellato. Johnson es mejor conocido por su papel en la comedia de 1995 «Friday», junto a Ice Cube y Chris Tucker. También apareció en «The Jamie Foxx Show» y tuvo un papel protagónico en la película criminal de 1998 «I Got the Hook-Up».

El cómico padeció diversas dolencias a lo largo de su vida. En 2009, se informó incorrectamente que tuvo un ataque al corazón en un avión mientras se dirigía a un programa de comedia. Sin embargo, luego aclaró en una entrevista con VladTV que tuvo un ataque de pánico, que puede simular los síntomas de un ataque al corazón según un estudio de 2011. Explicó que la experiencia fue traumática, ya que el personal del avión lo retuvo a la fuerza mientras él entraba en pánico.

Johnson tenía solo 55 años cuando murió en 2021. Trágicamente, luchó contra el consumo de alcohol, lo que lo llevó a una falla orgánica múltiple, según USA Today. También tenía COVID-19 en el momento de su muerte. «El mundo de la comedia realmente ha sido sacudido nuevamente», dijo su representante. «Nos ha dejado recuerdos asombrosos de su risa, habilidades de actuación dinámicas, pero sobre todo su enorme personalidad y su corazón de oro».

Si usted o alguien que conoce está luchando con problemas de adicción, hay ayuda disponible. Visita el Sitio web de la Administración de Servicios de Salud Mental y Abuso de Sustancias o comuníquese con la línea de ayuda nacional de SAMHSA al 1-800-662-HELP (4357).

jose mascolo

José Mascolo sonriendo Alberto E. Rodríguez/Getty Images

Cuando uno piensa en el villano arquetípico de las telenovelas, es probable que evoque imágenes de Massimo Marone de «The Bold and the Beautiful» planeando sus planes diabólicos. Massimo fue interpretado por Joseph Mascolo y quizás no haya nadie que encapsule la maldad caricaturesca del villano de la telenovela que el veterinario en funciones. Con su bigote diabólico (y extraño) y su comportamiento amenazador, interpretó con aplomo a Massimo, el turbio dueño del negocio. Pero ese no fue su único papel de malo en una telenovela. El pilar de la televisión también apareció en «Days of Our Lives» como el criminal intrigante Stefano DiMera.

Si bien a los fanáticos les puede haber encantado ver a Mascolo encarnar a Massimo y Stefano en los respectivos jabones, no estaba tan entusiasmado. En una entrevista con Soap Opera Digest, admitió que se sentía algo sofocado por las limitaciones de interpretar a un villano de telenovelas. «Lo que no me gusta de las telenovelas en general son los personajes simplistas en blanco y negro. Son condenadamente aburridos», dijo. «Quiero hacer un personaje más completo… Stefano fue presentado como una figura misteriosa, ahora es más un villano común». Sin embargo, volvió al personaje en 2006 después de dejar «Bold and Beautiful».

Hacia el final de su vida, comenzó a sufrir la enfermedad de Alzheimer y también sufrió un derrame cerebral, según informó CNN. En 2016, murió de complicaciones de Alzheimer, a los 87 años, según Variety. Como señaló The Hollywood Reporter, su viuda, Patricia, dijo en un comunicado que recordaría a Mascolo como «un gran oso con corazón de cachorro».